Поп арт стиль рисования: Attention Required! | Cloudflare

Содержание

арт — история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

Popular art – в переводе с английского «популярное искусство», а слово pop означает ещё и «резкий хлопок». Поэтому термин «поп-арт» имеет двойное значение: «искусство в массы» и нечто шокирующее. Такое сочетание было вполне в духе своего времени – как стиль, поп-арт оформился в Америке в 50-60-е годы XX-го века.

Поп-арт – это своеобразный протест против абстрактного искусства, безликого минимализма, пресного конструктивизма, ставших популярными ранее. Прародителями поп-арта стали художники-иллюстраторы, комиксисты, мультипликаторы, фотографы и рекламщики. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. Производственные дефекты: неравномерное распределение красок, типографское зерно, ошибки цвета при печати стали непременным атрибутом нового стиля. На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй.

Поп-арт поменял местами внешнее и внутреннее.

Энди Уорхол

Стиль поп-арт не содержит заумных концептуальных идей, он адресован к обывателю, к народным массам в той же степени, как адресованы к ним средства массовой информации. Недаром расцвет поп-арта совпал с повсеместным распространением телевидения, глянцевых журналов и началом эпохи массового потребления. Глянцевость и гламур – ещё одна неотъемлемая черта этого стиля. Часто в интерьерах поп-арт используются гладкие глянцевые поверхности.

Узнаваемые картинки с обложек периодических изданий, фото знаковых мировых событий и звёзд экрана, популярные герои кино, мультфильмов и телешоу – всё это образы поп-арта. При этом они как будто воспроизводятся на печатном станке или сходят с конвейера – картинки тиражируются и располагаются в один ряд, детали орнамента образуют полотно из разноцветных повторяющихся элементов. Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Конечно же, используются большие постеры и картины.

Классическим произведением, «иконой» поп-арта является шелкография Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», включающая 50 изображений Мэрилин Монро со знаменитой фотографии актрисы 1953 года. Элементы этой и других работ художника часто встречаются в интерьерах поп-арт.

Материалы, используемые в поп-арте – крашеный металл, стекло, текстиль, дерматин и, конечно же, разноцветный пластик – получивший широкое распространение именно в 60-е годы. Массовое производство из пластмассы, как нового материала, пресса, телевидение, американские небоскрёбы в сочетании с неоновыми огнями реклам, противостояние мировых держав и, конечно же, покорение космоса и научная фантастика – вот что вдохновляло первопроходцев этого стиля! Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Пластик, стекло, гладкие обтекаемые формы, минимум деталей, максимум цвета – вот что такое настоящий поп-арт.

Поп-арт невероятно пёстр и ярок, умудряется сочетать несочетаемое и часто балансирует на грани безвкусицы и вульгарности, но никогда эту грань не переступает.

В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Насыщенные цвета и необычные формы наполняют пространство энергией, а повторяющиеся элементы дизайна задают ритм современной жизни.

Однако не следует думать, что поп-арт – это непременно что-то «кричащее», навязчивое и раздражающее, вроде пресловутой «попсы» или рекламы по телевизору. Интерьер поп-арт может быть выполнен в достаточно спокойных, пастельных тонах, при этом нисколько не изменяя традициям стиля.

Поп-арт позволяет дать волю воображению, непрерывно экспериментируя. Каждый интерьер в стиле поп-арт – неповторимая авторская работа. Поп-арт – стиль демократичный, в нём светильники в стиле минимализм или хай-тек могут соседствовать с мебелью в стиле арт-нуво или арт-деко. И наоборот. Но, поскольку решающее значение имеют цвет и форма, дизайнеру необходимо позаботиться о правильном их сочетании.

———————-

Если вы профессионально занимаетесь дизайном интерьера, читайте также:

Как правильно построить отношения с клиентом

28 способов найти заказчика

Как составить договор на дизайн-проект интерьера

Самопрезентация дизайнера

Что можно нарисовать в стиле арт. Как научиться рисовать поп-арт портреты

Именно в климате экспериментов и консьюмеризма конца 1950-х годов в Англии и Америке появился поп-арт — движение нового поколения художников, которые искали вдохновение в повседневной жизни, создавая искусство из товаров быта, народного потребления и средств массовой информации.

Поп-арт: искусство XX века

Художники поп-арта, или популярные художники, творили в прямолинейной манере, применяя смелые яркие цвета, использовали трафаретную печать, шелкографию для быстрого и массового производства картин, преуменьшая при этом ценность и эксклюзивность работы художника, обезличивая его деятельность.

Направление в искусстве получило название «поп-арт » (сокращенно от «popular art» — «популярное искусство»).

Появилось это течение как ответ на работы абстрактных экспрессионистов, чьи творения доминировали в американском искусстве в послевоенное время, а впоследствии в целом как противовес «высокому искусству». Художники поп-арта предпочитали видеть в работах возвращение к реальности, ежедневные образы, остроумие и иронию.

Популярные художники стремились соединить традиции изобразительного искусства с элементами поп-культуры из телевидения, кино, мультфильмов, печатного глянца и рекламы.

В то же время, их творчество бросало вызов традиционным границам между различными масс-медиа, совмещая элементы живописи и графики с фотографией и печатью, элементы ручной работы и массового производства, а также комбинируя различные объекты, изображения и иногда текст для создания новых смыслов. Хотя пик популярности поп-арта случился в прошлом веке, это направление до сих пор имеет множество последователей, которые создают картины в современном стиле .

Основоположниками поп-арта являются Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци, однако сейчас этот стиль, в первую очередь, ассоциируется с именами Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста, Роберта Раушенберга, Класа Олденбурга и других художников.

Пожалуй, самой известной фигурой среди них является Энди Уорхол — американский художник, режиссер, дизайнер, продюсер и одна из самых противоречивых личностей в искусстве XX века. Его работы знамениты во всем мире, а некоторые из них являются одними из самых дорогих картин, когда-либо проданных.

ТОП-5 самых известных работ Энди Уорхола

Мэрилин Монро (1962-1967)


Именно это фото Мэрилин Монро — самое известное изображение среди работ Энди Уорхола и работ в стиле поп-арт в общем.

Первую работу под названием «Золотая Мэрилин» он создал в 1962 году, когда актриса покончила с собой. Для этого Уорхол использовал черно-белое промо-фото к фильму «Ниагара» (1953) с изображением Мэрилин, закрасил холст переливающейся золотой краской и отпечатал лицо кинозвезды прямо в центре этой композиции. Таким образом, дублируя фотографию, Уорхол подрывает уникальность и подлинность характеристик традиционного портрета, показывает, что он может быть бесконечно воспроизводимым изображением.

Уорхол использует эту же фотографию для создания целых серий изображений. Каждая работа с Мэрилин была экспериментом над цветом и тенями. Благодаря технике нанесения изображения методом шелкографии и помощи своих ассистентов Уорхол был способен очень быстро создавать такие картины в стиле поп-арт .

Позже Уорхол создал пять портретов Мэрилин в красном, голубом, оранжевом, шалфейном и бирюзовом цветах. С первыми четырьмя работами случилась интересная история: на одной из выставок Уорхола их прострелила из пистолета одна из гостей-художниц (она всего лишь попросила у художника разрешения «щелкнуть» картины, а слово «shoot» на английском означает не только стрелять, но и снимать фотографии). Однако это только усилило популярность картин: они получили название «Застреленные Мэрилин», а их цена повысилась.

Уцелевшая пятая картина оказалась «Бирюзовой Мэрилин», и именно репродукции этой работы сейчас растиражированы больше всего.

Банки супа «Кэмпбелл» (1962)


Говорят, именно владелец художественной галереи и дизайнер интерьеров Мюриэл Лэтоу подал идею этой поп-арт картины Уорхолу, когда сказал, что тот должен рисовать объекты, которые люди видят вокруг каждый день.

Эта работа является ранним образцом серий многократно повторяющихся изображений Уорхола, представляющих товары массового потребления. Художник рисовал банки с супом не единожды: есть картина, где банка изображена в единственном экземпляре, картина, где представлено шесть банок, а есть варианты изображений целых рядов банок с разными вкусами супа: «32 банки супа «Кэмпбелл», «100 банок супа «Кэмпбелл» и «200 банок супа «Кэмпбелл».

200 долларовых банкнот (1962)

Когда Уорхол спрашивал у своих знакомых, какие поп-арт рисунки они бы еще хотели увидеть, одна из знакомых девушек спросила его о том, что он сам в действительности любит больше всего. Тут-то у Уорхола и возникла идея нарисовать долларовую банкноту — вот уж действительно самый популярный и самый массовый объект современности. На картине не изображено ничего лишнего, только двести однодолларовых купюр, выложенных сплошными рядами.

Восемь Элвисов (1963)

Эта монохромная поп-арт картина, размером в двенадцать футов, представляет собой восемь одинаковых, накладывающихся друг на друга рисунков Элвиса Пресли в ковбойской одежде. Она является уникальной, поскольку не прошла через массовое производство, как большинство работ Уорхола. В 2008 году «Восемь Элвисов» была продана за сто миллионов долларов США — она до сих пор остается одной из самых дорогих когда-либо проданных картин и считается одним из шедевров Уорхола.

Банан (1967)

В 1965 году Уорхол становится менеджером известной американской рок-группы под названием The Velvet Underground, которая в то время еще не была популярной. В сотрудничестве с известным художником группа выпускает свой дебютный альбом, обложкой к которому стала эта иллюстрация в стиле поп-арт, изображающая банан, подпись Уорхола и фразу «Peel slowly and see» («Медленно очисть шкурку и смотри»).

Как сделать портрет в стиле поп-арт в фотошопе

Стиль поп-арт и сейчас очень популярен: в этом стиле не только рисуют картины, но и делают макияж для тематических вечеринок и праздников, рисуют бодиарт , а также стилизуют фотографии. Если вы тоже хотите сделать фото в стиле поп-арт, то в этом нет ничего сложного — вам понадобятся только фотошоп и цифровая фотография, которую вы и хотите преобразить.

Чтобы поп-арт портрет хорошо получился, лучше использовать фотографию, где человек изображен крупным планом или хотя бы по плечи.

  • Откройте ваше фото в редакторе.

  • Примените к нему изогелию, или постеризацию («Изображение» — «Коррекция» — «Постеризация»). В выплывшем окне выберите количество уровней постеризации — 2.

  • Зайдите в «Выделение» — «Цветовой диапазон». У вас откроется окно, в котором нужно будет нажать на выпадающее меню и выбрать пункт «По образцам». Курсор превратится в инструмент-пипетку, с помощью которого вам нужно выбрать белый цвет — для этого просто сделайте щелчок на белом поле документа. Если ваше фото имеет разноцветный фон, воспользуйтесь ластиком или кисточкой белого цвета на панели инструментов, чтобы обвести человека на фотографии и закрасить задний план.

  • Теперь найдите на панели слева инструмент «Заливка». Выберите из палитры цвет, который вам нравится, и щелкните по белому фону левой кнопкой мыши. Все связанное белое поле фотографии окрасится в этот цвет.

  • Вот мы и получили первый кусочек нашего будущего коллажа. Но нам для него понадобятся аж четыре картинки в стиле поп-арт, поэтому создаем новый документ («Файл» — «Создать») и задаем размер рабочей области. Чтобы точно его определить, проверьте размеры первой фотографии — новый документ должен быть в два раза шире и в два раза длиннее.

  • Вернитесь к первому фото, зайдите в меню «Выделение» и выберите пункт «Все». Воспользовавшись сочетанием кнопок «Ctrl+C», скопируйте полученное выделение. Перейдите на новый созданный документ и вставьте скопированное выделение на белое поле («Ctrl+V»).

  • После этого скопируйте поп-арт фото и переместите его справа от первого. Вам всего лишь остается снова скопировать фото, воспользоваться заливкой и менять цвета составных деталей коллажа, чтобы они отличались друг от друга.

  • Вот и все — у вас получится подобный коллаж в стиле поп-арт .

А как сделать картину в стиле поп-арт своими руками с помощью трафарета, из бумаги и красок, вы узнаете в этом видео:

Забирай себе, расскажи друзьям!

Читайте также на нашем сайте:

Показать еще

Почти все знают об известных скульптурах-достопримечательностях вроде статуи Свободы в Нью-Йорке или «Маленькой русалочки» в Копенгагене. Однако существуют и другие, не слишком известные, но очень необычные скульптуры, которые украшают города по всему миру – одни из самых динамичных мы собрали в этой статье.

Все чаще и чаще мы встречаем поп-арт портреты у наших друзей и знакомых дома, и как не странно — они идеально вписываются в интерьер. Чтобы сделать такой портрет, специальный фирмы дерут за это огромные деньги, хотя делать его не так уж и тяжело. Если Вы хоть немного понимаете и разбираетесь в фотошопе, то проблем такая задача не составит. Давайте разберемся, как сделать поп-арт портрет своими руками.

Почти всю работу над поп-арт портретом, мы будем делать с помощью инструмента «Карта градиента», а так же различные текстуры.

И так, начнем нашу работу!

1. Подбираем нужную нам фотографию. В нашем случае будет флуоресцентная поп-арт работа, поэтому для неё мы выбрали фотографию девушка с красивыми губами, окрашенными в красный цвет. Первым делом, открываем фотографию в фотошопе, и скорректируем уровни с помощью инструмента «Уровни».

2 . Создаем новый корректирующийся слой (нажимаем на иконку в нижней части палитры «Слои»), выбираем «Карта градиента».

3. С помощью этого инструмента, мы можем подобрать подходящий к фотографии тон. В каждом из концов шкалы мы выбираем очень яркие и контрастные цвета, через палитру. Мы используем от легкого пурпурного цвета, к желтому цвету. Вы же можете корректировать цвета по своему желанию.

4. Немного усложним нашу задачу, и добавим несколько эффектов. Создаем новый слой и на нем выбираем инструмент «Заливка». Выбираем Регулярный тип заливки, а затем текстуру с названием «B.SG Halftone Dark L», из выпадающего меню.

5. Чтобы текстура вписалась в наше фото, изменяем режим наложения слоя с текстурой на Затемнение основы. Таким образом, мы добиваемся, чтобы текстура вписалась в вид нашей работы. Затем можем уменьшить параметр «Заливка» в верхней части палитры «Слои», устанавливаем 80%.

6 . Теперь нам нужно наложить эффект бликов, и для этого скачиваем картинку бликов и загружаем её в фотошоп. Подгоняем блики под нужный размер, а так же не забываем размыть их.

7. Изменяем наложение слоев бликов на Экран. Устанавливаем параметр Заливка на уровне 70%, чтобы убрать черный фон.

Этот Photoshop урок познакомит вас с очень известным направлением в изобразительном искусстве как Поп-арт.

Рядом с поп-артом стоит имя Andy Warhol, который был и художником, и фотографом, и кинорежиссером, и издателем.

Именно он в середине 20 века создавал уникальные картины-коллажи из совершенно неожиданных вещей — от изображений консервных банок до столь гламурных коллажей с Элвисом Пресли и Мэрлин Монро.

Этот стиль стал невероятно популярным в то время, благодаря чему начало появляться бесчисленное количество иммитаций творчества этого художника.

Потому что создавать картинки в стиле Поп-арт очень просто, особенно, если вы владеете программой Photoshop.

Техника, о которой мы хотим вам рассказать заключается в том, что сначала делается черно-белый трафарет на основе исходного рисунка. А затем части этого рисунка раскрашиваются в очень яркие цвета в разных вариациях.

Любой портрет можно превратить в поп-арт рисунок, но особенно для этого подойдет фото с четкими границами.

Желательно, чтобы человек на фото смотрел прямо в объектив камеры.

1. Ниже показан процесс вырезания мальчика с родного фона и размещение его на новом. Для нас важно, чтобы мальчик и фон размещались на разных слоях.

Чтобы быстро убрать однотонный фон используйте инструмент — волшебная палочка , если фон разноцветный, то возьмите инструмент — Перо

2. Скорее всего Вы уже заметили, что изображения в стиле поп-арт славятся очень высокой контрастностью.

Последующие шаги удалят много мелких деталей, поэтому вам не стоит быть слишком аккуратным по ходу работы.

Разместите яркий фоновый слой прямо под рабочим слоем (с мальчиком).

3. Чтобы сделать высоко-контрастное изображение, то сначала убедитесь в том, что вы находитесь на слое с вырезанным мальчиком и выберите в меню Image > Adjustment > Threshold .

Передвиньте ползунок так, чтобы изображение содержало достаточо теней, чтобы все главные формы и черты сохранились.

4. Грубо выделите каждую часть изображения, которую вы позже будете раскрашивать.

Нажимайте Alt + Ctrl + J чтобы каждую часть копировать на отдельный слой. Назовите каждый новый слой. Поменяйте режим смешивания каждому слою на Multiply , и нажмите OK.

5. По очереди активизируйте каждый слой в палитре слоев.
Для каждого нажимайте Ctrl + клик по окошку слоя и переходите в меню Edit > Fill .

Кликните на строчке Use, там выйдет окошко, где вы сможете выбрать строчку Color . Благодаря чему появится палитра цветов, где вы можете на свой вкус подобрать яркий насыщенный цвет, чтобы закрасить какую-нибудь часть изображения.

6. В окне «Стили слоя» (Layer Style , появляется если дважды щелкнуть по слою) выберите стиль Color Overlay (заливка цветом) и поменяйте там blending mode (режим смешивания слоев) на Color . Выберите яркий цвет и нажмите OK.

7. Когда вы повторите эти шаги для каждого отдельного участка изображения, то вы увидите, что перед вами настоящий шедевр в стиле поп-арт.

8. Сохраните этот файл в формате фотошоп (.psd) и сделайте копии слоев, где вы делали колорирование. У вас в панели слоев каждый участок закрашен в определенный цвет. Теперь очень просто можно заменить цвет участка, использую функцию Hue/Saturation (Ctrl +U).

В конце можно скомбинировать все варианты в одно большое изображение.

Такое комбинирование различных вариантов одного и того же изображения очень характерно для стиля 60-х годов Поп-арта.

Поп-арт как художественное направление появился в 50-е годы прошлого века в ответ на набравший обороты абстрактный экспрессионизм и в качестве насмешки над массовой культурой потребления. Вместо того, что люди обычно привыкли считать произведениями искусства и образцами прекрасного, представители этого направления своими основными объектами считали предметы поп-культуры и повседневного быта.

Живет поп-арт и до сих пор — в дизайне интерьеров, в фотографии и, конечно, в изобразительном искусстве. Если вы мечтаете рисовать поп-арт как Энди Уорхол, картины которого стоят миллионы долларов, или вам не дает покоя слава Роя Лихтенштейна, то запасайтесь самыми яркими маркерами — и давайте делать первые шаги!

Простой способ начать рисовать поп-арт

Можно ли научиться рисовать самостоятельно, — да, если запастись терпением и регулярно практиковать. Проще всего тренироваться в изображении и оформлении текстовых надписей. Это всегда хорошее начало, даже если вы считаете, что совсем не умеете рисовать. Итак:


Рисунок готов! Теперь, когда вы попробовали себя в этом направлении, можно развиваться дальше и переходить от текста к изображениям.

Рисуем коллаж

Выберите какой-нибудь простой предмет из повседневной жизни. Поделите лист бумаги на четыре равные части и нарисуйте в каждой из них этот предмет — в примитивном, линейном формате, используя толстый маркер. Сначала попробуйте повторить тот же рисунок, что и на картинке — банку с клубничным вареньем.

А вот теперь приступайте к оформлению каждой банки. Мы предлагаем попробовать следующие четыре варианта.

Черно-белый поп-арт

Проделайте с банкой все те действия, которые мы выполняли с надписью, просто вместо разных ярких цветов используйте насыщенный черный. Разукрасьте содержимое банки, изобразите текстуру крышки, поделите пространство на две плоскости и заполните их разными узорами.

Супернасыщенные цвета

Поп-арт знаменит своими простыми, но яркими и очень насыщенными цветами, поэтому для второго изображения вы можете использовать их по полной. На примере сохранен реалистичный подход к раскрашиванию банки, но вы можете пойти другим путем и сделать клубнику на этикетке синей, содержимое — желтым и т. д.

Узор вместо цвета

Оформление третьей банки с вареньем вновь вдохновлено работами Роя Лихтенштейна, поэтому в нем также сочетаются и узоры, и цветовые блоки, но немного иначе: например, варенье в емкости и этикетка заполнены именно узорами, точками и полосками, а не привычным сплошным цветом.

Игра линий

А вот здесь вы можете представить себя Энди Уорхолом и создать банку с 3D-эффектом. Возьмите синий маркер и повторите контуры банки, сместив их чуть вправо и вверх от центра, а затем повторите тоже самое красным или ярко-розовым цветом уже внизу слева. Выглядит очень броско, интересно и узнаваемо для данного стиля.

Попробуйте сделать поп-арт портрет своими руками , — это, оказывается, не сложно. Также предлагаем посмотреть и это видео, благодаря которому вы узнаете, как рисовать поп-арт макияж для вечеринок:

Революция поп-арта и…. «Образ двадцатого… В прошлом и настоящем»

Революция поп-арта и…

Поп-арт стал эпохой в развитии авангарда. Воздействие его приемов и образов ощутимо и в настоящее время. Термин «поп-арт» быстро стал популярным. Впрочем, как и многие термины авангарда, он мало что проясняет, да и история его происхождения имеет несколько версий. Эдуардо Паолоцци еще в 1947 году употребил словечко «поп» в одном из своих коллажей. Художественный критик и писатель Лоуренс Эллоуэ, будущий хранитель в музее Гуггенхейма в Нью-Йорке, увидел в 1954 году обозначение «поп» на одной из картин художника Р.Б. Китая и пустил его в оборот как новый, нарождающийся феномен. В 1956 году в коллаже Ричарда Гамильтона под названием «Так что же придает нашему современному дому такое разнообразие, такую привлекательность?» снова мелькнуло знакомое «поп». Видимо, сленговая частичка «поп» циркулировала инкогнито в качестве жаргонного в кругах художников, близких битникам, обозначая нечто рассчитанное на вкус широких кругов публики. Кроме того, по своему звучанию оно напоминало хлопок пробки, вылетающей из бутылки, или удар, что намекало на определенную скандальную ситуацию.

Как бы там ни было, термин «поп-арт» легко вытеснил другие названия вроде «нового реализма» и «супернатурализма». Он стал не менее употребительным, чем «поп-музыка» и «поп-культура» Уже в 1957 году Гамильтон пытается дать описание народившегося феномена: это искусство популярное, рассчитанное на массовую аудиторию, переходное и занимающее небольшой период, легко распространяемое и легко забываемое, дешевое, массово производимое, молодое и остроумное, сексуальное, хитроумное и трюковое, отдающее большим бизнесом. Многое было им названо верно, однако описание это относилось к годам зарождения поп-арта, и потому, конечно, оно неполно. Появившись в середине 50-х годов, поп-арт достиг расцвета в 60-е годы. В 1964 году Р. Раушенберг, крупнейший представитель американского поп-арта, получил на Венецианском биеннале Гран-при.

Для многих распространение нового течения означало «конец» абстрактной живописи, что воспринималось по-разному. Для ряда критиков, для апологетов абстрактного искусства — Г. Рида, Г. Розенберга, К. Гринберга и П. Селза — новое искусство казалось «неискусством». Да, впрочем, поп-арт и не хотел им быть. Раушенберг говорил: «Живопись равна и искусству, и жизни, я же ищу середину между ними». Представители нового движения стремятся выработать приемы, устраняющие возможность определения искусства. Слово «арт» могло появиться на любом объекте, т. е. здесь проявилась «годность всего», что есть артефакт. Клаус Ольденбург, не менее знаменитый, чем Раушенберг, указывал, что «поп-арт — это искусство, которое не знает, что оно искусство». Характерен лозунг о «расширении ситуации искусства». Все может стать искусством, коль скоро оно названо таковым, утверждают мастера-«пописты». Не случайно поп-философ Маршалл Маклюэн предлагает рассматривать и всю «человеческую ситуацию» (имея в виду общество в данный момент) как произведение искусства. Ольденбург комментировал: «Я стою за искусство, которое берет формы из жизненных контуров, за искусство, которое скручивает (эти контуры), распрямляет, собирает и отбрасывает, как слюну, — тягуче, тяжело, остро, мягко и глупо, короче, как сама жизнь». Так между искусством и жизнью стирались границы; это стало возможно потому, что содержание и искусства, и жизни беднело на глазах. Поп-арт — это своеобразное «искусство вне искусства», и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искусственное искусство… Вскоре, заметим, появится и неискусство и неавангард — далекое последствие «революции поп-арта».

Нередко поп-арт рассматривается излишне однородным, чуть ли не определенным стилистическим явлением. На самом деле это не так: в нем имелись свои школы и направления, вклад разных стран был различным; наконец, были такие художники, как, например, Роберт Раушенберг и Джасперс Джонс, своеобразные «диссиденты поп-арта», которые то входили в него, то из него выходили. Англичанин Питер Блейк порой делал исторические композиции в академической манере. Да и само это течение то уходило в тень, то становилось вновь актуальным.

Р. Лихтенстейн. Пистолет. 1964

Р. Лихтенстейн. Пистолет. 1964

Англичане и американцы — истинные пионеры поп-арта. Правда, он известен не только как американское изобретение. С начала 60-х годов информационная машина США начала пропагандировать «поп» — «чисто американское искусство», отражающее определенный яркий образ жизни. Это было связано с тем, что со времени абстрактного экспрессионизма Нью-Йорк стал претендовать на звание Третьего Рима в искусстве. Париж после Второй мировой войны несколько потерял лидерство в развитии современной художественной культуры. Нью-йоркские галереи Грина, Кастелли, Стейбла, Джексона, Джодсона, Джениса, музей Уитни стали зажигать «звезды» поп-арта, когда и сам художник становился участником акции, в данном случае рекламы и вложенных денежных средств. Опыт Голливуда тут, несомненно, учитывался. Поп-арт, бесспорно, — рекламное искусство, любящее рекламу как символ современности. Особенно прославились Р. Раушенберг, Д. Розенквист, Р. Лихтенстейн, Э. Уорхол, К. Ольденбург, представляющие «горячую пятерку» из Нью-Йорка, и Том Вессельман, Д. Сигал, Э. Руша, Р. Моррис, А. Джонс, Д. Джонс, Р. Индиана, Д. Дайн. Конечно, представителей поп-арта было намного больше, здесь названы только основные. В 1955 году Раушенберг начал делать первые «комбинированные картины», представляющие собой некие соединения живописи и отдельных предметов, а в конце 50-х к нему примкнули Джонс, Уорхол, Розенквист. Параллельно, а может быть и раньше свою концепцию разрабатывали англичане.

Т. Вассельман. Спальня № 25. 1967—1971

Т. Вассельман. Спальня № 25. 1967—1971

В 1952 году в Лондоне возникает группа «Независимых». Один из инициаторов ее — Эдуардо Паолоцци, который демонстрировал через проектор на экране сопоставления различных рекламных материалов, перемешанных весьма прихотливо. В следующем году был проведен семинар «Параллель жизни и искусства», само название которого созвучно «эстетике» поп-арта, искавшего связи между этими явлениями. «Независимая группа» вскоре организовывает «Институт современного искусства», который устраивает выставки «Коллаж и объект» (1954), «Человек, машина и движение» (1955), «Это завтра» (1956). Наиболее активны Лоуренс Эллоуэ, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, Питер Блейк. Они изучали фотографии, рекламу, жизнь большого города, стрессы, сопоставления изобразительных образов и текстов. Характерно, что англичане ориентировались на материалы американских массовых иллюстрированных журналов. Вскоре их заинтересовал начавший выходить (с 1956 года) журнал «Плейбой», тогда вполне «невинный» и позволяющий, благодаря смягчению цензуры, показывать обнаженную грудь модели из-под приспущенной рубашки. В американских журналах художников из Лондона интересовали достижения дизайна, мастерски сделанные фотографии, серийность образов, зрительные и смысловые контрасты. Их привлекала также реклама стандартных наборов мебели — «ливингрум». Англичане поняли, что перед ними не весь объект, а только одно его качество. Сами формы не изобретаются (они уже существуют), а переносятся в некие «блоки видеоряда», создающие стандартные визуальные образы, несущие актуальную информацию и вызывающие определенные ассоциации и эмоции. Здесь есть радость «узнавания» в незнакомом знакомого, лишенного большой интеллектуальной нагрузки. Все это стало основой поп-арта. Но английский поп-арт был болен «прерафаэлизмом», был слишком рафинированным, так что он стал скорее духовной силой, чем подлинным «отцом» нового движения, вскоре захватившего США, ряд стран Европы и Японию. США стали претендовать на лидерство, поп-арт начал восприниматься исключительно как американское явление, что прочно укоренилось в сознании публики, и, характерно, англичане с этим согласились, более того, многие из них стали работать в Нью-Йорке или, по крайней мере, часто посещать этот город.

Возможно, что дело не только в проблеме лидерства авангардистских художников Англии и США; в Англии «поп» оставался некой экзотикой, в США он приобрел массовый, опирающийся на коммерческий успех характер. Это и понятно: однако отметим и то, что в США имелась определенная традиция собственного авангардного искусства, создавшая условия для возникновения американского поп-арта. Стоит учесть, что в 30-е годы окончательно осел в Штатах основатель дадаизма Марсель Дюшан; в 50-е годы он сделал ряд повторений своих объектов «реди-мейд»; в начале 60-х годов состоялась большая выставка 80-летнего художника; его поклонником и другом стал Раушенберг. В 1964 году Дюшан писал о поп-арте: «Это течение меня восхищает». Большое влияние на молодых художников оказал «диссидент абстракционизма» Уильям де Кунинг; в 1950 году он сделал коллаж «Штудии для женщины» с использованием обертки сигарет «Кэмпбелл»; его влияние испытал и Р. Раушенберг, и Д. Джонс. Кроме того, в 1952 году была открыта в Сан-Франциско выставка «Собрания обыденного искусства», позволившая консолидироваться художникам новой генерации. В середине 50-х годов Раушенберг делает свои первые «комбинированные» картины, а Джонс начинает серию картин «Флаг». Американские кубисты, например С. Дэвис, Ч. Демут, Дж. Мэрфи, в 20-е годы использовали в своих живописных композициях коммерческие знаки, которыми так впоследствии заинтересовался поп-арт.

«Разбитое поколение», иначе битники, в середине 50-х годов провозглашало анархический гедонизм, эротическую свободу, нигилизм. В творчестве писателей и поэтов-битников проявлялась тенденция к бессюжетности, свободному стиху, метафоричности и одновременно к известной натуралистичности. Оставаясь явлением экстравагантным, подготовившим своей «эстетикой» добровольную бедность и бродяжничество хиппи, битничество не могло не повлиять и на общий климат восприятия искусства. «Художники реальности», такие, как Э. Хоппер, Д. Кох, Э. Уайт, «магические реалисты» и «риджионалисты», с их обостренным вниманием к быту страны и естественной оппозицией абстракционизму, напоминали о важности всем понятных, легко усваиваемых образов действительности. Довольно сложным выглядит отношение «попистов» к абстрактному искусству. Обычно говорят, что поп-арт возник в полемике с абстрактным искусством, которое было понятно только посвященным и в принципе «ничего не изображает». Однако и здесь ситуация намного сложнее. Многие будущие художники поп-арта начинали с занятий абстрактным искусством, да и позже возвращались к нему или использовали его отдельные приемы. Де Кунинг все же был в основном абстракционистом, его влияние имело большое значение для Раушенберга и Джонса. Сам Раушенберг в 1964 году заявил, что между поп-артом и абстрактным искусством нет непроходимой пропасти. Д. Сигал и А. Капроу признавались в воздействии на них примера Дж. Поллока. Дж. Дайн говорил, что его поколение связано с абстракционистами, как дети с родителями. Р. Китай подтверждал подобное мнение: «Абстрактный экспрессионизм сидит во всех нас: в Дж. Дане, Р. Раушенберге и Дж. Джонсе…» Не были забыты и сюрреалисты, так, «Завтрак в меху» Мереты Оппенгейма представлял собой чайный прибор, обтянутый шерстью, что очень напоминало последующие акции «попистов». Немало значили и приемы европейских авангардистов. Идея выделения отдельного изобразительного мотива и его последующее укрупнение были взяты у Фернана Леже, некоторое время жившего в Нью-Йорке. Декупажи («вырезки») Матисса с их элементарными формами и яркими красками вполне соответствовали будущей эстетике поп-арта, тем более что в американских музеях было достаточно поздних работ этого французского мастера. Наконец, в 50-е годы происходит новое «открытие» искусства модерна, устраиваются выставки, посвященные этому наследию, выходят книги, рассказывающие о нем. Интерес к упрощенной символике, рекламной броскости образов, несомненно, идет из этого источника. Как всегда, авангардизм в своем развитии, в данном случае в поп-арте, опирается на широкие традиции. Китч, графика заборов и граффити вагонов «подземки» естественным образом дополняли арсенал средств, к которым обращались художники авангарда 50—60-х годов.

Художников-«попистов» привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным и бездуховным. Художники делали акцент на общественном, банальном и анонимном, легко узнаваемом. Действительность как бы демифологизировалась, мастера стремились представить некую энциклопедию современной жизни с ориентировкой на «великую американскую мечту». «Поп» был нефилософичен, полагая, что и сама жизнь есть уже определенная, по крайней мере на поведенческом уровне, философия. Внутри него могла существовать и некая пародийность; все могло восприниматься иронично, полушутя. Художник относился к зрителю добродушно-снисходительно, предлагая некую игру по взаимной договоренности, давая понять, что он подозревает в зрителе нечто низменное, над чем можно и посмеяться. Но так как вещи и образы поп-арта не персонифицированы, т. е., иными словами, их обладатель как бы анонимен, то и зритель мог делать вид, что иронизируют не над ним. Телевидение, реклама, комиксы, радио, картинки из журналов, привычные образы массовых средств информации стали объектом изображения, приравненные к таким символам прекрасного, как «Мона Лиза» и Венера Милосская. Хотя на первый взгляд бесконечные повторы этикеток на банках консервированного супа «Кэмпбелл» или бутылки кока-колы Уорхола ничего не выражали, кроме самих себя, художники попа искали за этим ту «формулу действия и состояния», которая бы воспринималась как факт действительности. Именно поэтому они стремились соединить жесткий и брутальный символизм «имиджа», с одной стороны, и «реализм» конкретного предмета, который можно осязать как некий товар в супермаркете, — с другой. Художники интересуются тем, что порождено современной цивилизацией, той, в которой «мы живем». Поэтому можно смешать в одну кучу хлам и подлинные ценности. Это и тиражирование, серийные образцы культурного ширпотреба, китча и отбросы; это образы рекламы и духовной нищеты. Иконография поп-арта специфична, она включает «лики» эстрадного певца Элвиса Пресли, президента Джона Кеннеди и Мэрилин Монро, «репродукции» картин Моне, Делакруа, Леонардо да Винчи, Ренуара и Пикассо, натуральные ансамбли мебели, полное убранство ванных комнат, пишущие машинки, почтовые конверты, обложки книг, электроприборы, лампочки, выключатели, фойе, кассы, зрительные залы кинотеатров, принадлежности живописца, буквы и слова (так называемый «леттризм»), консервные банки и бутылки, обувь и одежду, обстановку баров и больниц, интерьеры лавочек и магазинов, еду и алкогольные напитки, сигареты и окурки, средства транспорта — автомашины, корабли, самолеты. .. Всего не перечислишь. Наконец, сюда относятся манекены и разного рода объекты реди-мейд, имеющие опосредованную связь с миром реальности и миром фантазии.

Все это легко могло вызывать самые простые ассоциации, и в этом смысле поп-арт являлся в определенной степени «демократическим» искусством. В нем есть привкус нравственного благодушия и бездумного оптимизма, хотя все это можно воспринять как «эстетику обыденного и вульгарного». Р. Индиана так описывал ситуацию: «…молодые художники возвращаются ко все менее возвышенным вещам, к таким, как кока-кола, мороженое, большие бифштексы, супермаркеты и «съедобные» символы. У них голодный взгляд — они «поп». Поп-арт понял, что дистанция между человеком и потребляемым продуктом сокращена до минимума; все, что потребляется, — недалеко. Массовая информация, стандартизация предметов потребления, технологичность — вот истинная почва, на которой взращивался поп-арт. Если не сам предмет, то его образ («имидж») как социально-эмоциональный символ напомнит о мире, полном товаров. Попартисты среагировали на насыщенность среды обитания напечатанными, нарисованными, сфотографированными образами. Не случайно, что некоторые из них, например Уорхол, начинали свою карьеру как мастера рекламы…

Вещь в поп-арте или изображается, или подается сама по себе. Как есть, причем трактуется она, если изображена, иллюзионистически или в манере рекламного образа. Поп-арт — это постоянное визуальное и смысловое раздражение привычными образами и текстами. Так появляются гигантские бутерброды высотой в три метра, памятник в виде тюбика для губной помады, копии бутылок, лампочек. Предметы составляются друг с другом — нередко в неожиданных сочетаниях. Художники называют такой прием «комбинациями», а критики — «ассамбляжами». «Подарок Аполлону» Раушенберга — кухонный столик, перепачканный красками, и привязанное к нему мусорное ведро. Джорж Сигал показывал гипсовые слепки с моделей, помещая их в реальные пространства: в макеты мясных лавок, в кассу кинотеатра, в ванную комнату. Он как бы документировал реальность. С некоторыми его фигурами можно было даже посидеть за одним столом. Как выражались художники, «они концентрируют в одном месте хронологически и топографически случайное». Так, произведением может стать улица города, если ее, вместе с машинами и пешеходами, рассматривать как объект искусства. Художники любят использовать прием, уже открытый дадаистами: постановкой предметов в неожиданный и не свойственный им контекст. Предмет изолируется, приобретает характер знака-символа — имперсональный и связанный с урбаническим окружением, новейшей техникой, реалиями быта. Том Вессельман сопоставляет нарисованное изображение обнаженной женщины в ванной с реальной дверью, с висящим на ней полотенцем, с репродукцией картины Ренуара. Ольденбург выставляет гладильную доску с рубашкой и утюгом на ней, вешалку с висящим плащом, кеды. Правда, чтобы приравнять их к искусству, он символически окрашивает блестящими акриловыми красками часть своих «экспонатов». В поп-арте большое внимание уделяется надписям, например: «Мать — это мать», и названиям, где характерным может явиться такое: «Я люблю тебя вместе со своим «Фордом»» (1961, художник Дж. Розенквист).

«Пописты» демонстративно отказались от «условности» живописи и рисования на плоскости, вышли в пространство. Они гордятся тем, что забросили традиционные палитры и кисти, взяв в руки распылитель и автогенный аппарат. Раушенберг постулировал: «Пара мужских носков не менее пригодна для работы, чем масло и холст». Англичанин Дэвид Хокни утверждал, что его искусство лишено приверженности к форме и в этом — «его козырная карта». Традиционная живопись рассматривалась как «банальность». От нее остались только «кустовые», небрежные удары кистью с краской на некоторых «ассамбляжах» Раушенберга и «объектах» Ольденбурга. Механизация творческого процесса приводит к тому, что крупные лидеры поп-арта работают со своими бригадами (Р. Раушенберг), которые занимаются реализацией замысла их предводителя. Уорхол называл свою мастерскую «фэктори» (она и была в бывшем помещении фабрики). Рой Лихтенстейн переносил точки полиграфического растра, рассматривая свои переложения комиксов как результат действий «рисующей машины». Уорхол, открыв для себя технику шелкографии, механически повторял отдельные образы, будь то Пресли или Монро, используя цветной негатив с меняющимися фильтрами, так что одно изображение оказывалось в синей, желтой, красной тональностях. Серии и вариации характерны для Вассельмана; так, его известные «Американские ню» насчитывают до 100 произведений (все под номерами).

Дж. Джонс. Флаг. 1954

Дж. Джонс. Флаг. 1954

Характерный прием «попистов» — использование имитации материалов. Так создается новое «сотрудничество» материалов и образов. Муляжи «еды» у Ольденбурга сделаны из гипса, картона, покрытых акрилом. Джонс выставил свою «Раскрашенную бронзу», представляющую отлитые из традиционного материала скульптуры банки из-под пива «Балантай».

Э. Урхол. Суп «Кэмпбелл». 32 панели. 1961—1962

Э. Урхол. Суп «Кэмпбелл». 32 панели. 1961—1962

Проявляя большую гибкость и мобильность в понимании того, что может оказаться искусством, расширяя художественную ситуацию, художники уничтожают иерархию образов и сюжетов, у них может одинаково цениться Леонардо да Винчи и Микки-Маус, живопись и технология, халтура и искусство, китч и юмор.

Своеобразным ответвлением поп-арта явился хеппенинг (смысл его виден в самом значении творчества; от англ. happening — происшествие) — определенная форма действий, акций, поступков, когда художники стремятся завлечь зрителей в хитроумную игру, контуры сценария которой намечены приблизительно. Хеппенинг включает удивительные импровизации: из разрезанной туши барана каплет кровь на лежащую на полу женщину, некто живой курицей лупит по струнам рояля, маленькими ножницами срезаются лоскутки одежды с сидящей девушки-модели, студенты колледжа слизывают патоку, набрызганную на кузова старых автомобилей… Все это продолжение симультанных декламаций дадаистов, скандальных выступлений футуристов, эпатирующих выходок сюрреалистов, «живописи телом» Ива Клейна и разбрызгивания красок «внутри» холста Дж. Поллока. Хеппенинг появился вначале в США, потом распространился в ФРГ, Италии и Японии. «Пописты» интерпретируют хеппенинг как «коллаж фактов, предметов и жестов в пространстве». С. Зонтаг говорила, что хеппенинг трудно описать и даже снять на пленку. В рассказе и съемке появятся невольно структурность, последовательность, а хеппенинг на самом деле — стихия, непредсказуемость, импровизация. Тут соединены пантомима, клоунада, приемы экспрессионистического театра, восточный символический ритуал. Сам термин был предложен Аланом Капроу, поставившим в октябре 1959 года в галерее «Рейбен» в Нью-Йорке представление, названное «Восемнадцать хеппенингов в шести частях». На сцене с большими конструкциями вместо декораций, с пластическими объектами вместо скульптуры, с холстами, обрызганными красками, вместо картин, исполнялись танцы, читались монологи, актеры стремились спровоцировать зрителей на какое-нибудь выступление. Это было действительно происшествие, и термин «хеппенинг», повторенный в прессе, с тех пор приобрел популярность.

Хеппенинг — ближайший родственник поп-арта, можно даже сказать, что поп-арт — застывший («замороженный») хеппенинг, a хеппенинг — активный («действенный») поп-арт. История хеппенинга, как и поп-арта, начинается в 50-е годы. В это время композитор Джон Кейдж пишет «Пять минут тридцать три секунды. Тишина» — музыкальную пьесу, когда в течение названного периода пианист сидит за фортепьяно, не играя на инструменте. Алан Капроу так оценил опыт Поллока: «Стоять не у холста, внутри него, разбрызгивая краску». Капроу понял, что можно манипулировать объектами и людьми в пространстве. Фактически это «ассамбляжи» из нетрадиционных живописных и скульптурных форм, внутри которых, в этом организованном хаосе, движутся люди, создавая «искусство событий». Результат творчества, так как художники в хеппенинге ничего не производят, — в самом процессе. Это использование смешанных форм с цветомузыкальными и световыми эффектами, когда тело, жест, мимика лица становятся смыслом отдельных композиций. Творческое начало должно проявиться у «игроков». Для всех это выход энергии, пробуждение неожиданных эмоций, проверка своей реакции на непредсказуемые события. Коллаж вещей и людей в пространстве напоминает еще об одном явлении авангарда, об инвайронменте (от англ. environment) — о переживании среды, созданной на основе «ручного» или индустриального творчества. В хеппенинге «ассамбляж» размещается «вокруг» человека, ивайронмент создает эффект «актуализации» пространства, которое рассматривается как искусственное «окружение». Такая среда влечет человека к своему пересозданию. «Джанк-арт» (jank-art) мог бы дополнить гамму применяемых средств; это абсурдное сочетание разных вещей и объектов, как правило имеющих бросовый характер: хлам, старье и т. п. Имело значение и развитие так называемого «невербального театра», использовавшего язык жестов и предметов. Именно тогда в студиях Манхэттена, в студиях «нижнего» Нью-Йорка, в «Театре лучевого пистолета» Ольденбурга и «Фэктори» Уорхола можно было наблюдать своеобразные спектакли с «бунтом инстинктов», с «освобождением от эмоциональной анестезии». Спонтанно и бессюжетно (почти бессюжетно, так как некая общая программа, конечно, имелась) в действие вовлекались вещи вне зависимости от привычных условий их материального бытования. При этом говорилось, что участники переживают не «новую форму», а новый моральный и экзистенциальный опыт. В хеппенинге «Универсальный магазин» Ольденбурга, например, показанном в 1961—1962 годах, можно было видеть пространство, заполненное продаваемыми товарами, сделанными художником из папье-маше и гипса, ярко раскрашенных. В «магазине» происходило 13 инцидентов: скажем, входили покупатели, что-то восклицая, что-то приобретая, затем начиналась для них лекция, дискуссия о дороговизне, борьба… Сам автор комментировал свою «реализацию» следующим образом: это идеальная ситуация на полпути между искусством и жизнью. Знакомые слова, кто из «попистов» их не произносил! В своем комментарии Ольденбург приводил слова «посетителей магазина», которые, видя трехметровый сандвич из папье-маше, восклицали: «О, нет, это не сандвич, это искусство!» И далее он декларировал: «Я хочу уйти от знания, как делать произведения, потому что это находится вне жизненного опыта… Искусство — это то, что локализовано в музеях, драгоценно, изысканно, аристократично, избрано и отобрано… Я настаиваю на редифиниции искусства». Хеппенинг, по словам автора, является синтезом явлений, подобных явлениям не искусства, а жизни. Это панорама жизни. Свой хеппенинг, что показательно, он называл «тотальный инвайронмент», т. е. подчеркивал связь действия и среды. Чтобы понять, на чем строится эффект подобного воздействия, может быть, стоит вспомнить и слепки людей Д. Сигала, эти застывшие мумии, рядом с которыми можно стоять, сидеть и которые являются словно «современной книгой мертвых».

Христо. Запакованное кресло. 1965

Христо. Запакованное кресло. 1965

Раушенберг совместно с Робертом Моррисом стал ставить «балеты». Обнаженная танцовщица Ивон Райнер действовала конвульсивно, каталась по полу, кричала, плакала, смеялась, пела, по ее телу стекала ртуть, прожектора мигали, давали столбы цветного пламени. Раушенберг стремился к своеобразной синестезии, т.е. к искусству, которое воздействует на все чувства сразу: тут могли объединиться кинематограф, танец, живопись, телевидение. Капроу поставил хеппенинг «Слова» (1961), который назвал «Инвайронмент со светом и звуками», представление «Апельсиновый сок» (1964). В одном люди проходили через «стены» развешанных листов бумаги с обильными надписями, в другом видели ванну с девицей, обливающей себя соком. Сам Капроу в 1961 году заполнил двор автомобильными шинами, которые затем перетаскивал с места на место. В своей книге «Хеппенинг — инвайронмент» Капроу приводил в качестве примера действие, организованное в одном из американских колледжей: группы студентов, разделившись на «мужскую» и «женскую» части, начали строить «деревню» из старых автомобилей, потом их кузова обмазали сладкой патокой, которую слизали, после чего сожгли все собранные машины.

Авторы хеппенингов, инвайронментов стремились предельно расширить место действия. Как писал критик Эллоуэ, «весь город, со всеми его жителями, может быть не только субъектом искусства, но и его субстанцией». Вскоре такое мышление пришло к практической реализации: один художник заявил, что в какой-то день весь Нью-Йорк объявляется произведением искусства, на что другой критик отреагировал ироничным вопросом: «С пригородами или без?» Выход за пределы искусства, под которым понималось исключительно искусство в музеях, воспринималось авангардистами тех дней как возвращение к «нормальному состоянию». Произведение, говорили они, это «кое-что, занимающее пространство, не более», это «искусство, которое не знает, что оно искусство». Характерно, что в таких экспериментах 60-х годов фигурировали обычные вещи, помещенные в чуждую им среду и выступающие в чуждой им функции. Испытывались позиция зрителя и позиция исполнителя действия: авторы стремились к стиранию границ между ними, почему и предполагалась провокация публики, попытка вовлечь всех в абсурдное действо. Стрессовое поведение публики в контексте «случайного» должно было вести к перестройке связей между людьми, между человеком и вещью (включая улицы, магазины, товары, образы популярной культуры и урбанистический фольклор). Для исполнения многих хеппенингов требовалась большая техническая оснащенность, которая интерпретировалась в духе поп-арта: работа с материалом.

Другим движением стал «флакс», или «флюксус» («fluxus»), — показ свободной игры форм, «истечения» творческой энергии. «Флюксус» не связан ни с каким конкретным направлением; главное — создать при использовании своего тела, пространства и вещей парадоксальную ситуацию, не мотивированную логикой обыденного существования.

Помимо американского и английского поп-арта своя школа сложилась во Франции — «новый реализм» во главе с идеологом П. Рестани и такими мастерами, как Арман, Сезар, Бен, Эрро (все это псевдонимы). «Новый реализм» более эстетичен, более анекдотичен и более ироничен, чем в США и Англии. Стоит посмотреть, как Арман располагает на плоских основах распиленные корпуса музыкальных инструментов, воплощая в реальность то, что делали Пикассо и Брак, как раскрашивает свои «компрессы» (сдавленные корпуса автомобилей) Сезар, как делает «живописные монтажи» Эрро и реконструирует по фотографиям интерьеры старинных лавочек Бен, чтобы понять это. В Италии развивалось «бедное искусство», пропагандистом которого являлся Дж. Челант. Это направление отличалось известной театральностью и мистичностью, иногда выбором крайне простых средств и материалов. В Германии яркой личностью был Й. Бойс, образовавший целую школу. Довольно эклектичный, он поражал своей неугомонной активностью. В Японии поп-арт стал после увлечения абстрактным искусством «вторым» языком авангарда (если под первым понимать абстракцию). Известный представитель — Акакава. В Испании в период диктатуры Франко поп-арт находился под запретом; там официально, что редкость для тоталитарных режимов, поддерживался абстракционизм, а поп-арт с его изобразительностью оказывался неприемлемым. Наконец, ветвь поп-арта появилась в Москве, если иметь в виду работы В. Янкилевского и И. Кабакова. Характерно, что они пародировали нередко саму попытку создать «благоденствующее» общество в рамках социализма, которое было бы способно конкурировать с американским. В. Комар и А. Меламид, основатели соц-арта, устроили совместную выставку в Нью-Йорке в 1976 году. Последователи этого направления нашлись и в других странах, представляя его модифицированные «диалекты».

Был ли политичен поп-арт, только ли он воспевал американскую мечту? Как всегда в таких случаях, авангард политически точно неопределим. Характерно, что наряду с рекламными образами и «мусором» цивилизации попартисты, изображая отдельных политических деятелей, скажем Джона Кеннеди или Мао Цзэдуна, позволяли себе дерзкие сопоставления, не соответствующие принятой иерархии. В 1968 году они показали свои работы на антивоенной выставке (против войны во Вьетнаме), где, в частности, экспонировалась уменьшенная копия статуи Свободы с лентой через плечо — и надписью: «Мисс Напалм». Ольденбург принимал участие в выступлениях студентов, в «политических хеппенингах» и размещал свои работы во дворах мятежных университетов. В Йельском университете он выставил гигантский тюбик помады на платформе с танковыми гусеницами. Чуть позже Уорхол выставил красное изображение серпа и молота на синем фоне под названием «Натюрморт».

У поп-арта имелся дух массовости, вовлекаемости, почему он и покорил так много людей и так много стран. Его структура была преднамеренно открытой, завлекающей. И думается, именно поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество, и общество приняло его в конечном итоге как «своего», почему он и стал определенным стилем 60-х годов. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, хождение в джинсах и использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и портфелей — все это из того времени.

Время поп-арта еще не закончилось.

Художник королевы. Легенда поп-арта Ромеро Бритто привез картины в Россию | Персона | КУЛЬТУРА

Ромеро Бритто – один из самых известных в мире художников, работающих в направлении «поп-арт». Поклонницей его творчества называет себя даже королева Великобритании, а критики называют его «иконой поп-арта». Впервые художник доехал и до России – 5 сентября в Петербурге открывается первая в стране выставка Бритто «Формула успеха».

На своих картинах Бритто самыми яркими красками изображает героев известных мультфильмов, влюбленные пары, цветы и солнечные пейзажи. «В жизни много негатива, — объясняет художник. — Такие вещи не должны повторяться в искусстве. Нам нужно мечтать и окружать себя символами надежды и счастья».

От кота-фараона до зайчонка Милли

Бразилец Ромеро Бритто начал увлекаться поп-артом еще в детстве. Он нигде не учился рисовать, осваивая это направление самостоятельно. «Я начал рисовать, чтобы привнести свет и цвет в свою жизнь», — рассказывает Бритто. Когда начинающему художнику было всего 16 лет, у него состоялась первая выставка на родине. В конце 80-х годов Бритто переехал в Майами, где поп-арт всегда был наиболее развит, и здесь художник получил мировую популярность.

По мнению художника, искусство должно нести только добро. Фото: АиФ/ Яна Хватова Ромеро Бритто выбирал самые яркие краски и рисовал на дереве или металле забавных животных, цветы, сердца, портреты и пестрые пейзажи. За время работы художник сотрудничал с ФИФА, Цирком дю Солей и компанией «Дисней», для которой Бритто изобразил Микки Мауса в стиле поп-арт.

Работы художника представлены на центральных площадях, стадионах, аэропортах и стадионах Лондона, Москвы, Майами, Стокгольма, Вашингтона, Голливуда и Нью-Йорка. Например, в аэропорту Джона Кеннеди в Нью-Йорке пассажиров встречает монументальная скульптура «Яблоко», а здание Национального архива Белого дома украшает «Зайчонок Милли» ростом 1,2 метра.

Для лондонской выставки, посвященной Тутанхамону, Бритто создал гигантскую пирамиду с изображением счастливого кота-фараона: эта скульптура стала самым масштабным произведением искусства из когда-либо представленных в Гайд-парке.

«Я добрый и чувствительный человек»

Чтобы добиться признания, Ромеро Бритто очень много работал и проводил дни напролет в своей яркой студии, стены которой также завешаны картинами в стиле поп-арт. На них нельзя встретить ни одного печального персонажа или блеклых оттенков. Художник уверен: искусство должно быть исключительно позитивным. «Я сам добрый и чувствительный человек, — признается Бритто. – Меня волнуют вопросы любви и добра – я считаю, что это самые важные жизненные состояния».

Ромеро Бритто создает картины и арт-объекты. Фото: АиФ/ Яна Хватова

По словам художника, на создание новых сюжетов поп-арта его вдохновляет все, что он видит – в том числе, образы из ежедневной рутины. «Каждый смотрит на вещи по-своему, — считает мастер. — Я счастлив, что могу делиться своим видением лучшего мира». Ромеро Бритто уверен, что его творчество не было бы таким ярким и интересным без воздействия таких художников, как Пабло Пикассо и Анри Матисс: у Пикассо бразилец позаимствовал композиционные находки, а у Матисса – цвета. А вот творчество Караваджо художнику не по душе: в его картинах слишком много насилия.

Впервые в России

Слава о Ромеро Бритто так быстро облетела все страны, что у художника появились поклонники среди знаменитостей. Одни из самых известных почитателей таланта мастера – певица Шакира, писатель Пауло Коэльо и королева Великобритании. Ромеро Бритто даже подарил Елизавете II на день рождения ее портрет в стиле поп-арт: королева оценила портрет по достоинству, и сейчас он хранится в ее коллекции. Других членов королевской семьи Бритто пока не изображал, хотя художник состоит в Международном благотворительном фонде принца Чарльза.

По словам Бритто, на его творчество повлияли Пикассо и Матисс. Фото: АиФ/ Яна Хватова Несмотря на то, что в Московском «Внуково» установлена скульптура Ромеро Бритто «Голубой щенок», выставки работ художника в России никогда не было. В город на Неве Бритто привез несколько десятков своих лучших работ.

Несколько лет назад художник уже был в Северной столице – приезжал на свадьбу своего друга. Тогда у Ромеро Бритто не было времени, чтобы прогуляться по городу и познакомиться с его достопримечательностями. На этот раз художник намерен исправиться: он планирует посетить Эрмитаж и обойти исторический центр Петербурга.

На своей выставке под названием «Формула успеха» Бритто будет присутствовать в течение трех дней, а 5 сентября художник проведет мастер-класс для детей и откроет маленьким поклонникам секрет своего таланта.

Познакомиться с работами Ромеро Бритто можно будет до 13 декабря в галерее современного искусства «Эрарта».

Смотрите также:

Арт-погружение в студии Artista в Санкт-Петербурге

Каждое воскресенье в студии Artista устраивают необычное погружение в мир живописи. Сначала проходит небольшая лекция, которая знакомит слушателей с жизнью и творчеством одного из выдающихся художников. Затем на мастер-классе участники создают собственные картины в стиле героя вечера. Занятие проводит профессиональный художник, педагог студии.

Для создания картин в разных жанрах используются различные техники и материалы. Например, участникам предложат написать картину акрилом с добавлением потального золота, вдохновлённую произведениями Густава Климта, женский портрет с цветами в стиле Фриды Кало, звёздную ночь в духе Ван Гога, сюрреалистическую фантазию как у Рене Магритта.

С занятия участники унесут не только хорошее настроение, но и знания о художниках, а также картину, написанную собственными руками.

5 июня, 19:00 — Энди Уорхолл. Американский художник создал одно из самых модных направлений — поп-арт — буквально из того, что было под рукой. На лекции слушатели узнают о том, как поп-арт завоевал американское искусство второй половины XX века, а на мастер-классе нарисуют собственную яркую работу.

6 июня, 15:00 — Сальвадор Дали. Великий сюрреалист был не только выдающимся художником, но и мастером в продвижении личного бренда. В первой части занятия участники узнают о любимых «маркетинговых» приёмах Дали и о том, какие из его навыков можно использовать в современной жизни. А во второй части каждый создаст свою работу в стиле поп-арт.

12 июня, 19:00 — Анри Матисс. Гости студии познакомятся с жизнью и творчеством этого выдающегося французского художника, с его экспериментами и исследованиями цвета, а затем напишут картину, вдохновляясь его стилем.

13 июня, 15:00 — Фрида Кало. Героиня дня — женщина с непростым характером и сложной судьбой, вокруг которой сложено множество легенд. Участники занятия познакомятся с её главными произведениями и создадут стилизованный женский портрет с цветами и птицами.

19 июня, 19:00 — Пабло Пикассо. Этот человек изменил русло мирового искусства и перепробовал множество стилей. Кем же он был — гениальным творцом или грамотным маркетологом? Об этом речь пойдёт на лекции, а на мастер-классе участники напишут женский образ, ведь женщины сыграли особую роль в творчестве Пикассо.

20 июня, 15:00 — Рене Магритт. Картины этого сюрреалиста — живописные загадки, заставляющие зрителя задуматься. Многие его образы переходят из одной картины в другую, создавая фантастическую вселенную Магритта. Гости встречи попытаются раскрыть загадки художника, познакомятся с магическим реализмом и создадут собственную картину-загадку.

26 июня, 19:00 — Василий Кандинский. Жизнь этого художника пришлась на эпоху войн, революций, научных открытий и утопических идей. Участники занятия откроют для себя мир абстракции и нарисуют собственную абстрактную композицию.

27 июня, 15:00 — Густав Климт. Искусствовед расскажет о том, как австрийский художник-модернист нашёл свой стиль, завоевал популярность и начал задавать тон всему европейскому искусству. Затем участники нарисуют картину акрилом с потальным золотом.

4 июля, 15:00 — Ван Гог. Этот живописец — пример того, как освоить новую профессию с нуля за 10 лет и создать безусловные шедевры. Участники встречи узнают, каким видели Ван Гога его современники, почему к нему относились настолько противоречиво и правда ли, что художник был сумасшедшим, или же он только делал вид. Тема мастер-класса — картина в стиле знаменитой «Звёздной ночи».

Узнать подробности можно на официальном сайте.

Присоединяйтесь ВКонтакте и в Instagram.

Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+

Что такое поп-арт? Техники, художники и примеры, сформировавшие движение

Возможно, самое известное художественное развитие 20-го века, поп-арт, возник как реакция на потребительство, средства массовой информации и массовую культуру. Это движение появилось в 1950-х годах и набрало обороты в шестидесятые. Поп-арт отошел от теории и методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, ведущем движении, которое ему предшествовало. Вместо этого он использовал предметы повседневного обихода и средства массовой информации, такие как газеты, комиксы, журналы и другие обыденные предметы, для создания ярких композиций, сделав движение краеугольным камнем современного искусства.

Это введение идентифицируемых образов было серьезным отклонением от направления модернизма, который поп-артисты считали пустым и элитарным. Многие художники, связанные с этим движением, в первую очередь Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, достигли беспрецедентной славы и статуса, опыт, который приблизил практикующих к мейнстриму знаменитостей. Сегодня поп-арт — один из самых узнаваемых видов искусства.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — это движение, возникшее в середине 20-го века, когда художники включали в свои работы обычные предметы — комиксы, консервные банки, газеты и многое другое.Движение поп-арт было направлено на укрепление идеи о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.

Краткая история поп-арта

Антонио Каро, «Колумбия», 1977 г. Продано за 10 000 долларов через Phillips (май 2014 г.).

Поп-арт зародился в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием «Независимая группа». Вскоре он распространился в Соединенных Штатах. Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом.Движение быстро распространилось, и многие считают, что пионер британской поп-музыки Ричард Гамильтон сделал коллаж 1956 года. Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? год ознаменовал официальное начало культурного феномена после того, как он появился в лондонской галерее Уайтчепел.

Гамильтон описал характерные особенности движения следующим образом: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), остроумный. , Сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес.«После того, как движение ворвалось на сцену в Соединенных Штатах, оно быстро распространилось по всему миру и продолжает оказывать влияние на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Характеристики поп-арта

Кусама Яёи, «Шляпа», 1929 г. Продано за 100 000 йен на аукционе Est-Ouest Auctions Co., Ltd (июль 2009 г.).

Поп-арт легко узнаваем благодаря его яркости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих самых знаковых произведениях этого движения. Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

  • Узнаваемые образы: В поп-арт использовались изображения и значки из популярных СМИ и товаров.Сюда входили коммерческие товары, такие как консервные банки, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты и другие товары, популярные в коммерческом мире. Были включены даже торговые марки и логотипы.
  • Яркие цвета: Поп-арт отличается яркими яркими красками. Основные цвета — красный, желтый и синий — были заметными пигментами, которые использовались во многих известных работах, особенно в работе Роя Лихтенштейна.
  • Ирония и сатира: Юмор был одной из основных составляющих поп-арта.Художники используют предмет, чтобы заявить о текущих событиях, высмеять причуды и бросить вызов статус-кво.
  • Инновационные методы: Многие художники поп-музыки занимались гравюрой, что позволяло им быстро воспроизводить изображения в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, посредством которого чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом. Рой Лихтенштейн использовал литографию или печать с металлической пластины или камня, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля.Поп-художники часто брали образы из других областей основной культуры и включали их в свои произведения искусства в измененном или исходном виде. Этот тип искусства присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высоким и низким искусством, которое отделяло рекламу и медиа от изобразительного искусства.
  • Смешанная техника и коллаж: Поп-художники часто смешивали материалы и использовали различные типы средств массовой информации. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили движение поп-арта, художники Том Вессельманн и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные образы в один холст, чтобы создать совершенно современную форму повествования.Точно так же Марисоль известен скульптурами, в которых для изображения фигур используются самые разные материалы.

Поп-исполнители, определившие движение

Энди Уорхол

Энди Уорхол. Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Имя Энди Уорхола стало синонимом американского поп-арта. Работы Уорхола олицетворяют многие аспекты движения, такие как одержимость знаменитостями, повторение изображений и использование рекламы в качестве темы.Его самые известные серии включают «Банки с супом Кэмпбелла», изображения Жаклин Кеннеди Онассис и «Смерть и катастрофа». Уорхол сотрудничал с такими артистами, как Жан-Мишель Баския, и коммерческими брендами, такими как Perrier. В конце концов он открыл студию художника под названием «Фабрика», которая служила мастерской для творчества Уорхола, а также местом встречи богемы.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, «Нога и рука» (1964). Продано за 14000 долларов на аукционе Dane Fine Art Auctions (август 2018 г.).

Другой культовый американский поп-исполнитель — Рой Лихтенштейн. Характерный стиль Лихтенштейна, известного своим использованием основных цветов и смелых очертаний, отсылает к комиксам, из которых он заимствовал большую часть своих ранних исходных материалов. Даже в более поздних сериях работ Лихтенштейн использовал точки Бен-Дея, чтобы вызвать комический стиль в своих полотнах и скульптурах. Подобно Уорхолу и Лихтенштейну, Эд Руша и Джеймс Розенквист взяли темы из печатных СМИ, чтобы создать риффы на вывесках, которые олицетворяли культурный дух времени.

Роберт Раушенберг

Раушенберг радикально смешал материалы и методы для создания замечательных коллажей в стиле поп-арт, в которые были включены популярные образы того периода времени, в который он существовал. Одна из его самых заметных работ, Retroactive II , созданная в 1964 году, представляла собой изображение на шелкографии, на котором был изображен портрет Джона Ф. Кеннеди и астронавта НАСА среди других изображений, смешанных и перекомпонованных интересным образом.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни помог стать пионером британского поп-арта в 1960-х годах, создавая полуабстрактные картины и экспериментируя с широким спектром средств массовой информации.Его работа 1967 года « A Bigger Splash » была одной из множества картин в стиле поп-арта, сосредоточенных вокруг бассейнов, очарование, которое возросло после того, как он переехал в Калифорнию и признал непринужденный, чувственный образ жизни жителей этого района.

Поп-исполнители

Эвелин Аксель, «La directrice aux fruit», 1972 г. Продано за 50 000 евро через Cornette de Saint-Cyr-Bruxelles (декабрь 2016 г.).

Женщины-поп-исполнители часто исключаются из традиционного повествования движения, но многие из них играли ключевую роль на протяжении всей своей карьеры.Драматург и авангардистка Розалин Дрекслер, концептуалист и поп-художник Марисоль и бельгийская художница Эвелин Аксель внесли свой вклад в успех поп-движения. Сегодня все больше женщин-поп-исполнителей участвуют в музейных выставках и аукционах благодаря этим первопроходцам.

Факты о поп-арте

  • Первое произведение поп-арта было создано шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1952 году. Это был коллаж из журналов под названием «Я был игрушкой для богатых» .
  • Поп-арт изначально назывался пропагандистским искусством.
  • Энди Уорхол разработал культовую обложку для дебютного альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
  • The Souper Dress, одноразовая одежда, вдохновленная серией Уорхола Campbell’s Soup Can , была произведена Campbell Soup Company в 1966–67.
  • Использование найденных предметов и изображений в поп-арте восходит к движению Дада в начале 1900-х годов.
  • Художники, такие как Джефф Кунс и Клас Ольденбург, высмеивали повседневные предметы, изображая их в монументальных пропорциях.Знаменитые предметы Ольденбурга включают гигантские шарики для мороженого, ложки, прищепки и многое другое.
  • Самым дорогим из когда-либо проданных Уорхолом был Silver Car Crash (Double Disaster) , созданный им в 1963 году. Он был продан за 105 миллионов долларов в 2013 году.

Поп-арт распространился практически во всех слоях общества, сначала благодаря сотрудничеству художников в области дизайна и музыки, а затем, когда новые поколения художников были вдохновлены стилем середины века. В 80-е годы некоторые художники-постмодернисты работали под лозунгом «Нео-поп.Эти художники, в том числе Джефф Кунс, продолжали брать предметы из повседневной жизни и включать их в свои произведения искусства.

Сегодня мантию поп-арта подхватывают такие художники, как японский феномен Такаши Мураками. Мураками придумал термин «суперплоскость» для описания своего искусства, которое относится к его графическому характеру, вдохновленному аниме, поп-культурой и потреблением. Кроме того, уличные художники, такие как Бэнкси, испытали влияние наследия поп-арта, используя трафареты и графический дизайн для достижения аналогичной эстетики в своих работах.

Поскольку поп-арт почти идеально имитирует те аспекты общества, на которые он реагирует, его влияние на культуру в Соединенных Штатах и ​​за их пределами на данный момент неизмеримо.

Источники : Художественная история | Тейт | Моя современная встреча | МоМа | Британская энциклопедия | Искусство сердечное

Что такое поп-арт? Путеводитель по движению поп-арт

Поп-арт возник как художественное направление в 1950-х годах в Америке и Великобритании и достиг своего пика в 1960-х годах. Движение было вдохновлено популярной и коммерческой культурой в западном мире и началось как восстание против традиционных форм искусства.

Поп-художники чувствовали, что искусство, выставленное в музеях или преподаваемое в школах, не представляет реальный мир, и вместо этого обращались к современной массовой культуре в поисках вдохновения. На пике своего расцвета поп-арт часто объявлялся «анти-искусством» за отказ подчиняться стандартам современного искусства того времени.

Мы собрали это руководство, чтобы ответить на некоторые из наиболее распространенных вопросов о жанре. Узнайте, кто ввел «поп-арт» в поп-арт и почему этот стиль сегодня стал одной из самых узнаваемых форм современного искусства.

Хотите вместо этого купить поп-арт? Взгляните на нашу коллекцию или исследуйте картины в стиле поп-арт.

Источники поп-арта III сэра Питера Блейка

Каковы основные характеристики поп-арта?

Понимание того, что означает термин «поп-арт», может помочь осветить ключевые идеи, поддерживающие движение. Художник Ричард Гамильтон ранее перечислял « характеристик поп-арта » в письме своим друзьям.

Он разбил значение поп-арта на простые термины: популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), недорогой, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), Остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный, большой бизнес.

«Я скорее буду счастлив, чем достоин достоинства», Магнус Джоэн

Как узнать поп-арт?

Вы часто можете идентифицировать поп-арт по использованию популярных потребительских символов, будь то предметы домашнего обихода, такие как скромная банка с бобами в Campbell’s Soup Cans Энди Уорхола, 1962 год или знаменитые знаменитости, такие как Мэрилин Монро в фильме Мэрилин Монро, I by Джеймс Розенквист, еще один ключевой сторонник движения.

Чтобы квалифицировать это, Уорхол сказал: «Поп-артисты создавали образы, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы», все современные вещи, которые художники пробовали ранее. избегать в своей работе.

Кричать для Шанель от Ольги Ломаки

Действительно, фирменная или коммерческая символика — особенно важная тема в поп-арте.Включение логотипов или безличных образов укрепило идею о том, что искусство может быть вдохновлено всем и вся, а не только историей, мифологией или моралью.

Для поп-арта характерны смелые цвета, особенно основные цвета: красный, синий и желтый. Цвета обычно были яркими и похожими на вашу типичную палитру комиксов. Эти цвета не использовались для представления внутреннего мира или личности художника, как это часто было в предыдущих классических формах искусства, но отражали яркую, популярную культуру вокруг них.

Композиции с резкими краями — популярный мотив, используемый для смягчения «живописной раскованности» таких стилей, как абстрактный экспрессионизм. Следовательно, многие произведения поп-арта состоят из отличительных или фрагментированных форм. Некоторые художники также высмеивали предметы, увеличивая их до почти комических размеров.

Чего-то всегда не хватало, Питер Хорват

Какие техники используются в поп-арте?

Подобно дадаизму и, возможно, вдохновляясь им, поп-артисты часто создавали необычные и бессмысленные комбинации «найденных» или «готовых» объектов и образов популярных, политических или социальных явлений.Эти объекты или изображения часто отображаются в виде коллажей, организованных в рамках художественного процесса, называемого присвоением. Это копирование, заимствование или изменение изображений или предметов из массовой массовой культуры.

С ростом потребительской культуры и распространением визуальных явлений благодаря постоянно расширяющимся средствам массовой информации присвоение приобрело совершенно новое значение в искусстве.

Поп-артисты также использовали процессы индустрии дизайна, такие как коммерческая трафаретная печать и чрезвычайно графические макеты, имитирующие рекламу, рекламные щиты, каталоги и другую маркетинговую пропаганду, внедренную в окружающий их мир.По этой причине этот стиль первоначально назывался «Пропагандистское искусство».

Сексуальное время 2, автор: D13EGO

Что делает движение поп-арта уникальным?

Когда Энди Уорхол указал на то, что художники отказываются замечать все великие современные вещи, которые замечали все остальные, он подчеркивает тот факт, что искусство в то время было полностью оторвано от реальной жизни и реальных людей; одержимость мазком кисти создавала атмосферу исключительности.

Одна из вещей, которая сделала поп-арт таким уникальным, заключалась в том, что он решил сосредоточиться на таком «реальном» и актуальном предмете, решение, которое критики модернистов открыто ненавидели. Поп-артисты стирают границы между «низким» и «высоким» искусством, преодолевая разрыв между популярной культурой и классическим искусством, переопределяя традиционные параметры того, что составляет искусство и что значит быть художником.

Движение поп-арта важно, потому что оно сделало искусство доступным для масс, а не только для элиты.Поскольку стиль был вдохновлен коммерческими деятелями и культурными событиями, работа получила признание и уважение среди широкой публики. Наконец, появился вид искусства, который казался не только уместным, но и доступным каждому. В некотором смысле поп-арт был «искусством для народа».

Маньяк Виктория Топпинг

В чем разница между американским поп-артом и британским поп-артом?

В США соблазнительная «американская мечта» об успехе, красоте и деньгах двигала культуру поклонения знаменитостям в 50-х и 60-х годах.Появление телевидения практически в каждом доме по всей стране повлияло на весь культурный ландшафт. Каждый дом наполнялся лицами и идеями американских музыкантов, спортсменов, актеров и политиков, восхваляющих новую американскую эпоху.

В то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили в своей культуре и обществе, на поп-арт в Британии существенно повлияли издалека.

Британский поп-арт создавался с точки зрения стороннего наблюдателя, в значительной степени заимствовав лексику, изображения и предметы из послевоенной Америки.Подпитываемые желанием сбежать из едва выздоровевшей послевоенной обанкротившейся страны, британские художники создавали искусство, которое тосковало — обычно по иронии судьбы — глянцевой американской мечты, восхваляемой на телевидении, в газетах и ​​в рекламе.

Дороти Дэндридж, Тим Таулер

Кто такие известные поп-исполнители?

Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн относятся к числу тех, кого считают первыми поп-артистами.

Ричарда Гамильтона часто называют отцом-основателем британского поп-арта за то, что он изложил цели и идеалы движения, перечисленные выше. Гамильтон считал, что искусство предназначено не только для галерей и выставок, но и для образа жизни. Таким образом, он внес свой вклад в популяризацию искусства, а не только для частных выставок.

Энди Уорхол, возможно, более широко известный сторонник этого движения, использовал свой статус знаменитости для распространения поп-арта в другие сферы искусства, особенно в кино.Фактически, его часто считают родоначальником независимого кино.

Зоя от Албана

Поп-арт все еще актуален сегодня?

Многие современные поп-артисты продолжают поддерживать движение не только в живых, но и в процветающем. К популярным сегодня исполнителям поп-музыки относятся нео-поп-исполнитель Джефф Кунс, культовый Алекс Кац и японский визуальный художник Яёи Кусама.

Если вы ищете поп-арт для продажи, мы рекомендуем взглянуть на известного гравера Питера Хорват , художника Яссин Моурит и Ники Харе , или узнать больше здесь .

Motor Cade Love от Пирса Бурка

Художников по направлениям: Pop Art

Художественное движение

Поп-арт начался с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, каждый из которых опирался на популярные образы и фактически был частью международного явления.После популярности абстрактных экспрессионистов, повторное введение Попом идентифицируемых образов (взятых из средств массовой информации и массовой культуры) стало серьезным сдвигом в направлении модернизма. Тематика стала далека от традиционных тем «высокого искусства» морали, мифологии и классической истории; скорее, поп-художники прославляли обычные предметы и людей повседневной жизни, таким образом стремясь поднять массовую культуру на уровень изящного искусства. Возможно, благодаря использованию коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

История поп-арта уходит корнями в Великобританию. В 1952 году собрание художников в Лондоне, называющих себя Независимой группой, начало регулярно встречаться для обсуждения таких тем, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, найденный объект, а также наука и технологии. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Аллоуэй и Рейнер Бэнхэм. Британия в начале 1950-х годов все еще выходила из аскетизма послевоенных лет, и ее граждане неоднозначно относились к американской поп-культуре.Хотя группа с подозрением относилась к ее коммерческому характеру, они с энтузиазмом относились к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, обещала будущее. Образы, которые они подробно обсуждали, включали изображения из западных фильмов, научной фантастики, комиксов, рекламных щитов, автомобильного дизайна и рок-н-ролла.

Фактический термин «поп-арт» имеет несколько возможных источников: первое использование этого термина в письменной форме было приписано как Лоуренсу Аллоуэй, так и Элисон и Питеру Смитсону, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение попу в письме, в то время как Первое произведение искусства со словом «поп» было создано Паолоцци.Его коллаж I Was a Rich Man’s Plaything (1947) содержал нарезанные изображения девушки в стиле кинозвезды, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, бомбардировщика времен Второй мировой войны и руки человека, держащей пистолет, из которого вырвался мир. «ПОП!» в пухлом белом облаке.

К середине 1950-х художники, работающие в Нью-Йорке, столкнулись с критическим моментом в современном искусстве: следовать за абстрактными экспрессионистами или восстать против строгого формализма, отстаиваемого многими школами модернизма. К этому времени Джаспер Джонс уже нарушал условности абстрактных картин, которые включали отсылки к «вещам, которые уже знает разум» — мишеням, флажкам, отпечаткам ладоней, буквам и цифрам.Между тем, Роберт Раушенберг «сочетает» найденные объекты и изображения с более традиционными материалами, такими как масляная краска. Точно так же «Happenings» Аллана Капроу и группа Fluxus решили включить в свое искусство аспекты из окружающего мира. Эти художники, наряду с другими, позже объединились в движение, известное как Неодада. Классическое ныне нью-йоркское поп-искусство Роя Лихтенштейна, Класа Ольденбурга, Джеймса Розенквиста и Энди Уорхола возникло в 1960 году по стопам неодадаистов.

Когда был завершен переход от конструкций найденных объектов художников-неодада к поп-движению, со стороны художников возник широкий интерес к включению поп-культуры в свои работы. Хотя художники из Independent Group в Лондоне инициировали использование слова «поп» по отношению к искусству, американские художники вскоре последовали их примеру и включили поп-культуру в свои произведения. Хотя отдельные стили широко различаются, все художники сохраняют общность в выборе изображений популярной культуры в качестве основного предмета.Вскоре после того, как американский поп-арт прибыл на мировую арену искусства, материковые европейские варианты развились в группе капиталистического реализма в Германии и движении нового реализма во Франции.

В отличие от Нью-Йорка, художественный мир Лос-Анджелеса был гораздо менее жестким, в нем не было установленных галерей, критики и иерархии восточного побережья; эта открытость отражается в стилях художников, которые здесь жили и работали. Первый музейный обзор поп-арта, New Painting of Common Objects , был проведен в Художественном музее Пасадены в 1962 году и продемонстрировал Уорхола и Лихтенштейна, а также многих художников, живущих в Лос-Анджелесе, включая Эда Руша, Джо Гуда, Филиппа Хеффертона, Уэйн Тибо и Роберт Дауд.Другие художники из Лос-Анджелеса, такие как Билли Аль Бенгстон, включили другой вид эстетики в свою версию поп-музыки, используя новые материалы, такие как автомобильная краска, и ссылаясь на серфинг и мотоциклы в своих работах, которые делают знакомое странным за счет новых и неожиданных комбинаций изображений и мультимедиа. . Смещая акцент с конкретных потребительских товаров, эти художники позволили поп-арту выйти за рамки репликации, чтобы включить опыт и вызвать определенное чувство, отношение или идею, одновременно раздвинув границы между высоким искусством и популярной культурой.

Поп-арт продолжит влиять на искусство и в последующие десятилетия, при этом такие художники, как Уорхол, сохраняли свое грандиозное присутствие в мире искусства Нью-Йорка до 1980-х годов. Поп-музыка потеряла популярность в 1970-х, когда мир искусства сместил акцент с арт-объектов на инсталляции, перформансы и другие, менее осязаемые формы искусства. Однако с возрождением живописи в конце 1970-х — начале 1980-х годов арт-объект снова стал популярным, а популярная культура предоставила предмет, который зрителям было легко идентифицировать и понимать.Одной из ведущих фигур неопоп-движения был Джефф Кунс, чье присвоение икон поп-культуры, таких как Майкл Джексон, и предметов массового производства, таких как пылесосы Hoover, еще больше раздвинуло границы высокого искусства. В Японии работы Такаши Мураками были названы более поздним примером нео-попа из-за того, что он использовал популярные аниме-образы в своем стиле Superflat и его успешное сотрудничество с модными лейблами, такими как Louis Vuitton. Такие художники продолжают преодолевать барьер между высокими и низкими формами искусства, переоценивая роль искусства как товара как такового.

См. Также Поп-арт (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Pop_art

Поп-арт дизайн: художественная контркультура 1960-х

«Поп-арт» — это название, которое звучит как противоречие.Искусство часто превозносится как возвышенное и оригинальное. Поп в основном презирают как низкопробный и повторяющийся. Но во многих отношениях название отражает то, что делает дизайн поп-арта таким привлекательным: он упивается иронией и сочетает в себе то, что не следует сочетать.

Иллюстрация OrangeCrush

Конечно, поп-арт дизайн обязан своим величием не только броскому названию. Это невероятно яркий, дерзкий и разнообразный стиль, привлекательность которого сохранялась десятилетиями, без сомнения, благодаря его роли в вырвании изобразительного искусства из рук элиты в руки масс.Чтобы помочь вам овладеть этой эстетикой, мы рассмотрим корни поп-арта и множество способов его адаптации и по сей день.

Что такое дизайн в стиле поп-арт?


– Ричард Гамильтон. Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956) через Wikimedia Commons

Дизайн поп-арта — это направление в изобразительном искусстве, которое царило в середине 1950-х и 60-х годов и в основном сосредоточивалось на представлении популярной американской поп-культуры иконографии. Эти изображения часто варьировались от буквальных, таких как репродукции реальных панелей из комиксов Роем Лихтенштейном, до стилизованных, таких как журнальные коллажи Ричарда Гамильтона.В отличие от произведений искусства, которые подчеркивали особую руку художника, поп-арт обычно имитировал безличную и машинную графику коммерческих продуктов.

Как и все искусство, то, что определяет что-то как поп-арт, не всегда однозначно — это зависит от конкретных навязчивых идей и чувств, которые неизбежно меняются от художника к художнику. Однако у большинства поп-арта действительно есть несколько общих элементов:

  • Тематика популярных американцев, таких как знаменитости, реклама, каталоги покупок и комиксы
  • Методы массового производства, такие как полутоновая печать
  • Чрезмерное повторение
  • Репродукции изображений с замененными цветами
Whaam! Роя Лихтенштейна! (1963) через Tate Modern

Хотя все это описывает визуальные особенности поп-арта, оно не может по-настоящему объяснить, что поп-арт значил как для художников, так и для его приверженцев.Каким образом стиль, в котором часто воспроизводятся одни и те же широко распространенные коммерческие изображения, оказывал такое длительное влияние? Чтобы понять это, нам нужно изучить исторический контекст времени, места и людей, участвовавших в этом.

Краткая история поп-арта


Корни поп-арта

Как и многие другие художественные революции, поп-арт часто осуждали некоторыми вариациями . Это не искусство ! В некоторой степени эти критики были правы: воспроизведение общедоступных изображений определенно не было тем, чем было искусство до того момента.

Но в то же время американское искусство пережило относительно недавний период реализма или натурализма. В этом движении художники переняли предмет своего искусства от религии или буржуазных портретов к сценам (часто грубым) с обычными людьми, чтобы показать американскую жизнь такой, какой она была на самом деле. Это контрастировало с модернистскими европейскими движениями, такими как кубизм, дадаизм и сюрреализм, большая часть которых была встречена американцами на Armory Show 1913 года с ужасом и ужасом — сам Теодор Рузвельт, как известно, заявил французскому художнику Марселю Дюшану: «Он чокнутый и его воображение разыгралось! » Но все эти движения были жизненно важными предшественниками поп-арта, бросая вызов тому, как искусство должно выглядеть и о чем оно может быть.

Фонтан Марселя Дюшана (1917) оказал влияние на поп-арт, поскольку представлял продукт массового производства, подчеркивая концепцию над техникой художника. Изображение взято с Wikimedia Commons.

За пределами мира искусства американская жизнь коренным образом изменилась. Индустриализация привела к массовому производству и переполненным городским центрам. Позже, окончание Второй мировой войны и последовавший за этим экономический бум, вызвали массовую миграцию в пригороды в поисках тихой жилой жизни.

В то же время реклама становилась все более определенной отраслью, чему способствовали новые технологии, такие как радио и телевидение.Практика, в которой упор делался на вдохновляющие образы, лозунги и повторяющиеся до тошноты лозунги, стали обычным явлением.

Многие из изображений, которые использовались в рекламе в этот период — семейные барбекю на заднем дворе, домохозяйки с накрашенными волосами, демонстрирующие новейший прибор, наслаждающиеся кока-колой после какого-нибудь старого доброго американского бейсбола — одновременно отражали и формировали идеальную пригородную жизнь, что был заклеймен как «Американская мечта». Таким образом, ценности американской культуры в этот период были в значительной степени привязаны к телевидению, кино и коммерциализму.Все эти культурные и художественные движения заложили основу дизайна поп-арта.

Реклама винтажной Coca Cola на Pinterest

Художники поп-арта

Хотя американские СМИ и консьюмеризм были предметом поп-арта, этот термин возник в Великобритании в 1950-х годах. В европейском контексте поп-арт в значительной степени служил реакцией на вторжение американской поп-культуры через рекламу.

Обложка альбома Питера Блейка за Sgt. Группа «Клуба одиноких сердец» Пеппера через Wikimedia Commons

Коллажи британского художника Питера Блейка, например, часто сочетают в себе иконографию американской поп-культуры с иконографией из Великобритании.Обложка его альбома для Sgt. Группа Pepper’s Lonely Hearts Club Band знаменита множеством культурных деятелей, стоящих на видном месте за Beatles, от Боба Дилана и Фреда Астера до Ширли Темпл и Уильяма С. Берроуза.

Фильм Полины Боты «Это мужской мир I» (1964 г.) через paulineboty.org «Ретроактивность II» Роберта Раушенберга (1963 г.) через фонд Роберта Раушенберга

Между тем Полин Боты, основательница движения британского поп-арта, регулярно размещала в своих рекламных материалах фотографии знаменитостей мужского и женского пола. картины, сочетающие их с лепестками роз и яркими красками в праздничной чувственности.

Позже ее работа стала более критичной, особенно в ее картине 1964 года «Это мужской мир I», в которой популярные изображения известных людей изображены как строительные блоки правительства и войны.

За прудом американские художники представляли свои отношения с безудержной рекламой как отражение идеалов и реальности. Подобно тому, как греческие художники-классики лепили своих мифических героев и богов как воплощение красоты, американские СМИ создали новые стандарты красоты.

«Машины» Джеймса Гилла (1965) через Wikimedia Commons

Роберт Раушенберг, один из первых американских художников поп-арта и что-то вроде преемника «психованного» дадаистского художника Дюшана, создал коллажи из смешанных материалов, которые включали выброшенные предметы в картины, во многом как захороненные артефакты, определяющие потерянные цивилизации. В одной из его самых известных работ, картине под названием Retroactive II (1963), использовались коммерческие методы шелкографии и присвоение известных фотографий, что прочно отождествляло его с движением поп-арта.

Джеймс Гилл — еще один художник поп-арта, который использовал изображения политических деятелей и текущих событий в своем искусстве, но с явно более критическим тоном, чем его современники. смертельная война.

Розалин Дрекслер, которая может похвастаться обширным опытом в различных дисциплинах, от изобразительного искусства, написания романов и борьбы, аналогичным образом построила свои картины из разрозненных коллажированных изображений, часто заимствованных из афиш кинофильмов, и закрасила их смелыми минималистичными цветами.

«Любовники» Розалин Дрекслер (1963) через rosalyndrexler.org

Энди Уорхола часто называют звездой поп-арта, знаменитостью, в конечном счете столь же знаковой, как и те, которых он изображал, и большая часть его работ действительно отражает суть поп-арта. Его знаменитая модель Campbell’s Soup Cans (1962) была воспроизведена и выставлена ​​в ряды и столбцы — художественное зеркало супермаркетов. Его Мэрилин Диптих (1962) впервые использовала шелкографию в стиле поп-арт, чтобы воспроизвести портреты покойной Мэрилин Монро на пике ее славы в ярких цветах, переходящих в черно-белые, а затем в пустые.

В целом, поп-арт — это движение, связанное с Америкой, но также и художественная контркультура 1960-х годов. Тем не менее, его наследие сохранилось на протяжении веков.

Особое возрождение он получил в 1980-х благодаря Киту Харингу, чьи энергичные гуманоиды сделали упор на повторение и коммерческое воспроизведение с целью создания доступного искусства. Таким образом, его фрески и товары из поп-шопов получили огромную известность, в то же время распространяя информацию о различных проблемах, от апартеида до квир-дискриминации.

В последнее время художники от Такаши Мураками до Бэнкси несли факел поп-арта в современную эпоху.

Невежество Кита Харинга = Страх (1989) через haring.com

Поп-арт в современном дизайне


В конце концов, поп-арт — это универсальная эстетика, которую любой дизайнер может адаптировать к своей работе, независимо от того, в каком десятилетии он находится. Чтобы понять, как это делается, давайте взглянем на некоторые современные дизайны, которые направляют поп-арт. .

Многие дизайнеры пробуждают этот стиль через референсы и имитацию классических произведений поп-арта. Это не только самый простой подход, но и он прекрасно вписывается в идеал поп-арта о прямом присвоении и пародии.

И Цифровой Человек, и хрю! design, например, используют этот подход для изображения логотипов в виде серии разноцветных портретов в честь Мэрилин Диптих , с коммерческими векторными методами, действующими как цифровой эквивалент массового производства эпохи 60-х годов.

Между тем,

Alebelka и Monsat используют повторение и воспроизведение для создания дизайна, который напоминает Campbell’s Soup Cans .

Автор: Alice R

Приведенный выше подход работает лучше всего, когда упомянутые работы хорошо известны, и в результате он имеет тенденцию больше вызывать воспоминания об Уорхоле в частности, чем о поп-арте в целом. Но помимо конкретных работ и художников, он также связан с 1960-ми годами, и начинающие художники поп-арта могут прислушаться к эстетике этого десятилетия.Хотя с годами поп-культура радикально изменилась, конкретные идеалы винтажной рекламы все еще ощутимы. Во всяком случае, время только обнажило их поверхностную природу.

Дизайн в этом стиле демонстрирует (часто по иронии судьбы) пригородное блаженство 1950-х годов, например, обложку книги Элис Р. Винтажная иллюстрация улыбающейся женщины выглядит так, как будто она была вырезана прямо из вставки старого журнала, если не считать стилизованного цветового фильтра. Но обвинительный заголовок (в переводе с французского) «Так ты все еще не женат?» заставляет то, что иначе выглядело бы невинной улыбкой, выглядело натянутой.

Винтажные супергерои — еще один повторяющийся элемент в дизайне поп-арта, особенно потому, что они воплощают первозданную добродетель золотого века. Tomie O идет еще дальше, создавая упаковку с изображением не только супергероя, но и винтажным шрифтом и графическим текстом, напоминающим каталог товаров старой школы.

Автор Tomie O

Помимо прямых изображений поп-культуры, многие художники поп-арта также использовали классические методы массового производства в своей работе, особенно те, которые используют полутоновые точки.Они также напоминают горошек, который использовался в работах известных художников поп-арта, таких как Яёи Кусама. Самое замечательное в полутонах заключается в том, что они могут тонким образом придавать дизайну чувственность поп-арта, делая их пригодными для любого количества контекстов дизайна, от упаковки до дизайна логотипа.

Сделайте свой дизайн популярным


— Дизайн

Pop Art — это динамичный, радостный художественный стиль, который сохранялся на протяжении полувека, что неудивительно, учитывая сильное впечатление, которое он производит.

Он обращается к обычным чувствам со знакомыми изображениями и техниками. В то же время он показывает нам, что мы ценим, отражая нашу рекламу, наших кумиров и даже наш мусор прямо на нас. По всем этим причинам, если вы обнаружите, что ваши дизайны слишком часто не вдохновляют, подумайте о том, чтобы хотя бы раз отпустить их.

Хотите добавить немного поп-арта в свой следующий дизайн?
Работайте с нашим творческим сообществом дизайнеров, чтобы это произошло.

Что такое поп-арт? Художественные движения и стили

Курс рисования карикатур «В первой части этого курса вы познакомитесь с основными концепциями карикатуры.Вы будете использовать такие понятия, как преувеличение и абстракция, чтобы превратить грубый набросок в полноценный карикатурный рисунок. Вторая часть курса укрепит ваши карикатурные мускулы ».

Курс рисования портрета животных, автор — Аарон Блейз «Аарон Блейз — бывший аниматор Диснея и профессиональный художник, настоящий мастер рисования и раскрашивания животных. В этой демонстрации шедевра вы получите возможность затенять его в его студии и наблюдать, как он с нуля рисует большой портрет льва.»

Курс рисования реалистичных портретов от Стивена Баумана« Стивен Бауман — отмеченный наградами художник-фигурный художник, и в этой демонстрации шедевра вы сможете увидеть, как он создает шедевр с нуля. Вы увидите весь его процесс от начала до конца. Версия для 12+ часов в реальном времени. «

Курс портретной живописи маслом. Автор Аарон Вестерберг» Аарон Вестерберг — известный художник, обладающий особым талантом и любовью к цвету. В этой демонстрации шедевра вы станете мухой на стене в его студии.Вы сможете увидеть, как профессиональный художник создает шедевр с нуля ».

Курс по дизайну персонажей в лаборатории монстров от Скотта Фландерса «Научитесь создавать монстров с нуля! Этот курс по концепции персонажа научит вас переходить от листа идей, полученных в результате мозгового штурма, к убедительному произведению цифрового искусства. Наряду с изучением основ дизайна монстров, я также буду учить вас своей технике вырезания фигур «.

Портретная скульптура из «Жизненного пути» Зои Дюфур «Зои Дюфур — мастер-скульптор с невероятным мастерством моделирования формы.В этой демонстрации шедевра вы сможете посетить ее студию и посмотреть, как она создает более длинную скульптуру с нуля ».

Портретная живопись маслом с использованием метода размера прицела Курс Корнелии Хернес «Корнелия Хернес — известный художник-классик-реалист и преподаватель Флорентийской академии искусств. В этой демонстрации шедевра вы увидите, как профессиональный художник создает шедевр с нуля. Корнелия объяснит свою палитру, даст советы по смешиванию цветов, пониманию характеристик краски, типам кистей, растворителям и окрашиванию свежего холста.”

Курс классических методов и концепций портретной живописи Стивена Баумана Этот курс будет состоять из трех частей: портретный рисунок, гризайль и рисование полной палитрой. Часть 1 будет включать 3 демонстрации (каждая с уточненной версией и версией в реальном времени), которые будут публиковаться один раз в неделю в течение следующих 3 недель. Части 2 и 3 будут опубликованы в сентябре и январе. Вы можете предварительно приобрести все 3 сейчас, чтобы получить оптовую скидку.

Блог — Что такое поп-арт? Определение, художники и шедевры

Когда вы слышите поп-арт, вам, вероятно, приходят на ум изображения банок для супа Кэмпбелла Энди Уорхола и стилизованные картины в стиле комиксов Роя Лихтенштейна.Движение поп-арта зародилось в 1950-х годах, но его преходящий, одноразовый и гламурный стиль продолжает вдохновлять художников и по сей день, а его сексуальный, молодой и крупный бизнес по-прежнему притягивает коллекционеров произведений искусства по всему миру. Давайте углубимся в это направление искусства и найдем истинное определение поп-арта.

Что такое поп-арт? Определение и основные характеристики

Рождение оригинальной формы искусства

Движение Pop art зародилось в середине 1950-х годов в Англии и через несколько лет стало популярным через Атлантику в Соединенных Штатах.Это художественное направление было создано как реакция на абстрактный экспрессионизм, который некоторые художники того времени считали слишком жестким и претенциозным. Независимая группа 1950-х годов (IG) считается предшественником британского движения поп-арта. Эту группу возглавил Эдуардо Паолоцци, король коллажей, его работы были одними из первых, в которых использовалась реклама, персонажи комиксов и обложки журналов.

Энди Уорхол: воплощение художественного обновления

Энди Уорхол (1928-1987) представляет собой одну, если не самую важную фигуру в поп-арте.Он родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, США, сначала работал коммерческим иллюстратором, прежде чем погрузиться в мир искусства. Он стал художником, трафаретом, режиссером, музыкальным продюсером и автором. Его картины с изображением американских икон (Трой Донахью, Мэрилин Монро, Элвис Пресли, Натали Вуд, Уоррен Битти и др.) И товаров народного потребления (банка супа Кэмпбелла ) стали известны во всем мире.

Что такое поп-арт?

Аббревиатура Popular Art, Pop art характеризуется деконструкцией изображений, которые можно увидеть в массовой культуре — телевидении, комиксах, журналах, фильмах и других различных формах рекламы.Эти элементы были представлены объективно и заимствовали коммерческие методы, используемые СМИ, из которых были заимствованы сюжеты.

Определение поп-арта сквозь призму социологии

Что такое поп-арт с социологической точки зрения? Поп-артисты восприняли тот факт, что их изображения могут быть массовыми, легко доступными, одноразовыми и временными. Эту идею продвигал писатель Вальтер Бенджамин в своей книге « Произведение искусства в эпоху механического воспроизводства » (1935).Бенджамин заявил, что копия имеет более высокое социальное значение, чем оригинал, поскольку покупатель может владеть ею и пользоваться ею в любой момент. Эта идея оказала глубокое влияние на постмодернистскую мысль и сильно повлияла на движение Pop art .

Социальная критика

Поп-арт — это критика материализма и потребительства, присутствующих в современных обществах. Идея произведения искусства стала важнее, чем само произведение.

В Бразилии, Поп-арт стал инструментом для осуждения социальных злоупотреблений политического режима и тоталитарных аспектов его политики во время военной диктатуры 1960-х годов.Ромеро Бритто и Габриэль Греко являются яркими примерами бразильских исполнителей поп-музыки. Однако техника Греко колеблется между Стрит и Поп-арт свежим голосом, который напоминает голос Бэнкси.

Ключевые фигуры и шедевры

Движение Pop art создало множество других крупных художников, помимо Энди Уорхола, чей Marylin Diptych известен во всем мире. Часто лучший способ определения крупного художественного движения, такого как Поп-арт , лучше всего сделать, глядя на примеры ключевых произведений и фигур, которые способствовали им.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в 1923 году и является мастером рисунка, который получил образование в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Он известен созданием огромных стилизованных репродукций комиксов с использованием точек, имитирующих плоские тона, используемые в коммерческой печати. Этот художник-новатор является ключевой фигурой Pop art наряду с Энди Уорхолом. Плачущая девушка (1963) — одна из самых известных его работ.

Сэр Питер Томас Блейк

Англичанин сэр Питер Томас Блейк, 1932 года рождения, учился в лучших художественных институтах Англии.Он создавал коллажи, сочетая изображения из поп-культуры и изобразительного искусства. Он наиболее известен тем, что стал соавтором обложки для альбома «Битлз» Sgt. Оркестр Клуба Одиноких Сердец Пеппера .

Джаспер Джонс

Джаспер Джонс — всемирно известный художник и гравер в стиле неодада. Его работа была сосредоточена на изображении обычных объектов, таких как флаги и карты, и помогла создать переход от абстрактного экспрессионизма к поп-арту . Его самая известная работа — энкаустическая картина Flag (1954-1955).Он создал это произведение после того, как ему приснился сон, в котором он рисовал американский флаг.

Уэйн Тибо

Уэйн Тибо — американский художник и гравер, которого часто сравнивают с Эдвардом Хоппером. Он наиболее известен своими натюрмортами с предметами повседневного обихода, такими как еда и косметика. Некоторые историки искусства классифицируют его как Pop Artist из-за банальности его темы, однако тот факт, что он рисовал из реальной жизни, а не из медиа-изображений, делает его технически неклассифицируемым как Pop Artist .Одна из его самых известных работ — Dark Cake , созданная в 1983 году.

Если вам понравилось узнавать о Pop art , не стесняйтесь просматривать веб-сайт Artalistic. Мы являемся одной из ведущих мировых онлайн-площадок для покупки и продажи современного искусства. У нас есть обширная и тщательно подобранная коллекция картин, скульптур, фотографий и рисунков известных и начинающих художников.

10 фактов о поп-арте Лихтенштейна

Немногие художники имеют постоянное влияние Роя Лихтенштейна.Сначала он прославился репродукциями панно из комиксов, но именно его способность заниматься современной культурой и предметами сделало его настоящим поп-артистом. Вот 10 вещей, которые нужно знать о картинах Лихтенштейна в стиле поп-арт, от культовых до интроспективных и экспериментальных.

Роя Лихтенштейна Whaam!

1. Первой картиной Лихтенштейна в стиле поп-арта была картина

Look Mickey в 1961 году

Look Mickey был первым произведением Лихтенштейна, вдохновленным комиксами, и подчеркивало стиль, которым он теперь так хорошо известен.Картина заимствована из книги « Потерянный и найденный Дональд Дак » 1960 года, принадлежащей одному из сыновей художника. Лихтенштейн первым создал свои культовые точки Бендея, проталкивая масляную краску через отверстия пластиковой щетки для ухода за собаками без щетины. В течение следующего года Лихтенштейн выпустил еще несколько произведений, вдохновленных персонажами комиксов, такими как Попай и Бак Роджерс.

2. Темы конфликта и войны доминировали во многих его картинах в стиле поп-арт 1960-х годов

Пожалуй, самая известная из работ Лихтенштейна, Whaam! Модель 1963 года была вдохновлена ​​комиксом 1962 года All American Men of War .«В то время меня интересовало все, что я мог использовать в качестве эмоционально сильного предмета — обычно любовь, война или что-то очень заряженное и эмоциональное», — пояснил художник. В то время война была очень реальной и серьезной угрозой — война во Вьетнаме нарастала, и Америка присоединилась к битве годом позже, — но мультяшный стиль Лихтенштейна сделал эту тему одновременно более острой и отстраненной для зрителя.

«» Роя Лихтенштейна «Мелодия преследует мои мечты»

3.Поп-арт Лихтенштейна обращен к романтическим бедам девушек 1960-х … и его самого

От тонущей девушки, которая предпочла бы утонуть, чем позвать Брэда на помощь влюбленным певцам и плачущим девушкам, многие из ранних картин Лихтенштейна исследовали борьбу женщин с мужчинами и любовь в массовой культуре, и все они характеризовались яркими крупными планами их обеспокоенных лиц.

Примерно в то же время, когда он писал эти работы, Лихтенштейн развелся со своей первой женой и направил свои разочарования в свое искусство.Как позже сказала в интервью его бывшая девушка Летти Эйзенхауэр, Лихтенштейн «был полон чувств, о которых ему было трудно говорить, и картины часто становились для них средством передвижения».

4.

Masterpiece отражает надежды Лихтенштейна на славу и признание

Masterpiece , написанное в 1962 году, воплотило в себе самые узнаваемые техники Лихтенштейна: точки Бендея, культурные отсылки, выразительные женские лица и пузыри с речью, которые указывают на то, что зритель попал прямо в середину действия.Ободрение спутницы: «Брэд, милый, эта картина — шедевр! Ой, скоро весь Нью-Йорк будет требовать твоей работы! » — был интерпретирован как собственное стремление Лихтенштейна к его искусству.

В 2017 году миллиардер, управляющий хедж-фондом Стив Коэн, купил Masterpiece за 165 миллионов долларов на частной продаже, что сделало его одним из 10 самых дорогих картин, когда-либо проданных в то время.

« Шедевр , Рой Лихтенштейн, 1962», достойно описания.CC BY 2.0

5. Самая дорогая картина в стиле поп-арт Лихтенштейна продана на аукционе за 95,4 миллиона долларов

Медсестра , 1964 года, навеяна панно из комиксов начала 1960-х. Но, как и во многих работах Лихтенштейна, изображение было изменено, чтобы создать больше драматизма. Когда картина была выставлена ​​на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в 2011 году, она установила новый рекорд аукциона для картины Лихтенштейна. По иронии судьбы, «Медсестра » была написана в том же году, когда журнал Life опубликовал статью, в которой задавался вопрос, был ли Лихтенштейн «Худшим художником в США».S? ’.

6. Лихтенштейн разрушил границу между высоким и низким искусством

Лихтенштейн ушел от предметов поп-культуры с середины 1960-х, и его работы начали критиковать тенденции в самом мире искусства. Его Brushstrokes были прямым комментарием к движению абстрактного экспрессионизма. Подобно многим поп-артистам, Лихтенштейн хотел разрушить различие между «высокопрофессиональным» искусством галерей и «низкопробными» формами искусства массового рынка — Brushstrokes удалось добиться этого, привлекая внимание к основному акту живописи. это подчеркнуло оба художественных направления.

7. Лихтенштейн воспроизводил другие произведения искусства на протяжении всей своей карьеры

Многие из самых известных картин Лихтенштейна 1960-х годов были вдохновлены комиксами, хотя он изменил важные детали. Но даже после того, как в 1970-х и 1980-х годах он отошел от комиксов, Лихтенштейн считал копирование других художников необходимой частью искусства. «Художники часто превращали работы других художников в свой собственный стиль», — сказал он, ссылаясь на свои интерпретации стогов сена и сюрреализма Моне.

«Натюрморт с портретом » Роя Лихтенштейна

8. Лихтенштейн использовал свой стиль комиксов для деконструкции исторических шедевров

Натюрморт с портретом из серии «Шесть натюрмортов» Лихтенштейна. Контрастные темы, часто встречающиеся в картинах европейских старых мастеров, такие как фрукты, кувшин и драпирующая ткань, с современными печатными знаками, такими как точки Бендея, и яркие, мультяшные цвета, а также его идеализированная героиня комиксов.

«Когда мы думаем о натюрмортах, мы думаем о картинах с определенной атмосферой или атмосферой.Мои натюрморты не обладают ни одним из этих качеств, в них просто есть изображения определенных вещей, которые есть в натюрмортах, таких как лимоны, грейпфруты и так далее », — сказал Лихтенштейн. «Это не должно иметь обычного значения натюрморта».

9. Поп-арт Лихтенштейна десятилетиями влияет на модельеров

В 1991 году Москино использовал картину Лихтенштейна Доброе утро… дорогая! на юбку и пиджак костюм. Вивьен Вествуд создала макияж, вдохновленный картиной Лихтенштейна Baked Potato .Рита Ора упомянула керамическую голову Лихтенштейна с синими и красными тенями Лихтенштейна в своей коллекции 2015 года для Adidas Originals.

«Обнаженная мысль» Роя Лихтенштейна «Обнаженная мысль»

10. Лихтенштейн вернулся к комиксам в своей последней серии

В сериале «Обнаженные» Лихтенштейна 1990-х годов он вернулся к идеализированным женщинам, которыми были наполнены его ранние работы. В отличие от своих героинь поп-арта 1960-х годов, взятых из недавно изданных комиксов, Обнаженная была художником, который оглядывался на эти комиксы три десятилетия спустя.Менялась и техника: когда-то однородные точки Бендая Лихтенштейна имели гораздо больше вариаций, с акцентом на тени и глубину. Последняя картина Лихтенштейна «Интерьер с обнаженной натурой », сочетающая в себе все ключевые сюжеты и стили Лихтенштейна, стала идеальным завершением его карьеры.

Просмотрите гравюры Лихтенштейна для продажи или свяжитесь с нами, чтобы продать гравюры Лихтенштейна.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Авторское право © 2021 Es picture - Картинки
top