Замкнутая и открытая композиция: Открытый урок с подробным объяснением Открытая и закрытая композиция

Содержание

.: Типы композиции

ЗАМКНУТАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Изображение с замкнутой композицией вписывается в раму таким образом, чтобы оно не стремилось к краям, а как бы замыкалось само на себя. Взгляд зрителя переходит от фокуса композиции к периферийным элементам, возвращает ся через другие периферийные элемен ты опять к фокусу, то есть стремится с любого места композиции к ее центру.

Отличительной чертой замкнутой композиции является наличие полей. В этом случае це лостность изображения проявляется в буквальном смысле — на каком-либо фоне компози ционное пятно имеет четкие границы, все композиционные элементы тесно связаны между собой, пластически компактны.

ОТКРЫТАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Заполненность изобразительного пространства при открытой композиции может быть двоякой. Или это уходящие за пределы рамы детали, которые легко представить вне картины, или это большое открытое пространство, в которое погружается фокус композиции, дающий начало развитию, движению соподчиненных элементов.

В таком случае отсутствует затягивание взгляда к центру композиции — наоборот, взгляд свободно уходит за пределы картины с некоторым домысливанием не изображенной части. Открытая композиция центробежна, она тяготеет к поступательному движению или к скольжению по спирально расширяющейся траектории. Она может быть весьма сложной, но всегда в конечном итоге уходящей от центра. Нередко и сам центр композиции отсутствует, вернее, композиция складывается из множества равноправных мини-центров, заполняющих поле изображения.

СИММЕТРИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Основная черта
симметричной композиции — равновесие. Оно настолько крепко держит изображение, что является по совместительству и базой целостности. Симметрия отвечает одному из самых глубоких законов природы — стремлению к устойчивости. Строить симметричное изображение легко, достаточно только определить границы изображения и ось симметрии, затем повторить рисунок в зеркальном отражении. Симметрия гармонична, но если всякое изображение делать симметричным, то через некоторое время мы будем окружены благополучными, но однообразными произведениями.

Художественное творчество настолько далеко выходит за рамки геометрической правильности, что во многих случаях надо сознательно нарушать симметрию в композиции, иначе трудно передать движение, изменение, противоречие. В то же время симметрия, как алгебра, поверяю щая гармонию, всегда будет судьей, напоминанием об изначальном порядке, равновесии.

АСИММЕТРИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Асимметричные композиции не содержат оси или точки симметрии, формотворчество в них свободнее, однако нельзя думать, что асимметричность снимает проблему уравновешенности. Наоборот, именно в асимметричных композициях авторы уделяют особое внимание уравновешенности как непременному условию грамотного построения картины.

СТАТИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Устойчивые, неподвижные, часто симметрично уравновешенные, композиции этого типа спокойны, молчаливы, вызывают впечатление самоутверждения, несут в себе не иллюстративное описание, не событие, а глубину, философию.

ДИНАМИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Внешне неустойчивый, склонный к движению, асимметрии, открытости, этот тип композиции прекрасно отражает наше время с его культом скорости, напора, калейдоскопичности жизни, жаждой новизны, со стремительностью моды, с клиповым мышлением.

Динамика часто исключает величавость, основательность, классическую завершенность; но будет большой ошибкой считать простую небрежность в работе динамикой, это совершенно неравнозначные понятия. Динамичные композиции сложнее и индивидуальнее, поэтому требуют тщательного продумывания и виртуозного исполнения.

Если вышеуказанные три пары композиций сопоставить друг с другом и попытаться найти взаимосвязь между ними, то с небольшой натяжкой мы должны признать, что первые по счету типы: в каждой паре — одно семейство, а вторые — другое семейство. Иначе говоря, Асимметричные композиции почти всегда бывают симметричными и часто замкнутыми, а динамичные — асимметричными и открытыми. Но так бывает не всегда, жесткой классификационной связи между парами не просматривается, более того, определяя композиции по другим исходным критериям, приходится создавать еще один ряд, который для удобства будем называть уже не типами, а формами композиции, где определяющую роль играет внешний вид работы.

Замкнутая композиция
Замкнутая композиция характеризуется тем, что изображение вписывается в формат таким образом, что оно замыкается само в себе, а не стремится к краям. Композиция построена так, что взгляд зрителя переходит от фокуса композиции к периферийным элементам и от периферийных элементов обратно к фокусу. Отличительной чертой замкнутой композиции является наличие полей, в этом случае целостность изображения проявляется наиболее активно.

Открытая композиция
Для открытой композиции характерно поступательное движение или скольжение по спирально расширяющейся траектории. Как правило, внимание в конечном итоге уходит от центра. Такая композиция может быть достаточно сложной, имеющей не один центр, а несколько мини-центров, заполняющих поле изображения.

Симметричная композиция
Основная черта симметричной композиции – равновесие. В такой композиции присутствует ось симметрии, относительно которой строится зеркальное изображение. Но в то же время такие композиции достаточно однообразны и в них отсутствует движение, изменение, противоречие.

Ассиметричная композиция
Ассиметричная композиция не содержит оси или точки симметрии. Особое внимание в таких композициях стоит уделять уравновешенности элементов, как непременному условию грамотного построения композиции.

Статичная композиция
Статичные композиции часто устойчивы и неподвижны. Композиции этого типа бывают симметрично уравновешенны, спокойны, вызывают впечатление самоутверждения. Они несут в себе не иллюстративное описание, а глубину, философию.

Динамичные композиции
Динамичные композиции склонны к движению, ассиметричны. Динамика часто исключает величавость, основательность, классическую завершённость, но не стоит путать эти понятия с небрежностью. Такие композиции сложнее и индивидуальнее, требуют тщательного продумывания и хорошего исполнения.

Если сопоставить все вышеперечисленные композиции, то можно заметить, что статичные композиции почти всегда бывают симметричными и часто замкнутыми, а динамичные – ассиметричными и открытыми.

Основы композиции в дизайне

Мы подготовили для вас статью об основах композиции в дизайне.

Что такое композиция?

В любом виде искусства ключевую роль играет правильное расположение элементов произведения, позволяющее наиболее точно передать идею этого произведения. То есть выделить ключевые сюжетные линии, передать необходимое настроение и соблюсти при этом гармонию. Композиция (от латинского compositio) и является соединением (сочетанием) этих элементов в единое целое.

Геометрический и композиционный центр.

Мы строим композицию на плоскости. Будь то фотография, лист бумаги или монитор компьютера. Если через эту плоскость провести две диагональные линии, точка их пересечения укажет на геометрический центр нашей будущей композиции. Любой предмет, вписанный в этот центр, будет чувствовать себя вполне уверенно.

(совпадение геометрического и композиционного центров)

Композиционный центр служит для фокусировки внимания зрителя на деталях композиции.

В фотографии, живописи и рисунке, как правило, выделяются сюжетно-композиционные центры. То есть, в композиционном центре находится основной сюжет произведения.

Композиционный центр и геометрический центр композиции могут не совпадать.
Композиционных центров в композиции может быть несколько, в то время, как геометрический центр один.

Композиционный центр может быть выделен:
— контрастом света и тени
— контрастом цвета
— размером
— формой

Основные понятия и правила композиции.

Диагональные линии в композиции:

График на рисунке слева означает рост. График на рисунке справа означает падение. Так уж сложилось. И, соответственно, в композиции диагональная линия, проведенная от левого нижнего угла к правому верхнему воспринимается лучше, чем линия, проведенная от левого верхнего угла к правому нижнему.

Замкнутая и открытая композиция:

В замкнутой композиции основные направления линий стремятся к центру. Такая композиция подойдет для передачи чего-то устойчивого, неподвижного.
Элементы в ней не стремятся за рамки плоскости, а как бы замыкаются в центре композиции. А взгляд с любой точки композиции стремиться к этому центру. Для ее достижения можно использовать компактное расположение элементов в центре композиции, обрамление. Расположение элементов таким образом, чтобы все они указывали на центр композиции.

Открытая композиция, в которой направления линий исходят от центра, дает нам возможность продолжить мысленно картину и увести ее за рамки плоскости. Она подходит для передачи открытого пространства, движения.

Правило золотого сечения:

Гармония — это слаженность. Единое целое, в котором все элементы дополняют друг друга. Некий единый механизм.
Нет ничего более гармоничного, чем сама природа. Поэтому и понимание гармонии приходит к нам от нее. А в природе огромное количество зрительных образов подчиняется двум правилам: симметрии и правилу золотого сечения.

Что такое симметрия понятно. А что такое золотое сечение?

Золотое сечение можно получить, если разделить отрезок на две неравные части таким образом, чтобы отношение всего отрезка к большей части равнялось отношению большей части отрезка к меньшей. Это выглядит так:

Части этого отрезка примерно равны 5/8 и 3/8 от всего отрезка. То есть, по правилу золотого сечения зрительные центры в изображении будут располагаться так:

Правило трех третей:

В этом рисунке не соблюдено правило золотого сечения, но создается ощущение гармонии. Если разделить плоскость, на которой находятся наши геометрические фигуры на девять равных частей, мы увидим, что элементы расположены на точках пересечения разделяющих линий, а горизонтальная полоса совпадает с нижней разделительной линией. В этом случае действует правило трех третей. Это упрощенный вариант правила золотого сечения.

Динамика и статика в изображении, движение, ритм.

Динамичная композиция — композиция, при которой создается впечатление движения и внутренней динамики.

Статичная композиция (статика в композиции) — создает впечатление неподвижности.

Изображение слева выглядит статичным. На картинке справа создается иллюзия движения. Почему? Потому что мы прекрасно знаем из своего опыта, что будет с круглым предметом, если наклонить поверхность, на которой он находится. И воспринимаем этот предмет даже на картинке движущимся.

Таким образом, для передачи движения в композиции можно использовать диагональные линии.

Так же можно передать движение, оставив свободное пространство перед движущимся объектом, чтобы наше воображение могло продолжить это движение.

Статика в композиции достигается отсутствием диагональных линий, свободного места перед объектом и наличием вертикальных линий.

Ритм — один из ключевых моментов в искусстве. Он может сделать композицию спокойной или нервной, агрессивной или умиротворяющей. Ритм обусловлен повторением.

Ритм в изобразительном искусстве может создаваться повторением цвета, объектов, пятен света и тени.

Симметрия и асимметрия в композиции, достижение равновесия.

Симметрия:

В природе большое количество зрительных образов подчиняется закону симметрии. Именно поэтому симметрия легко воспринимается нами и в композиции. В изобразительном искусстве симметрия достигается таким расположением объектов, что одна часть композиции, как будто являются зеркальным отражением другой. Ось симметрии проходит через геометрический центр. Симметричная композиция служит для передачи покоя, устойчивости, надежности, иногда, величества. Однако создавать изображение абсолютно симметричным не стоит. Ведь в природе не бывает ничего идеального.

Симметрия — это самый простой способ добиться равновесия в композиции. Однако, не единственный.

Асимметрия, достижение равновесия:

Чтобы понять, что такое равновесие можно представить механические весы.

В данном случае работает закон симметрии. Слева и справа на весах на одинаковом расстоянии симметрично расположены два предмета одинаковой формы и размера. Они создают равновесие.

Асимметрия нарушит это равновесие. И если один из объектов будет больше, то он по-просту перевесит меньший.

Однако возможно уравновесить эти объекты, добавив в композицию что-нибудь, в качестве противовеса. Асимметрия при этом сохранится:

Так же добиться равновесия при асимметрии можно будет, перевесив больший предмет ближе к центру:

Достижение равновесия является одним из самых значимых этапов при построении ассиметричной композиции. Равновесие может достигаться противопоставлением размеров, форм пятен цвета и тени.

Заключение.

Правила композиции не являются обязательными для соблюдения. Даже наоборот. Некоторые правила противоречат один другому. Однако, прежде чем нарушать какое-либо правило, его надо знать и уметь им пользоваться. Помните, если Вы нарушаете правила, Вы должны четко осознавать, ДЛЯ ЧЕГО Вы это делаете.

Ссылка на источник

Г.Вельфлин. Основные понятия: Замкнутая и Открытая форма

Третья пара понятий: развитие от изображения замкнутой формы к открытой: Классицизму присущи замкнутые формы изображения, Барокко – открытые формы изображения.

Г.Вельфлин представляет, что каждое художественное произведение оформлено и представляет собой организм, должно быть замкнутым целым, и нужно считать недостатком, если оно не ограничено самим собой. Существеннейшим признаком произведения является присущий ему характер необходимости: в нем ничто не может быть изменено или смещено, но все должно быть таким, как оно есть. Однако толкование этого требования было столь различным в XVI и XVII столетиях, что по сравнению с распущенной формой Барокко классическую слаженность можно справедливо считать искусством замкнутой формы. Ослабление суровых правил, смягчение тектонической строгости — означает не просто увеличение привлекательности, но является последовательно проведенной новой манерой изображения; вот почему и этот мотив, по мнению Г.Вельфлина, должен быть отнесен к основным формам изображения.

«Замкнутым» по Вельфлину называется изображение, которое с помощью большего или меньшего количества тектонических средств превращает картину в явление, ограниченное в себе самом, во всех своих частях ограниченное в себе самом, во всех своих частях объясняющееся собою самим, тогда как стиль открытой формы, наоборот, всюду выводит глаз за пределы картины, желает показаться безграничности, хотя в нем всегда содержится скрытое ограничение, которое одно только и обуславливает смысл замкнутости(законченности) в эстетическом смысле.

При попытке осмыслить понятие замкнутой формы, мы вправе принимать в расчет не только высшие достижения строгой закрытой формы, вроде Афинской школы (1) или Сикстинской Мадонны (2) Рафаэля.

Не следует забывать, что такие композиции и в пределах своей эпохи представляют исключительно строгий тектонический тип, и что наряду с ними всегда существует более свободная форма, без геометрического остова, которая с таким же правом может рассматриваться как «замкнутая форма»; примерами могут служить Чудесный Улов Рафаэля (3) или Рождество Марии Андреа дель Сарто (4) во Флоренции. 3. 4.

Свойство, присущее всем картинам XVI века: вертикальное и горизонтальное направления на них не только имеют место, но им принадлежит господствующая роль. XVII век избегает отчетливо выражать эти элементарные противоположности. Они теряют тектоническую силу даже в тех случаях, когда фактически проступают во всей своей чистоте. Части картины располагаются в XVI веке около средней оси или же, где ее нет, таким образом, чтобы между половинами картины существовало совершенное равновесие, которое хотя и не всегда поддается точному определению, все же очень явственно чувствуется при сопоставлении с более свободным распределением частей на картинах XVII века. Что же касается проведения средней оси, то изобразительное искусство барокко питает к ней самое решительное отвращение. Чистая симметрия исчезает или же делается незаметной при помощи всякого рода нарушений равновесия. При заполнении картины для XVI века было естественно придерживаться данной плоскости. Содержание распределяется в пределах площади картины таким образом, что кажется, будто оно определено ею. В XVII веке заполнение отрешается от рамы. Делается все для того, чтобы избежать впечатления, будто данная композиция придумана специально для данной плоскости. Хотя скрытое соответствие, естественно, продолжает давать себя знать, целое все больше стремится к тому, чтобы выглядеть как случайный отрезок видимого мира.

В конечном же итоге все явственнее обнаруживается тенденция к тому, чтобы картина перестала выглядеть как самодовлеющий кусочек мира, но казалась преходящим зрелищем, которое радует зрителя именно тем, что приобщает его к жизни мгновения.

Элементы изображения закрытой и открытой формы:

1. Классическое искусство есть искусство отчетливо выраженных горизонталей и вертикалей. Наглядность этих моментов доводится в искусстве до высшей ясности и остроты. Идет ли речь о портрете или о фигуре, о жанровой сцене или о пейзаже, в картине всегда господствует противоположность отвесных и горизонтальных направлений. Барокко склонен если и не вовсе вытеснить названные моменты, то все же затушевать их противоположность. Нельзя утверждать, будто классическое искусство пользуется исключительно отвесными и горизонтальными направлениями в их чистом виде, но они предполагаются всегда и служат для чувства нормой. Изменение геометрии, конечно, меняет явление во всех отношениях. Для классического Грюневальда (5) световой ореол, окружающий воскресающего Христа, само собой разумеется, был кругом, Рембрандт (6) же, при аналогичном намерении создать впечатление торжественности, не мог бы пользоваться этой формой. 5. 6.

2. Симметрия и в XVI веке не была всеобщей композиционной формой, однако к ней прибегали очень часто, ее всегда заменяет ясно выраженное равновесие половин картины. XVII век превратил это устойчивое отношение равновесия в отношение неустойчивое, половины картины утрачивают сходство. Где речь идет о симметрии, там имеют в виду прежде всего торжественность впечатления; к симметрии стремятся при всякой попытке дать более монументальную композицию, для будничного же настроения она нежелательна. XVI век решался подчинять симметрии даже сцену свободного движения, не опасаясь произвести впечатление мертвенности; XVII век дает симметрическое расположение, лишь когда оно реально налично. Важно, однако, что и в этом случае картина все равно остается атектонической.

Как резко восстает дух времени против чистой симметричности, очень хорошо можно видеть на добавлениях к картинам уравновешенного стиля, которые любил давать Барокко для сообщения этим картинам большей жизненности. Барокко же сознательно подчеркивает одну сторону и создает таким образом отношение неустойчивого равновесия, — совершенная неуравновешенность недопустима в искусстве. Сравните двойные портреты у Ван-Дейка (7) с аналогичными картинами Голь-бейна (8) или Рафаэля (9). Равноценность обеих фигур всегда устранена, часто с помощью еле ощутимых средств. Всякое пространственное направление сопровождается в XVI веке другим — уравновешивающим — направлением, всякое световое пятно, всякая краска дополняются соответствующими противоположностями. Барокко предпочитает преобладание одного какого-нибудь направления. А краска и свет распределяется им таким образом, что в результате создается впечатление не насыщенности, а напряжения.
7.
8. 9.

Классическую картину можно узнать издали по равномерному распределению на плоскости световых пятен, по тому, например, как освещение головы на портрете уравновешивается освещением руки. У Барокко расчет другой. Не вызывая впечатления расстройства, он освещает одну лишь сторону картины, внося в нее таким образом живое напряжение. Различные способы насыщенного распределения света и тени кажутся в эпоху Барокко чем то мертвым. Картина спокойно текущей реки с видом Дордрехта фан Гойена (10), где наиболее ярко освещен самый край, содержит такое распределение света, которое было недоступно XVI веку даже в тех случаях, когда он пытался выразить крайнее возбуждение. 10.

Примерами нарушенного равновесия колорита могут служить хотя бы Андромеда Рубенса (11), где сверкающая масса кармина—сброшенный плащ—асимметрично подчеркнута в нижнем правом углу, или Купающаяся Сусанна Рембрандта (12) с издали бросающимся в глаза вишневым платьем, у самого края картины направо: эксцентрическое распределение колорита здесь можно почти осязать.

11. 12.

3. В тектоническом стиле заполнение картины определяется ее площадью, в атектоническом — отношение между площадью и заполнением кажется случайным.

Какова бы ни была площадь картины: прямоугольная или круглая, — в классическую эпоху всегда руководились правилом делать данные условия законом для собственной воли, т. е. придавать целому такой вид, как если бы данное заполнение существовало именно для данной рамы, и наоборот. Параллельные линии способствуют впечатлению законченности и прикрепляют фигуры к краям. Напротив, даже столь тщательно построенные пейзажи Рейсдаля (13) определяются главным образом стремлением освободить картину от власти рамы: она не должна выглядеть так, точно она получает свой закон от рамы, или как утратила соприкосновение с линиями рамы Дорога в Миддель Гарнис Гоббемы (14). 13.
14.

С проблемой признания или отрицания рамы связывается, далее, другая проблема: умещается ли мотив целиком в пределах рамы или же, напротив, пересекается ею. Барокко избегает слишком явных совпадений между площадью картины и вещью. И классическое искусство, конечно, не обходилось без пересечения краев изображаемого, но все же классическая картина производит целостное впечатление, потому что она дает зрителю ответ на все существенное, и пересечения касаются лишь предметов, лишенных какого бы то ни было ударения. Позднейшие художники стремятся создать иллюзию насильственного пересечения, но в действительности и они не жертвуют ничем существенным (в противном случае картина всегда производила бы неприятное впечатление.

4. Если на Тайной Вечере Лионардо (15) Христос восседает в качестве подчеркнутой центральной фигуры между симметрично расположенными боковыми группами, то это пример тектоничного распределения, о котором была уже речь выше. 15.

Но иным и новым является то обстоятельство, что этот Христос одновременно согласован с изображенными на картине архитектурными формами: он не только сидит посредине комнаты, но его фигура точно совпадает со светлым пятном центральной двери; от этого впечатление усиливается: Христос предстоит нам как бы в ореоле. Важно то, что такая диспозиция вообще была возможной, тогда как позже она больше невозможна. Доказательством служит Рубенс (16), он отодвигает важнейшие фигуры в сторону, и такое расхождение осей ощущается теперь не как нарушение строгой формы, как в XVI веке, но просто как нечто естественное. 16.

5. Резюмирующим понятием тектонического стиля следует считать планомерность, которая лишь отчасти сводится к геометрической правильности; скорее можно сказать, что она создает впечатление общей закономерной связанности, отчетливо выраженной освещением, манерой проведения линий, перспективой и т. д. Атектонический стиль не есть нечто свободное от всяких правил, но порядок, лежащий в его основе, кажется настолько чуждым строгости, что с полным правом можно говорить о противоположности закона и свободы.

Пространственность классического искусства, как мы знаем, носит ступенчатый характер, причем эта ступенчатость закономерна. Напротив, мотив вроде изображения переднего плана в крупных размерах стал возможным только потому, что художники перестали видеть красоту в равномерности, но зато приобрели способность наслаждаться прелестью причудливого ритма. Разумеется, и в этом случае соблюдается известная правильность, т. е. в основе построения картины лежит известный закон, но он не бросается в глаза, и поэтому порядок на картине кажется свободным. Стиль замкнутой формы есть архитектурный стиль. Он строит, как строит природа, и ищет в природе то, что ему родственно. Влечение к изначальным направлениям: вертикальному и горизонтальному, связывается с потребностью в границе, порядке, законе. Никогда симметрия человеческой фигуры не чувствовалась сильнее, никогда противоположность горизонтальных и вертикальных направлений и законченная пропорциональность не ощущались острее, чем тогда. Всюду классический стиль стремится изобразить незыблемые, пребывающие элементы формы. Природа есть космос, а красота — открывшийся взору художника закон. Для атектонического стиля интерес к архитектурности и внутренней замкнутости отступает на второй план. Картина перестает быть архитектурой. В изображении фигуры архитектонические моменты играют второстепенную роль. Самым существенным в форме является не схема, но дыхание, расплавляющее окаменелость и сообщающее всей картине движение. Классический стиль создает ценности бытия, барокко — ценности изменения. Там красота заключена в ограниченном, здесь — в безграничном. Различное миросозерцание! Классика демонстрирует нам крепкую слаженность рисунка в портретах классических художников, как явление новое. Четко намеченное противопоставление определяющих форм, вертикальная установка головы, привлечение подчеркивающих тектоничность сопровождающих форм, вроде симметричных деревец, — все действует в одном и том же смысле. Автопортрет Дюрера (17) является, в качестве такой чисто фронтальной картины, выражением credo не только личности художника, но всего тектонического искусства. 17.

Однако исключение вертикальности дело невозможное. И в Барокко люди на картинах «стоят прямо». Но замечательно: вертикальное направление утратило свое тектоническое значение. Как бы ясно оно ни проступало, его согласованность с системой целого исчезает. Сравним бюст Красавицы Тициана (18) с Луиджией Тассис Ван-Дейка (19): у Тициана фигура живет в рамках тектонического целого, от которого она заимствует силу, и которое; в свою очередь, сама усиливает, у Ван-Дейка фигура отрешена от тектонической основы. В первом случае фигура содержит в себе нечто фиксированное, во втором — она движется. 18.
19.

Когда Терборх (20) изображает свои стоящие в пустых помещениях одинокие фигуры, то кажется, что связь между осью фигуры и осью картины совершенно утрачена. 20.

В трактовке нагой фигуры ни одна нация не применяла тектонического стиля с такой убедительностью, как итальянцы (Бресчиано, Венера и купидоны 21). 21.

Здесь мы в праве сказать, что стиль вырос из созерцания тела, и царственному строению человеческого тела вообще. Этого убеждения держишься до тех пор, пока не увидишь, во что обратили человеческое тело художники типа Рубенса (11) или Рембрандта (12) с их иною формою видения.

История тектонического стиля не может быть написана без учета национальных и местных различий. Как уже сказано, север всегда ощущал атектоничнее, чем Италия. На севере всегда казалось, что геометрия и «правила» убивают жизнь. Северная красота не есть красота в себе замкнутого и ограниченного, а красота безграничного и бесконечного.

ОТКРЫТАЯ И ЗАКРЫТАЯ КОМПОЗИЦИЯ. Фотосъемка. Универсальный самоучитель

Открытая композиция

Дом Открытая композиция

просмотров — 181

Замкнутая композиция

Типы композиций по расположению изобразительного материала

Замкнутая композиция отгорожена от внешнего мира многочисленными рамочками, центростремительностью. Она сворачивается, как улитка, и не выпускает наружу ничего. Полная изоляция. Она сама по себе, она самодостаточна, и ничто вокруг ее не интересует. У такой композиции может быть только внутренняя динамика. Никаких развивающихся силовых линий, вся динамика замкнута на себя. Символ инь и янь — идеальная замкнутая композиция. (рис.10а, 10б.)

(рис.10а) (рис. 10б.)

Открытая композиция центробежна, она тяготеет к поступательному движению или к скольжению по спирально расширяющейся траектории. Она может быть весьма сложной, но всегда в конечном итоге уходящей от центра. Нередко и сам центр композиции отсутствует, вернее, композиция складывается из множества равноправных мини-центров, заполняющих поле изображения.

Заполненность изобразительного пространства при открытой композиции может быть двоякой. Или это уходящие за пределы рамы детали, которые легко представить вне картины, или это большое открытое пространство, в ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ погружается фокус композиции, дающий начало развитию, движению соподчиненных элементов. В таком случае отсутствует затягивание взгляда к центру композиции — наоборот, взгляд свободно уходит за пределы картины с некоторым домысливанием не изображенной части.(рис.11а, 11б, 11в)

(рис.11а) (рис.11б) (рис.11в)

Основные принципы построения композиции | Полиграф-Сити

1. Существуют два типа композиции — замкнутая и открытая. Для передачи идеи неподвижности, устойчивости больше всего подходит замкнутая (закрытая, статичная) композиция. Для нее характерны устремленные к центру основные направления линий, построение по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии. Признак замкнутой композиции — четкий внешний контур, нарастание сложности к центру.
Ощущение простора передается открытой композицией. Основные направления линий — от центра. Как правило, строится несколько композиционных узлов, используется ритм. Ниже приведены примеры замкнутой и открытой композиций.
2. Для передачи движения (динамики) используются:
— диагональные линии;
— свободное пространство перед движущимся объектом;
— момент кульминации движения.
3. Условия для выражения покоя (статики):
— нет — диагоналей;
— нет свободного пространства;
— статичные позы;
— симметрия, уравновешенность;
— вся композиция вписана в простую геометрическую форму (треугольник, квадрат, овал).
4. Характерные элементы композиции объединяются по однородным признакам, форме, цвету, текстуре, фактуре.
5. Построение всей композиции на контрастах создает напряжение: так, изделиям из керамики противопоставляются хрустальные сосуды; бабочки выглядят особенно яркими и живыми на фоне белых рулонов и листов бумаги.
6. Необходимо соблюдать ограничения (не больше трех-четырех) в материале, деталях, цвете, форме. Избегайте пестроты и дробности, так как это создает нежелательное ощущение беспокойства и тревоги.
Пестрые, перенасыщенные изображением композиции утомляют, вызывают отрицательные эмоции.
7. Если в композиции много элементов, их располагают группами по два-три. Для изображения событий, равных по своей значимости, используют несколько композиционных центров.
8. Следует обеспечить свободное пространство между группами, чтобы не «потерялись» отдельные части композиции.
9. Особо подчеркивается субординация (соподчинение) между группами. Наиболее значимые элементы выделяют размещением, размером, цветом так, чтобы направить взгляд человека сначала на них, а затем — не менее важные детали.
10. В соответствии с правилом золотого сечения, наиболее значимый элемент или группу элементов располагают примерно на расстоянии 1/3 от края композиции.
11. Объемность, глубина изображения достигаются с помощью цвета, размеров, динамики формы, перспективы, теней.
12. Необходимо соблюдать оптическое равновесие за счет правильного размещения крупных, тяжелых, темных форм относительно малых, легких, светлых.

Эксперимент — залог успеха в творчестве. Создав композицию, не останавливайтесь на достигнутом, попробуйте что-либо изменить. Ставьте задачу нахождения взаимосвязи частей композиции. Убедитесь, что:
• ни одна часть композиции не может быть изъята или заменена без ущерба для целого;
• части композиции нельзя поменять местами без ущерба для целого;
• ни один новый элемент нельзя присоединить без ущерба для целого.

Некоторые композиционные приемы

Совсем необязательно строить многоэлементную композицию — можно использовать минимум деталей, и чем их меньше, тем сильнее должна быть их характерность, типичность.

Можно выразить тему через отдельные характерные ассоциации с помощью предметов или комбинаций предметов, способных эти ассоциации вызвать. Например, изображение корабля, самолета связано в сознании с путешествиями, чаша со змеей ассоциируется с медициной, гусиное перо с поэзией и т.д.

Художник различным образом может использовать сочетания форм. В композиции нет упорядоченности, но вот введено черное пятно — и появляется устойчивость, в изображении прослеживается диагональ, которая в данном случае является стержнем композиции (активная диагональ золотого прямоугольника).

Правильное построение композиции усиливает впечатление динамики: сравните предлагаемые примеры. Когда перед автомобилем или фигурой бегущего человека оставлено свободное место (пространство), компоновка смотрится лучше.

Ощущение динамики может вызвать и форма объекта.
Выразительные образы реальных объектов можно создавать композицией абстрактных геометрических форм.
Выразительность образа усиливается за счет преднамеренного искажения, трансформации формы.
Интересный результат получается при совмещении в композиции объектов, характерных для разного времени.

Композиционное сочетание реальных объектов и непредметных форм приводит к неожиданно привлекательным результатам.

Не бойтесь неожиданных контрастов. Они придают композиции особую выразительность.
В монохромной композиции смелее экспериментируйте с тоном. Кроме черного и белого цветов можно широко использовать промежуточный, серый, тем более что он до бесконечности разнообразен.

Цвет делает изображение богаче, усложняет его структуру модуляциями теплых и холодных тонов, с помощью которых хорошо передается гармоничный контраст. В рекламном искусстве применяется также метод сознательного отказа от гармоничных сочетаний, что обусловлено назначением рекламы: привлекать зрителя. Например, сочетают три цвета: желтый, черный, красный, которые гармоничными (по правилам колориметрических кругов) назвать нельзя.

Цветовой и пластической гармонии вещественной среды нельзя достичь, не учитывая физических свойств поверхности: фактуры (внешние свойства: гладкая, шероховатая, зеркальная поверхность) и текстуры (внутренняя структура: дерево, металл, стекло, ткань). Теория художественного конструирования знакомит с приемами имитации природных материалов с характерным декоративным рисунком фактуры. Компьютер избавит вас от этой рутинной работы. Библиотеки графических изображений фактур позволяют выбрать нужную, изменить в случае необходимости цвет, масштаб и четкость рисунка в зависимости от требований создаваемой композиции.

Часто в качестве декоративного элемента используется орнамент — особый вид композиции, состоящий из ритмически упорядоченных элементов. Орнаментальное украшение — самое простое художественное построение, которое тоже подчиняется законам композиции.

Подведем итог. Композиция произведения — показатель художественной культуры дизайнера, чувства меры и стиля. Следуя всем правилам и примерам композиции, нельзя, тем не менее, терять непосредственности, свежести подхода к работе. «Самые неожиданные по новизне композиции, самые экспрессивные углы и точки зрения рассыпаны в живых картинах жизни в щедром изобилии» (К. Ю. Юон).

та художница: открытая и закрытая композиция

Прежде чем объявить победителя розыгрыша, я подумал, что немного расскажу о композиции. Сейчас в композиции много элементов (симметрия / асимметрия, баланс, гармония и т. Д.), Но я просто хочу сосредоточиться на открытых и закрытых , базовом понимании, которому я пытаюсь научить детей.

Вот и груши. Прекрасный сюжет для Fall, и эта аранжировка — композиция CLOSED . Почему закрыто, акцент делается именно на этих 3 грушах.Замкнутая композиция имеет тенденцию быть статичной, заставляя зрителя сосредоточиться на предмете в пределах границ. Замкнутой композицией считаются многие натюрморты и портреты.

Теперь давайте посмотрим на это расположение. Это композиция OPEN . Части груш выходят за пределы картинки, и вы можете представить их за гранью. Часто многие пейзажи представляют собой очень открытые композиции.

Теперь может иногда сбивать с толку , когда вы смотрите на картину / изображение, которое считается закрытой композицией, но фон открыт. Я говорю детям сосредоточиться на том, что происходит на переднем плане .

Вот хороший пример того, о чем я говорю. Это состав , закрытый . Фактически, кормушка определяет границы того, куда вы должны смотреть, но фон может расширяться. А вот еще один пример композиции closed , «Мадонна на троне» Чимабуэ (1280) , снимок, который я сделал в Лувре в Париже. Это очень закрыто, граница / граница встроена прямо в него.Хотя эти ангелы находятся прямо по краям, их крылья нарисованы полностью, и они сами становятся границей, особенно если вы посмотрите на положение рук двух нижних ангелов, сосредоточив свое внимание на Мадонне и младенце Христе. Это хорошо для проверки вашего понимания! Вот пример композиции открытой композиции , фокус которой находится на этих семенах одуванчика с напечатанными на них пожеланиями, но вы можете представить, как многие из них сдуваются прямо со страницы и развеваются по ветру.

Вот хороший пример композиции open Эдгара Дега «Репетиция» около 1874 года . Вы можете представить себя в репетиционном зале, где танцоры танцуют повсюду вокруг вас, и ваш глаз пытается охватить их всех. Итак, вот хороший проект, который стоит попробовать с детьми. Попросите их составить как открытую, так и закрытую композицию одного и того же предмета и показать их вместе. Для закрытой композиции вы можете просто настроить натюрморт, но для открытой вам, возможно, придется заставить их просматривать его через старую циновку или раму.Вы также можете добавить компонент фотографии. Попросите их сфотографировать открытую композицию, а затем раскрасить вид.

В следующий раз, когда вы будете рассматривать произведение искусства или фотографию, спросите себя: «Это открытая или закрытая композиция?»

Переходим к результатам раздачи. Всего у меня 61 запись как из раздела комментариев, так и из электронной почты.

Используя Random. Org, получаем:

Вот ваши случайные числа:

Отметка времени: 2011-09-09 16:55:25 UTC

Итак, наш победитель (номер, присвоенный введенным временем):

Дейл Энн Поттер:

О, я бы ТАК ПОНРАВИЛ этот DVD — я поймал один из эпизодов на PBS и пожелал Я видел других.
СПАСИБО за эту возможность и за вашу ЗАМЕТНУЮ блог (который я обычно читаю через Google Reader)!

5 сентября 2011 г., 18:03

Я сразу же отправлю вам вашу новую серию DVD. Спасибо всем за участие, увидимся на следующей неделе.

СОСТАВИТЬ: Открытое и Закрытое

Композиция — это не только дизайн картины и не только предмет. Скорее речь идет о выборе: о том, как мы выбираем предмет, сколько из него мы выбираем, а затем как мы выражаем свой выбор в выбранном двумерном пространстве.

Иногда художники предпочитают заинтересовать зрителя, давая ограниченное количество подсказок о содержании своей работы, придавая произведению ощущение таинственности. Один из классических способов сделать это — это так называемая открытая композиция .

В то время как в закрытой композиции весь объект появляется в пределах краев картины, открытая композиция показывает только часть объекта. На языке фотографов изображение обрезано.

Посмотрите фото ниже:

Мы знаем, что это человек, но где она? На улице или глядя в открытое окно? Что она делает? Она смотрит на пейзаж? Ветер развевает ей волосы? Открытая композиция может вырезать любую информацию, позволяющую нам, зрителям, завершить рассказ или просто задать вопросы.

По-прежнему открытая композиция , этот выбор и размещение дают нам больше подсказок. Теперь мы знаем, что она на велосипеде, но едет она или отдыхает? Она в шортах, брюках или юбке? Она разворачивается или собирается врезаться в забор?

Здесь у нас есть немного больше информации — мы знаем, что она носит шорты, но мы все еще не видим все изображение. Мы до сих пор не знаем, едет ли она, отдыхает или собирается разбиться. Ее волосы говорят нам, что движение исходит откуда-то, но это от того, как она движется, или от ветра? Состав еще открыт.

Но на этой фотографии история завершена, давая нам закрытую композицию , где нам показано все изображение. Девушка едет на велосипеде и собирается свернуть с одной тропы на другую вдоль забора. Остается единственный вопрос: дует ли ветер или она быстро разворачивается.

Следует отметить, что закрытая композиция не привлекает нас так сильно, как открытая. Чтобы сделать этот выбор для картины, потребуется сделать дополнительный выбор, чтобы заинтересовать нашу аудиторию.

Художница двадцатого века Джорджия О’Киф часто использовала открытую композицию, приближаясь к центру вещей, чтобы найти свой объект. На первый взгляд мы видим абстрактный узор, но, присмотревшись, мы понимаем, что смотрим в центр цветка.

«Красная канна» Холст, масло Джорджия О’Киф 1887-1986

Но художник двадцатого века Эдвард Хоппер использует устройство по-другому.

Для удовольствия нашего воображения или для пространственного дизайна? А может, он нас дразнил.

Акварель «Два света» Эдвард Хоппер 1882-1967

Визуальный язык обращается к нашим чувствам, нашему интеллекту, нашей интуиции и нашим эмоциям. Использование открытого состава имеет хорошие шансы полностью задействовать все четыре.

__________________________________
Смотри мою последнюю картину в «Путешествии одного художника». Каждое воскресенье выкладывается новая картина.

Совет по композиции для фотографий

: Open Vs.Замкнутая композиция

Если у вас есть хоть какой-то опыт в фотографии, вы уже знаете, что на всех хороших фотографиях присутствуют некоторые важные элементы — цвет или контраст, освещение и, конечно же, композиция.

Композиция — это невероятно широкий термин, охватывающий множество практических правил фотографии: правило третей, золотое сечение, использование направляющих линий, наличие баланса или симметрии и многие другие.

Что касается этих «других» практических правил, открытые и закрытые композиции — эффективные способы создания вашего имиджа, но они не так широко известны.Давайте рассмотрим обе эти концепции более подробно.

Открытые композиции

Открытые композиции — это композиции, в которых все элементы изображения работают вместе, помогая направить взгляд из одного места в другое. В связи с этим для создания очень динамичной сцены часто используется использование линий, форм, текстур, цветов и т. Д. Кроме того, открытые композиции содержат сильные элементы, некоторые из которых могут быть фокусами, которые выходят за край кадра. Из-за этого эти элементы кажутся продолжающимися и продолжающимися, как поле ячменя на изображении выше, что придает открытость композиции.

В открытых композициях обычно отсутствует формальное обрамление, поскольку элементы изображения часто не ограничиваются рамками фотографии, как отмечалось выше. Этот тип композиции отлично подходит для создания ощущения динамизма и движения, даже если в кадре нет движущихся объектов. Это связано с тем, что глаз зрителя поощряется переходить от одной области изображения к другой, например, от области насыщенных цветов к области, которая включает интересную форму, к другой области, содержащей интересную текстуру, и так далее.

Пейзажная фотография, пожалуй, наиболее широко использует открытые композиции. При просмотре пейзажа глаз может свободно перемещаться по кадру и за его пределами, исследуя все различные аспекты сцены. Архитектурная фотография также выигрывает от открытых композиций. Обратите внимание на изображение выше, что глаз может свободно перемещаться от формы одного здания к другому, в то время как открытое небо над горизонтом города создает ощущение открытости, которая выходит далеко за пределы кадра.

Закрытые композиции

Изображение считается закрытым, если все основные элементы изображения содержатся в кадре. Выделяется основной объект, сразу привлекающий внимание зрителя. Во многих ситуациях объект располагается в середине кадра или рядом с ним либо по горизонтальной, либо по вертикальной оси, а иногда и по обеим сторонам. Все остальное в изображении направляет внимание зрителя на основной объект.По этой причине закрытые композиции, как правило, вызывают ощущение статичности, что контрастирует с более динамичным ощущением, создаваемым открытыми композициями. Все на своих местах, делает свое дело на благо основного субъекта.

Изображение выше — пример закрытой композиции. Обратите внимание, как женщина помещена в мертвую середину кадра, где она может легко привлечь внимание зрителей. Углы изображения закрыты кирпичными стенами по обе стороны от объекта, а это значит, что взору зрителя некуда блуждать.Более того, линии, созданные стенами, направляют взгляд на лицо женщины, еще больше усиливая замкнутость этой композиции.

Особенности замкнутой композиции позволяют одним типам фотографии лучше других. Естественно, что портретная съемка часто выигрывает от закрытых композиций, потому что цель состоит в том, чтобы выделить объект портрета. В некоторых случаях уличную фотографию и пейзажи также можно сделать более динамичными, используя закрытую композицию.Пейзаж выше, в котором природные элементы используются в качестве рамки внутри кадра, помогает создать замкнутую композицию, которая направляет взгляд на реку и вверх по течению по ее пути.

Хотя открытые и закрытые композиции выглядят по-разному, у них есть одна общая черта: они помогают создавать более интересные изображения. Попробуйте свои силы в использовании как открытых, так и закрытых композиций в своей работе и посмотрите, как удерживание взгляда зрителя в кадре и возможность блуждания взгляда вокруг кадра и за его пределы помогает изменить эффект снимаемых вами фотографий.

Состав №1: Открытый и закрытый состав

Здесь у нас есть довольно простой снимок бокала и бутылки вина, а также веб-сайт, на котором я его нашел. Этот кадр — хрестоматийный пример «закрытой» композиции. Почему? Потому что все изолировано внутри самого фрейма. Ничто не касается внешних границ и не выходит за их пределы. Никакая «окраска вне линий» на этом снимке и ничто из того, что мы видим, не выводит наш взгляд за пределы кадра. Все содержится, и все статично. Не то чтобы это плохо, заметьте, это просто ЕСТЬ.Закрытые композиции, как правило, статичны, хотя вы можете добавить размерности закрытой композиции, используя другие методы, такие как размытие движения. Но пока мы сохраняем простоту и говорим широко. В закрытой композиции объект часто располагается ближе к центру кадра.

Закрытые композиции будут более статичными благодаря тому, что все аккуратно заключено в рамку. Сила закрытой композиции часто проистекает из простоты.Простой может быть мощным, простой — информативным. В приведенном выше примере у нас есть два элемента, и, хотя у меня есть проблемы с размещением и результирующей «принудительной перспективой» (это либо одна крошечная бутылка вина, либо самый большой бокал, который я когда-либо видел), важно отметить здесь следующее: полное отсутствие чего-либо контекстного, кроме случайных отношений между бутылкой и стаканом. Добавление небольшого количества вина В бокал связывает эти два элемента вместе, но фон остается пустым, за исключением цвета и тени.Никаких задумчивых, туманных фоновых снимков виноградника на закате, никаких инструментов виноделов, только бутылка и стакан. Понятно, что «мусор» вывозили.

Я использую закрытые композиции, когда мне нравится то, что я называю эстетикой дзен: простые изолированные формы, которые отражают природу или создают ощущение органичности, даже если они созданы руками человека. Я не знаю, придумываю ли я этот термин или неправильно маркирую другой, и, честно говоря, мне все равно. Эта особая эстетика хорошо подходит для крупных планов, хотя обратное не менее верно: негативное пространство — это композиционный инструмент, который я очень ценю… Но мы попадем в Негативное Пространство в другой раз.

Замкнутая композиция берет ваш объект и, как правило, удаляет контекст, поэтому субъект должен иметь возможность стоять самостоятельно и общаться без контекстной поддержки. Вино довольно сложно интерпретировать неверно. Итак, наш пример сильный и хорошо продуманный. Технически это выдающийся выстрел. Резкое, хорошо экспонированное и т. Д. Тоже статично и, если можно так выразиться, скучно. Проще говоря, здесь ничего не происходит, хотя у нас есть спокойное стабильное фото.У него приятное ощущение «законченности», без каких-либо недостатков. Закрытая композиция в первую очередь подходит для пейзажей, портретов и фотографий, но, конечно, всегда есть исключения. Вот почему я настаиваю на том, чтобы называть эти правила «руководящими принципами», а не «правилами».

Хорошо, этот снимок, позаимствованный с этого маленького сайта, демонстрирует открытую композицию. Почему? Потому что оба элемента в этом примере выходят за пределы кадра и создают ощущение движения. Литье вина действительно находится в движении, но все в этом кадре передает СМЫСЛ движения.Мы не можем ВИДЕТЬ бутылку, из которой наливают вино, но мы можем это представить. Мы не ВИДИМ ножку или ножку стакана, и мы не видим руку человека, держащего его, но мы можем расширить наше зрение за пределы кадра и представить его там. Кто держит эту бутылку вина и почему ее разливают? Посмотрите, как течет вино в бокале … Будет ли оно переливаться через край или складываться в «идеальное наливание»? Посмотрите на углы в этом кадре, как они расположены по диагонали, что придает динамику, ощущение движения, в отличие от первого примера, где все ровно, сидит на твердой поверхности и явно никуда не идет.Но на этом втором снимке у нас нет опорных поверхностей, и у нас есть элементы, которые выводят наш взгляд за пределы кадра. Это уменьшение принуждения. Это то, что делает композицию открытой. Открытая композиция заставляет нас удивляться, воображать или визуализировать; он передает движение или ощущение движения через динамику.

В заключение, я думаю, я должен упомянуть эти надоедливые кадры в промежутке; те, которые включают элементы как открытой, так и закрытой композиции. Такое бывает.Они случаются часто и, скорее всего, бесят людей, которые пытаются изучить базовые техники композиции и / или пишут учебные пособия по таким вопросам.

Так что да, я готов к шквалу сообщений типа «О да, а как насчет ЭТОГО КАДРА, умные штаны ?! Открытые или закрытые?». И да, как и в большинстве вещей в жизни, есть те кадры, те композиции, которые содержат элементы как открытой, так и закрытой композиции.

На самом деле, я предлагаю вам найти некоторые из ваших собственных снимков и опубликовать их в этой теме.Покажите нам несколько снимков, которые, по вашему мнению, содержат элементы как открытой, так и закрытой композиции в одном кадре. Пожалуйста, объясните свои мысли остальной части класса. Также приветствуются кадры, наглядно демонстрирующие ту или иную технику.

……..

Закрытые v Открытые композиции — Тенденции веб-дизайна 2017

Наши студенты HND Computing and Systems Development * знают, что тенденции в веб-дизайне приходят и уходят. Что остается неизменным, так это необходимость быть гибким в подходе к дизайну и сосредоточиться на том, как дизайн поможет компании достичь своих целей.

Сегодня мы посмотрим, как открытая композиция оставляет свой след в индустрии.

Закрытая композиция уже долгое время является самым популярным стилем в веб-дизайне. Традиционно веб-сайты сохраняли все элементы в определенных границах, помогая привлечь внимание аудитории к ключевым областям. Это придавало сайтам ощущение стабильности и структуры, по сути говоря аудитории: «все, что вам нужно знать, находится здесь, в этих фиксированных пространствах». Щелкните любой сайт прямо сейчас, и, скорее всего, вы увидите замкнутую композицию повсюду.Чистый вид помогает просто передать послание, но разве современный взгляд хочет вырваться из рамок?

Открытая композиция, с другой стороны, создает впечатление изображения или участка, выходящего за пределы монитора. Открытой композиции присущ динамизм, и, удалив ограничения и рамки, посетители начинают более творчески взаимодействовать с сайтом и его изображениями.

Сочетание элементов открытой и закрытой композиции может быть ключом к выделению сообщения, сохраняя при этом инновационный вид. Одним из актуальных примеров, который недавно стал популярным, является включение шаблона столбца или сетки в фон веб-сайта. Он добавляет четкую структуру и позволяет кадрировать, но продолжает за пределами экрана, создавая впечатление бесконечного променада.

Однако для некоторых сайтов подойдет только закрытая композиция. Представьте себе газету, например, без этих четких и специально оформленных рамок, обрамляющих текст: это может сбить с толку читателей, неспособных определить, где щелкнуть, чтобы получить дополнительную информацию.Подумайте о розничном магазине мебели — изображения, существующие изолированно, не помогут покупателям взаимодействовать с продуктами этого продавца. Вместо этого структура страниц может использовать открытую композицию, чтобы помочь покупателям представить продукт в своем пространстве.

Помните: хороший дизайнер может создать примеры того и другого (и даже больше), но хороший дизайнер выбирает наиболее подходящий. Для успешного веб-дизайна необходимо объединить функциональность и креативность для достижения конечной цели.

* BTEC HND Вычислительная техника и разработка систем

2.4: Форма и композиция — гуманитарные науки LibreTexts

Глядя на искусство, многие люди сегодня используют целостный подход или подход гештальта к его пониманию. При таком подходе произведение искусства воспринимается как единое целое, и делается интуитивный вывод. Этот подход к искусству — хорошее начало, но он также может быть полезен для изучения отдельных частей произведения искусства и отношения этих частей к целому.Когда мы исследуем произведение искусства, разбирая его, мы смотрим на его дизайн. Дизайн делится на две большие категории: элементы дизайна и принципы дизайна. Элементы дизайна являются физическими частями произведения искусства, или образуют . Принципы дизайна — это способы, которыми эти части расположены или используются, или композиция .

2.4.1 Элементы конструкции

Дизайн — это управляющий план или подход, с помощью которого создаются и собираются различные части художественного произведения. Редко можно найти произведение искусства, которое является полностью случайным или возникло полностью из бессознательной интуиции художника. Кроме того, если посмотреть на то, как организованы различные части произведения искусства — даже интуитивно понятная или случайная работа — можно раскрыть ключи к целям и убеждениям художника, сообществу, в котором художник работал, и проблемам, с которыми он работал. произведение искусства предназначалось для обращения.

Есть шесть основных элементов дизайна: линия, форма, масса / объем, перспектива, текстура и цвет.Один из способов подумать об этих элементах дизайна — это «подняться по лестнице» измерения. Наш воспринимаемый мир имеет три пространственных измерения и одно временное. Математически точка имеет нулевые размеры. Линия имеет одно измерение — длину. У фигуры есть два измерения: длина и высота. Форма с массой или объемом имеет три измерения: длину, высоту и ширину. Переходя от точек к объемам, мы «поднялись по лестнице» измерения от нуля до трех. Помимо трех измерений физического пространства, художники могут включить в свою работу еще две вещи.Они могут привнести текстуру и цвет.

Вот краткое объяснение определения и динамики каждого элемента дизайна.

2.4.1.1 Строка

Line — элемент дизайна первого порядка. Линия — это бесконечный ряд точек, расположенных в определенном направлении. Направление линии может быть прямым (неизменным) или изогнутым (изменяющимся). Все виды объектов линейные, или преимущественно сформированные из линий. Каллиграфия , или «красивое письмо», — одно из популярных применений линии.Символ строки в письменной форме выполняет две основные функции. Во-первых, линейная фигура или форма письменного символа обозначает его значение. Во-вторых, способ создания фигуры может рассматриваться как выразительный сам по себе. тугра , или каллиграфическая подпись султана, и усовершенствованный текст арабской каллиграфии известны своей выразительной красотой, как и многие произведения азиатского письма. Во многих культурах письма красота письма так же важна, как и сообщение, которое он содержит.(Рисунок 2.35)

Одно из качеств линии — жест. Жест — это линия, создаваемая движением руки, руки или тела художника, своего рода танца с материалом, как это видно на этой фотографии Джексона Поллока посреди картины. (Джексон Поллок: upload.wikimedia.org/wikipedia/ en / b / b7 / Jackson-Pollock.jpg) Например, короткие, неровные строки стаккато могут быть прочитаны как нетерпеливые, неуверенные или изящные. Ровные горизонтальные линии выражают спокойствие.Прямые линии могут обозначать жесткость, что ни хорошо, ни плохо, но зависит от контекста. Жесткий мост — это хорошо для тех, кто рассчитывает на то, что он не уступит дорогу. Жесткое дерево во время урагана иногда будет вырвано с корнем.

Контур — это линия, где разные области встречаются и образуют края. Зрительное восприятие человека включает улучшенную способность обнаруживать края в природе. Контурные линии повторяют форму объектов там, где они выделяются на фоне.При составлении карты контурные линии указывают форму ландшафта с регулярными приращениями вертикальной высоты. На контурных картах линии, которые появляются близко друг к другу, указывают на быстрое изменение высоты. Линии, расположенные далеко друг от друга, указывают на более пологие склоны. (Контуры наземной истины: http://wiki.openstreetmap.org/w/imag…urs_Detail.png)

Перекрестная штриховка — это использование равномерно расположенных пересекающихся линий, которые создают ощущение ценности или светлого и темного. Эти линии штриховки обычно повторяют форму объекта.(Рисунки 2.4 и 2.36)

Некоторые линии вообще не прорисовываются. Вместо этого они подразумевают или предполагают намеренное выравнивание форм. Изображение квадрата внутри круга является примером подразумеваемой линии. (Рис. 2.37). Линии, сходящиеся за краем произведения искусства, — еще одно, потому что они подразумевают удаленное пересечение. Третий пример линии, которой на самом деле нет, — это линия экстрасенса . Два человека, смотрящие друг на друга на художественном произведении, создают между собой психическую грань.

Строка

содержит экспрессивных материалов. По своей природе линия заставляет зрителя следовать по ее пути. Характер линии может управлять направлением, скоростью и вниманием зрителя. Движение линии может быть изогнутым или угловым. Он может прогрессировать плавно или в отрывистом ритме. Линия может быть толстой или тонкой, бледной или жирной. Эти качества «читаются» рационально и эмоционально; таким образом, линия может иметь выразительное и эмоциональное содержание, которое часто можно обнаружить путем самоанализа зрителя.

Line — это не просто элемент двухмерного дизайна. Например, проволока — это линейная среда, которую можно расширить в трех измерениях. Скульптуры и портреты Александра Колдера из проволоки — прекрасные примеры выразительной силы линии в трех измерениях. ( Acrobats , Александр Колдер: www.calder.org/system/post_im…/medium/A00504. Jpg? 1352222725) Другой пример — Пабло Пикассо, рисующий в космосе светом для фотографа Гьона Мили (1904-1984, Албания, жил в США) для журнала Life в 1949 году.(Световые рисунки, Пабло Пикассо: http://www.designboom.com/art/pablo-…ngs-from-1949/)

2.4.1.2 Форма

Элемент дизайна формы — следующий элемент на пути вверх по лестнице измерения. Форма имеет два измерения: длину и ширину. Формы могут быть правильными или неправильными, простыми или сложными. Формы могут иметь твердые или мягкие края.
форм с твердыми краями имеют четко определенные границы, а формы с мягкими краями медленно переходят в фон.Есть две широкие категории форм: геометрические и органические. Геометрические формы — это правильные и упорядоченные формы с использованием прямых линий и кривых. Органические формы обычно нерегулярны и часто хаотичны. Ханс Арп (1886-1966, Франция, жил в Швейцарии) в своей работе Без названия использовал рваную бумагу и вырезанные формы для создания абстрактной композиции. В то время как квадраты являются геометрическими объектами, рваные и неровные края Арпа превращают их в органические формы. Ориентация этих форм примерно соответствует структуре сетки, но, опять же, их отклонение от регулярного порядка подразумевает хаотическое и случайное расположение.В этой работе Арп танцует на «грани порядка». (Рисунок 2.38)

В двумерных произведениях искусства формы — это фигуры, размещенные на двухмерной поверхности, известной как площадка . Это создает связь между передним планом и фоном, известную как отношение фигура / фон . Цифра — это объект, который кажется находящимся перед землей. В некоторых произведениях искусства эта взаимосвязь намеренно неясна. В этом случае может произойти эффект, известный как переворот фигуры к земле. В фигура / земля разворота то, что считалось положительной формой фигуры, можно также рассматривать как отрицательное пространство земли. Этот эффект нарушает ощущение пространства в произведении искусства и дезориентирует зрителя. ( Escher Woodcut II Strip 3 , Мауриц Корнелис Эшер: http://www.tau.ac.il/~tsurxx/FigureGround/Escher2.GIF)

2.4.1.3 Масса / Объем

Следующая и последняя ступенька по размерной лестнице — это объем или масс. Том имеет три измерения: длину, ширину и высоту.Объемы могут иметь внутренние или внешние контуры, а также быть закрытыми или открытыми по форме. Масса — это количество вещества, часто означающее его вес. Закрытая форма — это объем без отверстий и перфорации. Одна из целей древнеегипетской скульптуры заключалась в том, чтобы служить вечно. Поэтому они использовали закрытые скульптурные формы, которые более прочны и устойчивы к износу и поломке. (Рисунки 2.26 и 2.39) Пустое пространство окружает замкнутую форму, но не движется через нее.И наоборот, пустое пространство окружает, но также перемещается через открытую форму . Скульптуры открытой формы по форме ближе к фигурам, которые они представляют, и, следовательно, более реалистичны или «верны» исходному образцу.

Современные скульпторы, такие как Генри Мур (1898-1986, Англия), исследовали абстрактное использование закрытых и открытых форм, а также негативного и позитивного пространства. ( Лежащий рисунок 1969-70 , Генри Мур: upload.wikimedia.org/wikiped…_Israel_12097_ reclining_figure_by_henry_moore_in_tel_aviv.jpg) В трехмерном искусстве положительное пространство — это пространство, занятое данным объемом, а отрицательное пространство — это пустое пространство внутри этого тома. Обратите внимание, как фигура изгибается вокруг воображаемой границы. «Седло» посередине предполагает, что невидимый груз давит на форму. Эта скульптура зависит как от пустого пространства вокруг нее, так и от объема, занимаемого бронзой. Кроме того, его масса уменьшается из-за открытости формы, особенно по сравнению с древнеегипетской скульптурой, полностью закрытой.

Чтобы передать трехмерность, массу и объем форм на плоской поверхности, художники используют кьяроскуро (итальянский: «ясный-темный») или различные оттенки светлого и темного. Когда форма поворачивается к источнику света, она кажется ярче, а когда она отворачивается от источника света, она кажется темнее; смещение света и тени создает иллюзию объема в пространстве. Лицо и руки Леонардо Мона Лиза считаются шедеврами светотени.(Рисунок 2.7)

2.4.1.4 Перспектива

Перспектива в искусстве — это иллюзия пространства на плоской поверхности. До открытия геометрической системы линейной перспективы в Италии пятнадцатого века иллюзия пространства создавалась с помощью трех основных визуальных сигналов, указывающих на отступление пространства. Эти три реплики — высота, масштаб и перекрытие. Объекты, расположенные выше на поверхности рисования, объекты меньшего размера и объекты, частично закрытые другими объектами, — все это появляется дальше в пространстве.(Рисунок 2.40)

Линейная перспектива основана на регулярном геометрическом сокращении пространства. Линейная перспектива использует точку схода и линию горизонта. Точка схода — это точка, где все удаляющиеся линии, кажется, сходятся на линии горизонта.

Линия горизонта — это набор всех возможных точек схода на уровне глаз. (Рисунок 2.41) Ортогональные линии — это линии, которые, кажется, встречаются в точке схода, и подразумевают регулярное сокращение пространства.Линии горизонта и точки схода могут дать ключ к разгадке замысла художника. Например, в картине Леонардо «Тайная вечеря » художник обнаружил точку схода прямо за головой Иисуса. (см. рис. 1.25). Поскольку точка схода — это видение зрителя, бесконечно расширенное в одном направлении, размещение Леонардо точки схода за головой Иисуса связывает Его с бесконечностью христианского Бога.

До того, как линейная перспектива была сформулирована как связная геометрическая система, художники использовали интуитивную перспективу для изображения удаляющегося пространства. Интуитивная перспектива осознает, что удаляющиеся линии сходятся, но не распознает, что они сходятся в единой линии горизонта и точке схода. Тем не менее, даже когда в картинах отсутствует строго согласованная геометрическая система линейной перспективы, определение того, где будет горизонт, может проинформировать нас о том, как художник смотрит на объект. Сравните две одноименные картины: Мадонна на троне , одна — работы Чимабуэ (1240–1302, Италия), а другая — Джотто (1266 / 7–1337, Италия).(Рисунки 2.42 и 2.43) Обе картины используют интуитивную перспективу. На картине Чимабуэ 1285 года подразумеваемый горизонт низкий, а зритель сидит у подножия трона, в то время как изображение Джотто, написанное в 1310 году, имеет горизонт выше, и, таким образом, зритель находится на том же уровне, что и Мадонна. Эта разница во взглядах означает изменение представлений об отношении Мадонны к личности. Картина Чимабуэ вызывает у зрителя покорное почтение, в то время как картина Джотто может показаться более доступной, что свидетельствует о крошечном, но значительном сдвиге в европейской мысли, который в конечном итоге перерос в итальянский ренессанс.

Существуют разные типы линейной перспективы. Основные типы — одно-, двух- и трехточечная перспектива. Различие заключается в количестве используемых точек схода. Одноточечная перспектива использует линию горизонта и одну главную точку схода и обычно используется, когда простые виды имеют вид

, например, исчезающий вдаль железнодорожный путь прямо на глазах у зрителя. Двухточечная перспектива использует линию горизонта и две отдельные точки схода, чтобы представить иллюзию пространства, которое отступает в двух направлениях.(Рисунок 2.44) Трехточечная перспектива включает в себя отступление пространства в третьем, вертикальном направлении выше или ниже линии горизонта, а также два горизонтальных направления в двухточечной перспективе. По мере того, как высокие здания отступают вверх от уровня улицы, они также уменьшаются в видимом размере, точно так же, как железнодорожные пути кажутся сходящимися на расстоянии к горизонту. (Рисунок 2.45)

Многие люди ошибаются, полагая, что линейная перспектива дает совершенно точную картину мира.Это не. Линейная перспектива — это ограниченный инструмент для представления того, как выглядит мир. Он считается достаточно «точным» только в пределах ограниченного «конуса восприятия» около 60 градусов. Таким образом, хотя линейная перспектива — отличный инструмент для представления нашего восприятия космоса, у нее есть ограничения, которые следует признать.

Атмосферная перспектива — это способ создания иллюзии расстояния на плоской поверхности за счет использования цвета и фокуса. В пейзаже, который простирается вдаль, дымка промежуточного воздуха изменяет цвета и четкость объектов.Чем дальше объект находится от зрителя, тем больше он приближается к цвету воздуха, то есть к светлому серо-голубому тону. Темные объекты становятся светлее и синее по мере удаления от зрителя. Кроме того, контраст между светлыми и темными объектами и восприятие деталей уменьшаются с увеличением расстояния. Альберт Бирштадт (1830–1902, Германия, жил в США) использовал этот эффект в своей картине « Скалистые горы, пик Лендера », чтобы создать ощущение монументального пространства. (Фигура 2.46)

2.4.1.5 Текстура

Термин текстура описывает качество поверхности произведения искусства. Текстура — важный элемент дизайна, потому что она задействует не только зрение, но и осязание. Предметы могут быть грубыми или гладкими, влажными или сухими, липкими или гладкими, твердыми или мягкими, хрупкими или гибкими. Два основных подхода к текстуре: фактическая, текстура и подразумеваемая, или имитированная текстура. Фактическая текстура в первую очередь — хотя и не исключительно — скульптурная, тогда как подразумеваемая текстура в основном используется в двухмерных произведениях искусства.

Художники Северного Возрождения и Золотого века Голландии, пятнадцатого-семнадцатого веков, очень интересовались моделированием самых разнообразных текстур. Одной из главных целей художников того времени было преуспеть в том, чтобы говорить правду о материальном мире. Они работали, чтобы охватить весь визуальный диапазон осязания. Рембрандт ван Рейн (1606–1669, Нидерланды) хорошо известен тем, что использовал impasto , или очень густое нанесение краски, чтобы усилить ощущение реальности во многих своих картинах, добавив фактуру.Это можно увидеть в его обращении с плотью на некоторых из его автопортретов, а также в изображении металла и драгоценностей на его картине Пир Валтасара . (Рисунок 2.47)

2.4.1.6 Цвет

Цвет — самый выдающийся элемент дизайна и один из самых сильных, но в то же время субъективных элементов в искусстве. Американский трансценденталист девятнадцатого века Ральф Уолдо Эмерсон отметил это субъективное качество цвета, когда писал: «Природа всегда носит цвета духа. 1. Представления о цвете можно сгруппировать в три большие категории: история цвета, физика цвета и восприятие цвета.

Самое раннее использование цвета ограничивалось тем, какие виды пигментов или красителей можно было найти в местной среде: охры (желто-коричневые) из разных цветов земли, черные и серые из золы и обожженного дерева или древесного угля, красные и желтые из минералов, растений и насекомых. Палеолитические пещерные художники использовали эти материалы для своих росписей.В дополнение к натуральным пигментам древние египтяне разработали синтетические пигменты, такие как порошковое стекло, для создания египетского синего цвета, отличительного оттенка, используемого на статуях, стенах и памятниках. В Римской империи пурпур редкой формы добывался из особого вида улиток, и из-за его редкости использовался в основном для королевской одежды. В эпоху Возрождения темно-синий цвет создавался из мелко измельченного драгоценного камня — лазурита.

египтяне ассоциировали цвета с богами; у бога Амона была синяя кожа, а у Осириса — зеленая. Древние греки использовали более научный подход к цвету. Древнегреческий философ Эмпедокл считал, что цвет делится на четыре категории: белый / светлый, темный / черный, желтый и красный. Древние китайцы ассоциировали цвет с пятью элементами, которым учит традиционная физика: вода (черный), металл (белый), дерево (зеленый), земля (желтый) и огонь (красный). В ряде азиатских традиций черный — это цвет неба, а белый — цвет смерти или траура. В западной культуре все наоборот.

Современные представления о цвете были значительно усовершенствованы в пятнадцатом веке архитектором и теоретиком искусства Леоном Баттистой Альберти (1404–1472, Италия). В своем трактате Della pittura ( О покраске ), опубликованном в 1435 году, Альберти заявил:

Путем смешения цветов рождается бесконечное количество других оттенков, но есть только четыре истинных цвета, из которых может таким образом создаваться все больше и больше других цветов. Красный цвет огня, синий цвет воздуха, зеленый цвет воды и серый цвет земли. . . белый и черный не являются истинными цветами, а представляют собой изменения других цветов. ²

К. А. Бартол, Ральф Уолдо Эмерсон: Беседа в Западной церкви (Бостон, Массачусетс: А. Уильямс и Ко., 1882), 14.
Леон Баттиста Альберти, О живописи, пер. Джон Р. Спенсер (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1956), 49-50.

Из этой ранней структуры были сделаны дальнейшие открытия.

Термин «цвет» описывает ощущение, вызываемое изменениями длины волны и интенсивности света при его взаимодействии с человеческим глазом. Видимый свет — это небольшая часть электромагнитного спектра , которую может видеть человек. Когда белый свет солнца проходит через призму, он преломляется на цветов радуги от красного до оранжевого, желтого, зеленого и синего до фиолетового. (Рисунок 2.48)

Цвет, воспринимаемый людьми, можно разделить на три отдельные части: оттенок, насыщенность и яркость. (Рисунок 2.49) Оттенок — длина волны данного цвета. Цвета с большей длиной волны появляются на красном конце спектра, а цвета с более короткой длиной волны — на фиолетовом. Оттенок — это «название» цвета, например красный, желтый, синий, зеленый и т. Д. Цвет может быть как вычитающим, так и дополнительным. Насыщенность — это чистота цвета, она варьируется от нейтрального серого до чистого цвета, при этом яркость остается постоянной. Яркость — это светлота или темнота цвета, которая варьируется от полностью освещенного (чистый оттенок) до полностью затемненного (черный).Каждый чистый оттенок также имеет относительную яркость, например, чистый желтый цвет имеет большую яркость, чем чистый синий.

Субтрактивный цвет , или отражающий цвет, возникает, когда белый свет отражается от поверхности, и все цвета спектра поглощаются этой поверхностью, за исключением цвета, который отражается обратно к зрителю. Вычитающее смешение цветов начинается с основных цветов красного, желтого и синего. Когда эти цвета смешиваются, создаются вторичных цветов зеленого, оранжевого и пурпурного.Смешивание желтого и синего дает зеленый, смешивание красного и желтого дает оранжевый, а смешивание красного и синего дает фиолетовый.

Английский математик и физик сэр Исаак Ньютон продемонстрировал в семнадцатом веке, что белый свет, преломленный через призму, может быть разделен на видимый спектр. В девятнадцатом веке писатель и государственный деятель Иоганн Вольфганг фон Гете и химик Мишель Эжен Шеврюэль отдельно опубликовали исследование, в котором был сделан вывод о том, что красный, желтый и синий являются основными цветами и что все остальные цвета могут быть смешаны с ними.В начале двадцатого века промышленные химики еще больше усовершенствовали понимание печатных красок и вывели субтрактивную цветовую модель CMYK (голубой, пурпурный, желтый и черный): начиная с белого, по мере добавления цвета смесь движется к черному. (Рисунок 2.50)

С появлением телевидения, компьютеров и цифровых изображений появилась аддитивная модель RGB (красный, зеленый, синий), в которой цвета складываются вместе, и цветовая система HSB (оттенок, насыщенность и яркость), основанная на человеческих восприятие, стали отраслевыми стандартами. Дополнительный цвет , или цвет пропускания, возникает, когда проецируется свет разных цветов. Основные оттенки аддитивного цвета — красный, зеленый и синий. Это цветовая модель RGB. (Рисунок 2.51) Когда красный и зеленый свет перекрываются, виден желтый. Когда красный и синий свет перекрывают друг друга, виден красный цвет, а когда перекрываются зеленый и синий свет, появляется голубой цвет. Это второстепенные оттенки аддитивного цвета. Когда красный, зеленый и синий свет перекрываются, виден белый свет. Телевизионные экраны на самом деле представляют собой крошечные точки или пиксели красного, зеленого и синего светящихся огней.Цвета, которые мы видим на этих экранах, складываются.

Наша модель аддитивного цвета RGB напрямую зависит от того, как функционируют человеческие глаза. Сетчатка человека — это слой нейронов, покрывающий внутреннюю часть глаза. В этом листе нейронов есть специализированные нейроны, называемые палочками и колбочками. Палочки — это нейроны, чувствительные к изменениям интенсивности света, а колбочки — к красному, зеленому или синему свету. Причина, по которой у нас есть компьютерные мониторы с RGB-подсветкой, заключается в том, что у нас есть глаза с RGB-подсветкой.

Художники иногда намеренно используют физиологию человеческого зрения. Поскольку человеческое зрение ограничено уникальной биологией, становятся возможными определенные эффекты. Нейроны хранят химические нейротрансмиттеры для отправки сигналов. Если нейрон должен постоянно «стрелять» из-за постоянной стимуляции, он может истощить запас нейромедиатора. Существует небольшая задержка между истощением и восстановлением этого химического вещества в нейроне. Тем временем появляется остаточное изображение .Посмотрите на зеленый, оранжевый и черный флажки в течение 10 секунд, затем посмотрите на пустую стену или пустое белое пространство. (Рисунок 2.52) На некоторое время вы увидите дополнение или противоположность зеленого (красного), оранжевого (синего) и черного (белого) цветов в правильном месте на американском флаге. . Исчезновение этого изображения указывает на то, что нейротрансмиттеры в сетчатке пополнились.

Этот эффект регулярно использовался художниками во время импрессионистского движения (ок.1870-1886). Рассмотрим « Impression Sunrise » Клода Моне (1840–1926, Франция), одну из первых картин импрессионистов. (Рис. 2.53) Если вы смотрите на просторы синего на картине дольше, чем на мгновение, это «истощает» ощущение синего и создает дополнительную реакцию остаточного изображения, которая является оранжевой. Затем, когда мы смотрим на оранжевый восходящего солнца, мы видим не только оранжевый пигмент на самой картине, но и дополнительный эффект «усталой синевы» на нашей сетчатке. По этой причине оранжевая краска солнца выглядит ярче, чем если бы мы видели этот цвет сам по себе.Многие художники-импрессионисты намеренно использовали этот эффект, и это одна из причин, почему картины импрессионистов, как правило, выглядят такими ярко окрашенными.

В своей серии картин « Посвящение площади », которую он начал в 1949 году, художник Баухауса Йозеф Альберс (1888–1967, Германия, жил в США) экспериментировал с относительным восприятием цвета. ( Посвящение площади , Йозеф Альберс: upload.wikimedia.org/wikiped…0/Josef_Albers’s_ painting_’Homage_to_the_Square ’% 2C_1965.jpg) Его главным интересом было продемонстрировать, как на цвет могут влиять другие цвета, которые его окружают. Его книга «Взаимодействие цвета» (1963) показала, что восприятие одного цвета может меняться в зависимости от контекста. Чтобы продемонстрировать это, посмотрите на прилагаемое изображение. (Рис. 2.54) Серая полоса в центре одноцветная, но кажется, что она смещается при размещении на контрастном фоне.

Современные художники используют определенные термины для различных применений цвета. Естественный, или локальный цвет , описывает цвет тела данного объекта. Наблюдаемый цвет , с другой стороны, показывает, как восприятие этого локального цвета изменяется при перемещении света на объект. В серии картин Руанского собора Моне его изображения различных условий освещения являются хорошим примером разницы между местным цветом и наблюдаемым цветом. Цвет камня собора — средне-серый. Но в разное время дня, например, в убывающем свете заката, он будет отражать апельсиновые и синие оттенки затяжного солнца и растущих теней.(Рисунок 2.55)

Фовисты были группой художников в начале двадцатого века, которые использовали интуитивный цвет как основу своего подхода к созданию искусства. Их больше интересовала выразительная сила цвета, чем роботизированный отчет о локальном или наблюдаемом цвете их предметов. Рассмотрим этот портрет Анри Матисса (1869–1954, Франция) его жены Амели Матисс. (Рис. 2.56) Очевидно, что на самом деле у нее не было зеленой полосы, проходящей по центру ее лица.Цвета, выбранные художником, должны были выражать нечто иное, чем простое визуальное наблюдение.

Другой аспект цвета, используемый художниками, — это цветовая температура . Цвета могут быть как теплыми, так и холодными. теплый конец спектра включает красный, оранжевый и желтый. холодный конец видимого спектра содержит зеленый, синий и фиолетовый. При этом даже желтый может быть прохладным, а синий — теплым. Теплые и холодные цвета взаимодействуют по-разному, и художников учат замечать и использовать эту разницу; например, теплые цвета кажутся «продвигающимися», в то время как холодные цвета «отступают» в пространстве, и, следовательно, формы, представленные в этих цветах, оказываются на разной глубине.

Организуя представления о цвете, художники и теоретики искусства разработали серию цветовых схем или упорядоченных отношений между разными цветами. В монохроматической цветовой схеме используется один цвет. Старый гитарист Пикассо — хороший пример монохромной цветовой схемы. (Рис. 2.57) Поза фигуры, текстура рваной одежды и волос, а также преобладающее использование синего цвета работают вместе, создавая единую эмоциональную реакцию усталости и одиночества на изображение.

Дополнительная цветовая схема использует цвета, противоположные друг другу на цветовом круге. Как упоминалось ранее, художники-импрессионисты использовали эффект дополнительных цветовых схем, чтобы усилить яркость своих цветовых палитр. Не будучи импрессионистом, в своей картине Звездная ночь Ван Гог (1853-1890, Нидерланды, жил во Франции) использует синий цвет ночного неба, чтобы зарядить оранжевый цвет своего полумесяца. (Рисунок 2.58)

В цветовой схеме , аналогичной , используется только одна область цветового круга.Если, например, в качестве цвета привязки для схемы выбран зеленый цвет, художник будет использовать цвета, которые находятся между желтой и синей точками на колесе. Натюрморт со стаканом и устрицами Яна Давидса. де Хем (1606–1684, Нидерланды, жил в Бельгии) — хороший пример аналогичной оранжевой / желто-зеленой схемы. (Рисунок 2.59, ) Есть много других цветовых схем, которые используются для различных приложений, но этих трех достаточно, чтобы проиллюстрировать идею.

2.

4.2 Принципы проектирования

Элементы дизайна — это визуальные компоненты, которые художники используют для создания произведений искусства. Принципы дизайна — это различные способы расположения этих элементов или компонентов для достижения желаемого эффекта. Есть столько же способов подойти к расстановке элементов искусства, сколько художников. Каждое произведение искусства уникально по замыслу, дизайну и исполнению. Последние достижения в изобразительном искусстве представили случайные и иррациональные подходы к созданию искусства.В этих подходах результат произведения искусства не планируется. Хотя можно сказать, что этим произведениям искусства не хватает осознанного дизайна, иногда они оказываются успешными. Часто успех иррационально или случайно созданных произведений искусства можно отнести к одному или нескольким принципам работы организации. Осведомленность о принципах дизайна в произведении искусства позволяет зрителю добавить глубины анализу этих произведений. Ниже приведены пять принципов дизайна. Список не является исчерпывающим, но с него можно начать.

2.4.2.1 Единство / разнообразие

Единство — в сходстве, а разнообразие — в различии. Дизайн, который показывает единство . — это дизайн, в котором элементы произведения или отношения между элементами подобны или идентичны. Картина Леонардо Мона Лиза (см. Рис. 2.7) считается прорывом в искусстве итальянского Возрождения, потому что мягкие края фигуры похожи по подходу к мягким тонам приглушенного фона, тем самым объединяя изображение. Рисунок . Разновидность — это дизайн, в котором элементы произведения различаются по размеру, цвету, форме или другим атрибутам.Одной из проблем, связанных с чрезмерным использованием единства в дизайне, является визуальная монотонность. Визуальное единство может происходить как на концептуальном уровне , так и на физическом уровне . Элементы, выбранные на основе темы, могут отображать концептуальное единство и в то же время отображать разнообразие форм. Художественное произведение, лишенное разнообразия, может быть однообразным и неинтересным. Многие артисты вносят разнообразие в свои композиции, следя за тем, чтобы не было двух одинаковых интервалов. Интервал — это пространство между элементами, фигурами или объектами в произведении искусства.

Принцип построения шкалы и пропорции — это вопрос размеров элементов как по отдельности, так и по отношению к другим элементам. Знаменитым примером тонкого использования масштаба является относительный размер фигур в картине Микеланджело Piet à. (Рис. 2.60) Скульптура представляет собой изображение Марии, держащей тело своего сына Иисуса после распятия. Если мы измерим тела Иисуса и Марии от пятки до колена, от колена до бедра и так далее, а затем сравним их, мы обнаружим, что Мария больше Иисуса.Кроме того, фигура Марии непропорциональна, то есть размеры частей ее тела не совпадают. Это необычное использование масштаба и пропорций служит инфантилизатором Иисуса, чтобы тонко подчеркнуть отношения матери и ребенка. Еще одно применение масштаба и пропорции — использование форсированной перспективы. (Рисунок 2.61) Принудительная перспектива — это расположение фигуры и фона, которое искажает масштаб объектов, заставляя маленькие объекты казаться большими или большие объекты кажутся маленькими за счет сопоставления их с противоположностями.Принудительная перспектива наиболее убедительна, когда делается фотографически.

2.4.2.3 Баланс

Принцип конструкции весов заключается в визуальном «весе». Элементы дизайна, такие как линии и формы, могут привлекать наше внимание разными способами. Например, они могут быть ярко окрашены, они могут быть большими по сравнению с другими подобными формами или могут иметь необычную текстуру. Композиционный баланс достигается, когда эти конкурирующие визуальные веса примерно эквивалентны.Есть два вида композиционного баланса: симметричный и асимметричный .

Линии и формы в композиции, использующей принцип симметричного баланса , обычно одинаково расположены вокруг оси , или центральной линии. В году Сальвадора Дали (1904–1989, Испания) «Тайная вечеря » обратите внимание на баланс одинаковых форм слева и справа от центральной фигуры Иисуса. ( Таинство Тайной вечери , Сальвадор Дали: загрузить.wikimedia.org/wikipedia/en/f/f1/ Dali _-_ The_Sacrament_of_the_Last_ Supper _-_ lowres.jpg) Вертикальные и горизонтальные оси обычно зарезервированы для очень стабильных композиций, и эта стратегия часто используется в религиозном контексте для обозначения неизменной истины.

Асимметричный баланс достигается, когда визуальные веса не соответствуют друг другу по форме, размеру или расположению; они неравномерно распределены в композиции. Ксилография « Большая волна у Канагавы » Кацусики Хокусая (1760–1849, Япония) и «Натюрморт с яблоками и горшком с первоцветами» Поля Сезанна (1839–1906, Франция) являются хорошими примерами асимметричных композиций.Большое пространство справа от Большой волны Хокусая «смещает» приближающуюся волну в левой половине композиции. (Рис. 2.62) Подобным образом большая серая стена слева в картине Сезанна «Натюрморт с яблоками » компенсирует визуально сложный цветочный горшок справа. (Рис. 2.63) В каждой работе почти треть композиции (небо и стена), так сказать, не занята; в этих областях нет предметов. Однако в двухмерном пространстве произведения мы «читаем» каждую пустую область как имеющую визуальный вес, уравновешивающий формы в остальной части композиционного пространства.

Не всегда необходимо, чтобы произведение было сбалансированным. Очевидный дисбаланс может вызвать эффект неустойчивости, дезориентации или стресса, который может стать полезной частью более широкой идеи в произведении искусства. Большие пустые пространства на картине Одда Нердрума (род. 1944, Норвегия) имеют существенный визуальный вес и подразумевают как физическую, так и психологическую изоляцию. ( Человек и заброшенный пейзаж , Odd Nerdrum: s-media-cache-ak0.pinimg.com/736x/27/ a3 / 3b / 27a33b6c5d3c9e087d20f7cb3c34296a. jpg)

2.4.2.4 Выделение / движение

Принцип дизайна акцента или движения заключается в преднамеренном использовании направленных сил для перемещения внимания зрителя через произведение искусства. Когда мы видим изменение цвета внутри фигуры, это подразумевает движение. И когда мы видим линию в произведении искусства, мы вынуждены следовать ей. Например, стрелки любой формы обозначают направление и широко используются в рекламе для привлечения внимания потенциальных клиентов.

Есть более тонкие способы привлечь внимание зрителя через произведение искусства. Снятие с креста Рогир ван дер Вейден (1404–1464, Бельгия) использует положение рук, ног и голов фигур, чтобы обвести символ бесконечности, который напоминает число 8, лежащее на боку. (Рис. 2.64) Это тонкое напоминание о вечной жизни Христа призвано успокоить и вселить надежду в верующих, созерцающих эту сцену смерти и скорби.

2.4.2.5 Ритм / повторение

Принцип дизайна Ритм — это повторение визуальных элементов для создания рисунка. Затем этот узор можно использовать для создания сцены для особого объекта, или узор можно прервать, чтобы привлечь внимание к изменению. В своем комментарии к культуре массового потребления повторение Энди Уорхолом заставляет нас заметить небольшие различия между внешне идентичными элементами его инсталляции: 32 Campbell’s Soup Cans . (Рисунок 2.65)

Блок A5 — Состав | Школа языков, культур и обществ

Блок A5 — Состав: Введение

Композиция картины — это способ организации плоского пространства на ее поверхности.Анализируя композицию, можно представить картину как состоящую из различных зон: левой, правой, центральной, нижней, краев и спросить, структурирована ли картина в соответствии с доминирующими линиями или формами. В этом разделе мы рассмотрим различные аспекты композиции.

В разделе а мы начнем с обсуждения роли, которую играют доминирующие линии и силовые линии.

Затем в разделе b мы переходим к рассмотрению понятий открытой и закрытой композиции.

Затем в разделе c мы исследуем баланс и симметрию.

Наконец, в разделе d обсуждаются понятия ритма и движения.

Блок A5a — Состав: доминирующие линии и силовые линии

Во многих картинах структура обеспечивается за счет использования доминирующих линий, которые могут быть очевидны через реальные линии, то есть края предметов или фигур, или через силовые линии: линии, которые зрителю предлагается представить такими как посредством жестов, сделанных фигурами, их взглядов или подразумеваемых движений.

Деятельность (xvi)

Посмотрите на эту картину, Распятие Рафаэля (1502-03 гг.): Щелкните здесь (внешняя ссылка; Интернет-галерея искусств). Прежде всего, определите доминирующие линии, образованные краями предметов. Теперь определите линии, обозначаемые взглядами или жестами фигур. Как вы думаете, почему это может иметь значение?

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Деятельность (xvii)

Посмотрите на картину Жерико Плот Медузы (1819): щелкните здесь (внешняя ссылка: Лувр).На картине изображены выжившие с военного корабля, затонувшего в 1816 году, которым пришлось цепляться за плот в течение тринадцати дней, после чего выжили только пятнадцать. Гарико представляет, как выжившие замечают парус далекой лодки. Какие линии преобладают на этой картине?

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Блок A5b — Состав: открытый и закрытый состав

Этот раздел знакомит с понятиями открытой и закрытой композиции на двух примерах.

г. Задание (xviii)

Посмотрите эту работу Эдварда Хоппера: Утреннее солнце (1952): щелкните здесь (внешняя ссылка). Какие основные формы и линии доминируют в композиции? (Ищите вертикальные линии, диагонали и повторяющиеся геометрические формы.)

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Деятельность (xix)

Посмотрите на эту картину Микеланджело: Doni tondo (ок.1506): нажмите здесь (внешняя ссылка). Какие здесь доминирующие линии и силовые линии? Картина самодостаточна?

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Блок A5c — Состав: баланс и симметрия

В примере Рафаэля Распятие , который мы обсуждали ранее в упражнении (xvi), баланс и симметрия были обеспечены очень четкими линиями креста, которые преобладали на картине.

Однако иногда мы видим художников, нарушающих баланс и создающих асимметричные структуры. Эффект от этого обычно заключается в создании нестабильного впечатления: глазу трудно устоять. Всегда стоит учитывать, насколько симметрична композиция на картине и каков эффект от этого.

Блок A5d — Состав: Ритм и движение

Когда мы смотрим на картину, наш взгляд перемещается по различным ее элементам. Таким образом, даже если картина статична, наше восприятие этого не так.Художники могут управлять тем, как наш взгляд движется по картине. Наши глаза стремятся следить за линиями и сосредотачиваются на очевидных фокусах. Мы склонны следить за взглядами и жестами людей. Наши глаза перемещаются с переднего плана на задний план и обратно. Тогда, глядя на картину, стоит спросить, как художник контролирует то, как мы движемся по ней. Это то, что подразумевается под ритмом картины.

Действия (xx)

Посмотрите эту работу Василия Кандинского, Импровизация 31 (Морской бой) (1913): щелкните здесь (внешняя ссылка; Национальная художественная галерея).Попытайтесь определить способы, которыми манипулируют ритмом. На нем ничего не изображено. Но если мы подумаем о том, как она составлена и как это направляет наш взгляд по картине, мы можем начать ощущать эффект, который производит произведение. Вам также может быть полезно подумать о том, как цвет , цвет направляет взгляд по картине.

Когда вы записали свои мысли об этой картине, нажмите здесь, чтобы сравнить свои идеи с моими.

Блок A5 — Состав: Сводка

В этом модуле мы рассмотрели ряд элементов композиции.Глядя на картину, стоит задать несколько вопросов о ее композиции:

Какие линии на картине доминируют?
Какие силовые линии очевидны или предполагаются на картине?
Состав открытый или закрытый? Какой эффект это имеет?
Композиция симметрична или асимметрична? Какие эффекты это имеет?
Как композиция ориентирует наш взгляд на картину? Создает ли он сильный ритм или он более устойчивый?

Университет не несет ответственности за содержание внешних сайтов.

Этот ресурс был создан с помощью гранта на передачу знаний о предприятиях факультета искусств Университета Лидса.

.: Типы композиции

ЗАМКНУТАЯ КОМПОЗИЦИЯ

ОТКРЫТАЯ КОМПОЗИЦИЯ

СИММЕТРИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

АСИММЕТРИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

СТАТИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

ДИНАМИЧНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Основы композиции в дизайне

Мы подготовили для вас статью об основах композиции в дизайне.

Г.Вельфлин. Основные понятия: Замкнутая и Открытая форма

ОТКРЫТАЯ И ЗАКРЫТАЯ КОМПОЗИЦИЯ. Фотосъемка. Универсальный самоучитель

Читайте также

Жерлицы (открытая вода)

Лицензия открытая

10.

Композиция

Композиция

КОМПОЗИЦИЯ

Открытая рана

Открытая композиция

Дом Открытая композиция

Читайте также

Основные принципы построения композиции | Полиграф-Сити

Некоторые композиционные приемы

та художница: открытая и закрытая композиция

СОСТАВИТЬ: Открытое и Закрытое

: Open Vs.Замкнутая композиция

Открытые композиции

Закрытые композиции

Состав №1: Открытый и закрытый состав

Закрытые v Открытые композиции — Тенденции веб-дизайна 2017

2.4: Форма и композиция — гуманитарные науки LibreTexts

2.4.1 Элементы конструкции

2.4.1.1 Строка

2.4.1.2 Форма

2.4.1.3 Масса / Объем

2.4.1.4 Перспектива

2.4.1.5 Текстура

2.4.1.6 Цвет

2.

2.4.2.1 Единство / разнообразие

2.4.2.3 Баланс

2.4.2.4 Выделение / движение

2.4.2.5 Ритм / повторение

Блок A5 — Состав | Школа языков, культур и обществ

Блок A5 — Состав: Введение

Блок A5a — Состав: доминирующие линии и силовые линии

Блок A5b — Состав: открытый и закрытый состав

Блок A5c — Состав: баланс и симметрия

Блок A5d — Состав: Ритм и движение

Блок A5 — Состав: Сводка

Добавить комментарий Отменить ответ

Рубрики