Современные художники скетчи: Необычные техники рисования современных художников

Содержание

Необычные техники рисования современных художников

Есть такие художники, которым для рисования просто кисти и краски не нужны и в своих экспериментах с материалами они шагают дальше. Я собрала подборку интересных авторов, которые рисуют не совсем привычными материалами и способами. Надеюсь она вдохновит вас на новые идеи!
Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai)

В своем творчестве Элизабета использует исключительно белые, красные и розовые вина, не придавая особого значения их букету или крепости. Единственный другой инструмент, который применяется Элизабеттой при создании картин, это уголь — им она делает наброски. Особенность ее работ в том, что цвет красок на полотне со временем меняется, так как вино стареет и приобретает новые оттенки. В результате получаются полотна, каждое из которых совершенно неповторимо.


Таринан фон Анхальт (Jet Art)

Американская художница свои абстрактные картины создает при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Клиенты Таринан платят огромные деньги за возможность увидеть, как художница творит, ведь сам по себе этот процесс представляет собой небольшое шоу с риском для жизни. За создание одной абстрактной картины ценителю креатива придется выложить не меньше 50 тысяч долларов. Свою технику Jet Art использует также для декорирования одежды, которую демонстрирует на различных фэшн-шоу.

Это весьма необычное направление живописи изобрёл Австрийский принц Юрген фон Анхальт ещё в 1982 году. Он назвал его «jet art» («реактивная живопись»). После его смерти его дело продолжила его жена Таринан (настоящая принцесса). Она стала первой женщиной, которая создаёт свои художественные полотна с помощью такой физически тяжёлой техники рисования. Перед просмотром видео советую приглушить звук, а то там реактивные двигатели)


Подводные картины украинских художников

Украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров в водах Черного и Красного моря. Художников настолько вдохновляет красота подводного мира, что они придумали необычный способ запечатлеть ее с помощью обычной краски и холста с нанесением водонепроницаемого клея. Под каждой картиной, помимо названия, указано море, соль которого определенная работа впитала и глубина, на которую пришлось погрузиться художнику. Выглядят картины действительно необычно.


Натали Айриш (Natalie Irish)


Художница рисует поцелуями, а в качестве материала использует обычную губную помаду. В среднем на одну картину уходит около пяти тюбиков помады. Первой работой художницы был портрет Мерлин Монро – именно с этой актрисой у Натали ассоциируется красная помада. Художница призналась, что создание ее картин – непростой труд, ведь ей необходимо методично по определенной схеме оставлять поцелуи на холсте, постоянно меняя фокусировку глаз.
На одну картину уходит минимум 3 часа.

Отман Тома


Багдадский художник при создании своих работ вместо привычных красок использует мороженое. Его работы похожи на акварельные рисунки и имеют широкую гамму. Художник всегда фотографирует свои работы с остатками мороженого и кистями на холсте, тем самым показывая небольшую часть процесса. Выглядит реально как акварель!

Новое искусство: молодые художники Казани — графика, дизайн, живопись, иллюстрации, керамика, граффити, инсталляции

Начну с банальной мысли: для того чтобы жизнь локального искусства поддерживалась, необходимы самые разные процессы ― от работы классических музеев и просветительской деятельности независимых инициатив до подрывных проектов художников, которым музей в качестве площадки не всегда нужен. И чем разнообразнее этот котел, тем интереснее художественная жизнь. Мы с моей коллегой по «Галерее 6, 57» Алисой Маркеловой делаем то, что нам интереснее всего и в чем уже накопили некоторый опыт: формулируем смыслы (которые, как нам кажется, витают вокруг), в том числе через выставки (в прошлом году мы делали «Я так не работаю», в этом ― «С белого листа») или беседы с художниками и искусствоведами (недавно мы начали делать регулярные инстаграм-трансляции «Открытая комната»), ридинг-группы, классические лекции (в апреле, например, я читала микроцикл об американском искусстве) или экспериментальные концерты (большой цикл «Искусство шумов», который мы провели летом и осенью прошлого года). Алиса сейчас работает над выставкой о мифологии. Летом, надеюсь, мы сделаем уикенд, посвященный современному искусству и музыке.

Критический текст ― еще одна важная часть художественного процесса, и, как мне кажется, в Казани он производится очень редко и, хочется добавить, производится не всегда теми, кто непосредственно занимается историей или теорией искусства. О важности критического текста для художника говорить, думаю, будет лишним. В целом есть ощущение, что специалистов по современному искусству в Казани не хватает, и это напрямую влияет на то, в каких условиях оказывается молодой художник. Кто-то, конечно, скажет, что система, где существуют институции и критика (и нередко отсюда иерархия), не нужна. Я же буду надеяться, что причина относительно неразвитого интереса к новому искусству в Татарстане кроется в нашей сравнительно недолгой традиции посещения музеев и производства этого самого искусства. И еще, наверное, в общем отсутствии знаний по истории искусства (и это касается не только нашего региона). Если оставаться максимально честной, я ставлю на работу независимых проектов в этом поле. Поэтому мы выбрали формат самоорганизации в рамках работы «Галереи 6, 57». Сложно переоценить значение «Смены» (помимо выставочной и просветительской деятельности они делали и аукционы) и Werk, которые тоже начали работать в этом направлении. Из похожих примеров можно обратиться к краснодарской «Типографии». Ответ на вопрос «Что делать?» такой: на данном этапе для Казани актуально чаще проводить лекции, выставки и аукционы, не забывая о профессионализме и привлекательности, чтобы для городской публики они стали обычной частью жизни. Причем важно, чтобы всем этим занимались не две-три институции, а как можно больше.

6 художников, за которыми стоит следить в инстаграме | Vogue Ukraine

Инстаграм — своеобразный арт-дилер нашего времени: он помогает художникам продавать свои работы, а зрителям, в свою очередь, находить новые имена в искусстве и открывать для себя то, что раньше нужно было искать месяцами. Vogue.ua рассказывает про самые интересные аккаунты современных художников.

@theflowerguy

 

Майкл де Фео — уличный художник из Нью-Йорка, который больше 20 лет украшает улицы от Лос-Анджелеса до Гонконга своими работами. Его главный мотив — яркие, крупные цветы, а сам художник свой стиль называет flower power. Майкл де Фео всегда любил моду и несколько лет назад начал эксперименты в этой области. Все началось с того, что художник как-то украл на улице рекламный щит с изображением Натали Портман, рекламирующей аромат Dior, и украсил его своими фирменными цветами. С тех пор де Фео — любимчик модного мира: он разрабатывал рекламные кампании для Кристиана Лубутена, разрисовывал обложки американского Vogue, кроме того, сотрудничал с New York Times и Time Magazine. Его любимое занятие — работа с глянцевыми журналами и фешн-стори: де Фео распечатывает в большом формате портреты  Кейт Мосс, Рианны,Тейлор Свифт, герцогини Кэтрин и других знаменитостей и разрисовывает их крупными, сочными мазками, превращая глянцевые съемки в картины импрессонистов. Творчество Майкла очень нравится тем, кого он «интерпретирует»: так, недавно культовый фотограф Питер Линдберг поделился в своем инстаграме работой Майкла, в которой тот переосмыслил на новый лад его культовую съемку с Кейт Мосс.

@takashipom

У японского мастера китча Такаши Мураками образцовый инстаграм — разносторонний, ироничный и наполненный фотографиями любимого пса художника.

Самое интересное в его инстаграме — закулисье: Мураками, как заправский пиарщик, публикует на своей странице кадры с монтажа выставок или свою команду за работой, и можно своими глазами увидеть, как помощники Мураками создают культовые разноцветные обьекты, которые расходятся по главным галереям мира. Также Мураками — мастер смешных портретов и селфи, которые говорят о его самоиронии.

@kaws

 

Скульптор, фотограф, уличный художник, дизайнер одежды — все это Брайан Донелли, один из самых звездных американских художников. Донелли начинал как граффитчик, позже работал в Disney, а потом чего только не делал: выпускал большие виниловые игрушки, рисовал дизайн бутылок для Henessy, выпускал свои собственные принты для тканей. Фишка Донелли — огромные скульптуры поп-персонажей (от Микки Маусов до Симпсонов), которые украшают города в Голландии, Штатах и Китае, а также яркие поп-артовские коллажи, высмеивающие культуру потребления. Среди полконников его стиля — Канье Уэст и Фарелл Уильямс, которые покупают работы Донелли в свои дома.

 Инстаграм у Брайана Конелли абсолютно профессиональный: здесь не встретить селфи с собакой, как у Мураками, зато много стильного и ироничного искусства.

@danielarsham

Если инстаграм Такаши Мураками — праздник цвета и фейерверк, то страница скульптора и фотографа Дэниэля Аршама — такой себе черно-белый оазис посреди интернета. Аршам — художник-философ: он создает свои скульптуры из бетона и битого стекла и зачастую представляет бытовые вещи — телефон, джойстик от компьютерной игры, пистолет, компьютерная мышка в виде археологических обьектов. Каким найдут археологи наши телефоны спустя 100 лет — таким вопросом задается художник и создает скульптуру телефона, побитого и с отколотыми частями, который напоминает зрителю древнегреческий бюст или старинную вазу. В своем аккаунте, который производит впечатление хорошей книги или альбома по искусству, Аршам демонстрирует еще один свой талант — он отличный фотограф.

@anne_bengard_art

 

Страничка Анны Бенгард — хороший пример вдохновляющего инстаграма. Анна — молодая художница из Берлина, которая закончила престижный колледж Сэнт Мартинс в Лондоне,  работала в рекламном и модном бизнесе, а теперь рисует пастелью трогательные и одновременно сюрреалистичные портреты мужчин и женщин. Стиль Анны — смесь гротеска и эротики, она вдохновляются амеркианской поп-культурой и японским манго, и в итоге рождает безумный, фантастический мир. Иногда на ее страничке проскакивают автопортреты, которые тоже служат для ее фолловеров вдохновением — у Анны длинные голубые волосы.

@jenstark

Если хочется добавить в свою ленту немного психоделики, то однозначно стоит подписаться на инстаграм художницы из Флориды Джен Старк. Она знаменита своими цветными скульптурами из бумаги, напоминающими радугу, которая взорвалась или сошла с ума. Вдохновение художница ищет в природе и науке: например, изучает книги по анатомии, где рассматривает поперечное сечение тканей, а потом символично изображает это в своих работах. Свои работы Джен Старк раскрашивает, исходя из математических рачетов — чтобы каждый цвет органично переходил в другой и создавал общую картинку.  В инстаграме художницы много ее селфи, из которых ясно, что она выпускает одежду с такими же необычными принтами и любит «психоделический» маникюр.

Читайте также:

5 самых красивых инстаграм-страниц о книгах 

Не надо стесняться. Эротика глазами современных художников

В честь дня влюбленных поговорим о художниках, рисующих на пикантную тематику, и о том, зачем они это делают.

На день влюбленных принято дарить открытки любимым и друзьям. Нашей «валентинкой» будет статья о прекрасном эротическом арте.

Эротика в искусстве. Что и почему?

Способность к размножению — одно из ключевых свойств любого живого существа. Самцы одеты в яркие перья, носят огромные, неудобные рога и дерутся насмерть с соперниками. Все это делается, чтобы впечатлить самку и продолжить род. Неудивительно, что тема секса будоражит и человеческий ум.

Первые изображения обнаженных людей с преувеличенными половыми признаками появились еще в эпоху Палеолита. С течением времени наскальная живопись сменилась скульптурой и живописью; секс проник в кинематограф, литературу и музыку. Его след в виде намека или подробного изображения полового акта можно найти почти в любой культуре современности и прошлого, что не может не порадовать дедушку Фрейда.


Виллендорфская Венера — яркий пример доисторической эротики. Хотя назначение этих фигурок до конца не ясно, мы можем понять, как древний скульптор видел идеальную женщину.

Перед тем, как окунуться в современное видение эротики, разберемся в понятиях. Слово “эротика” происходит от имени древнегреческого божества любви Эрота и означает “любовь”. Эротическое искусство уделяет больше внимание чувствам и индивидуальности. Этим эротика отличается от порнографии, в которой основной акцент делается на самом процессе полового акта и гениталиях. Конечно, стоит помнить, что вкусы у всех разные, поэтому определение эротики достаточно размытое.

Фрида Кастелли

«Мои рисунки рассказывают мою историю».

Фрида — итальянская художница из Милана. Она смело показывает многотысячной аудитории ту часть жизни, которую большинство предпочли бы скрыть. Ее работы очень автобиографичны, поскольку иллюстрируют историю взаимоотношений с другим человеком. В рисунках Фриды можно проследить все стадии рождения и угасания чувства: страсть, нежность, тоску и меланхолию.


Главные герои почти всех рисунков — сама Фрида и ее таинственный мужчина, чьего лица мы не видим.

Откровенность в чувствах удалось успешно монетизировать. Сейчас у Фриды 465 тысяч подписчиков в инстаграме, который она ведет с 2016 года. На персональном сайте продаются принты, оригиналы и артбуки с пикантными иллюстрациями. Работы Фриды выставлялись в странах Европы, Азии и Южной Америки.


Иллюстрации к книгам других авторов не столь откровенны, как личная галерея Кастелли.

В интервью Фрида упоминает о нематериальной стороне творчества. Рисование помогает ей посмотреть на себя со стороны и сохранить на бумаге чувства, пережитые в тот или иной момент времени. По словам Кастелли, люди чувствуют себя свободнее, когда смотрят на ее откровенные рисунки.


Художница считает, что прикосновение может быть более интимным, чем сам половой акт. Поэтому тема рук присутствует во многих ее работах.

Все работы Фриды выполнены в теплых пастельных тонах. Любимый материал — акварельные карандаши.


Сначала художница рисует эскиз карандашом, а затем добавляет цвет.

Янник Корбоз

«Женское тело — идеальный объект для экспериментов в рисунке».

Французский художник с хорошим академическим образованием и внушительным портфолио. Он окончил Школу прикладных искусств в Лионе, работал иллюстратором комиксов, рисовал концепты окружения для Assassin’s Creed: Brotherhood. Солидное место в галерее на его персональном сайте занимают эротические рисунки.

Персонажи Янника похожи на винтажных пин-ап моделей.

В девушках, нарисованных Корбозом, прослеживаются черты ар-деко (синтез модерна и неоклассицизма): текучесть силуэтов и экстравагантность образов. Нет ничего удивительного в том, что среди своих кумиров Янник называет Густава Климта. К эпохе ар-деко зрителей отсылают и чулки, которые после Первой мировой войны превратились в сексуальный фетиш.

Нередко девушек сопровождает черная кошка. В этом нет скрытого символизма. Просто автор рисует своего любимого питомца, который не отходит от него ни на шаг.

В работе Янник использует традиционные материалы: карандаши, чернила и акварель. Он избегает чрезмерноц реалистичности и экспериментирует с формами и техниками. Янник утверждает, что за акварельными рисунками полуобнаженных женщин нет никакой задумки или скрытого послания. Это просто хобби, приносящее удовольствие.


Сначала художник рисует карандашный скетч, затем в графическом редакторе разбивает его на планы, после чего делает чистовую работу на бумаге.

Рикардо Родригес aka Waveloop

«Женское тело прекрасно и элегантно. И я это говорю не только как мужчина».

Рикардо родился в Португалии и с ранних лет тянулся к рисованию. Долгое время любимое занятие было простым хобби. Решение стать профессиональным художником Рикардо принял в 28 лет. К тому времени у него уже было медицинское образование и опыт работы врачом.


Любитель рисовать обнаженку должен хорошо владеть анатомией. Безусловно, медицинское образование — хорошее тому подспорье.

Большое влияние на художественное видение Рикардо оказали увлечения его старшего брата. Родригес находил странным, что брат обрисовывал уже готовых героев, а не придумывал своих. Поэтому впервые Рикардо взялся за карандаш для того, чтобы создать собственного персонажа комикса. Потом проявился интерес к фантастике: братья вместе смотрели “Бегущего по лезвию”, “Звездные войны”, “Чужого”, “Хищника”. Чуть позже в Португалии стали показывать аниме и продавать мангу.


Стиль художника — смесь аниме, фантастики и комиксов.

В одном из интервью художник сравнивает мужчин и женщин с красками. По его мнению, мужчины — это основные цвета, а женщины — их тонкие оттенки. Именно они делают этот мир богатым и сложным, стоящим того, чтобы жить. Женственность и красота — два неразлучных понятия.


Рикардо относится к женщинам с трепетом и восхищением.

Работы художник создает с помощью Wacom Cintiq Companion 2 и старенькой версии Adobe Photoshop. Он использует стандартные кисти с небольшими настройками. Скетчи Рикардо предпочитает рисовать карандашом на бумаге.


Рикардо считает, что задача художника — сохранить энергию, заключенную в скетче.

Такато Ямамото

Японский иллюстратор, создавший собственный стиль. Такато называет его “эстетизм эпохи Хэйсэй”. Слово “хэйсэй” было девизом правления императора Акихито с 1989 по 2019 гг. и в переводе означает “установление мира”. Картины Ямамото действительно “мирные”. Несмотря на мрачность и зловещую тематику, на рисунках редко присутствуют сцены совершаемого насилия.

Работы Ямамото обычно рассказывают о том, что что-то произойдет или уже произошло.

В основе визуала Такато лежит классическое японское искусство — гравюры в стиле укиё-э, которые были особенно популярны в XVII веке. Дополнением стала европейская готика. На многих картинах с персонажами соседствует мистика и даже японское гуро. Работы Ямамото детализированы и нередко имеют нестандартную композицию, в которой каждый элемент можно рассматривать отдельно.


Необычный антураж и высокая детализация работ — рай для любителей искать скрытый символизм.

Такато стал рисовать в своем уникальном стиле в конце 90-х. Сначала он использовал тушь и литографию, а потом стал экспериментировать с акриловыми красками и холстом. Несмотря на большое количество проиллюстрированных книг и выставки в Токио и Риме, настоящая популярность к Ямамото пришла с появлением интернета. Тогда у “эстетизма эпохи Хэйсэй” появились подражатели.


Ямамото выпустил 9 книг с собственными рисунками, а также работал совместно с другими иллюстраторами.

В первую очередь Ямамото детально прорисовывает лицо главного персонажа механическим карандашом. Именно лицо становится центром композиции, вокруг которого формируется все остальное. На этом этапе сам Такато не знает, как будет в итоге выглядеть его работа. Идеи и образы приходят по мере работы над ней.


Ямамото рисует в интуитивной манере, отчасти поэтому его персонажи находятся в сюрреалистичном окружении.

Габриэле Пенначиоле

«Мне нравится человеческая фигура. Особенно женская».

Габриэле, выросший в маленькой коммуне рядом с Миланом, с детства любил комиксы и мультики и мечтал посвятить им жизнь. Мечта стала явью — повзрослев, Пенначиоле устроился в студию Disney в Лондоне, потом работал в Германии и даже выпустил собственный мультфильм “Акула и пианино”. После он переехал в США, где участвовал в создании высокобюджетных картин: “Кунг-фу Панда”, “Как приручить дракона”, “Синдбад: Легенда семи морей”, “Шрек”. Одной из последних его работ является серия про оборотней в сериале “Любовь, смерть и роботы”.

Мультфильмы — не единственное увлечение Пенначиоле.

Пенначиоле по работе чаще взаимодействует с 3D, а вот рисует для развлечения. Старый аккаунт Габриэлле на Artstation содержит немало пикантных рисунков девушек. Художник объясняет свой интерес тем, что во время обучения приходилось много рисовать с обнаженной натуры и изучать анатомию. Но дело не только в эстетическом удовольствии, которое получает сам автор. Еще одна цель — передать свои эмоции и чувства, рассказать небольшую историю. Идеи для эротических рисунков порой приходят из памяти и пережитого опыта. Иногда их питают фантазия и воображение.

Несмотря на незамысловатый стиль, Габриэле старается заложить смысл в каждый рисунок.

Особое место в творчестве Пенначиоле занимает серия работ с пышными девушками. Они занимаются повседневными делами, отдыхают в отпуске и предстают в виде супер-героинь. Сам автор уверяет, что это никак не связано с его предпочтениями в женщинах. Просто фигуры пышек дают простор в экспериментах с формами и пропорциями. “Любая женщина может быть красивой и притягательной” — говорит Пенначиоле. Многие женщины писали, что благодаря его рисункам им стало проще принять и полюбить себя и свое тело. Художник надеется когда-нибудь издать книгу на эту тему.

Пышек от Габриэле особенно хорошо воспринимает аудитория из США.

Мирка Андольф

«Рисование помогает мне побороть застенчивость».

Иллюстратор комиксов из Неаполя. Она работает с DC comics, Marvel и со множеством местных изданий. Мирка успешна и в свободном плавании: она в одиночку проиллюстрировала более десятка комиксов (и еще десятки совместно с другими авторами), у нее есть персональный сайт и соцсети со множеством подписчиков.

В комиксах, выпущенных собственными силами, обязательно присутствует эротика.

Плотское влечение — это такая же часть нашей жизни, как еда и сон. Поэтому Андольфо считает, что наличие эротики в истории делает персонажей более реалистичными и живыми. Тем не менее, в своих работах она старается не перейти ту грань, где пикантность превращается в вульгарность и пошлость.

Художница рисует как в цифре, так и традиционными материалами — карандашами и маркерами Copic.

Мирка считает себя застенчивым человеком, поэтому рисунки стали своеобразной терапией. Подчеркнутая сексуальность персонажей помогает ей справиться с собственной слабостью. Художница любит рисовать сильных женщин — импульсивных и уверенных. Ей нравится, что в комиксах девушки все чаще становятся главными героинями, а не просто массовкой или “принцессой в беде”.


Собственный персонаж Мирки — демоница по имени Паприка.

В отличие от большинства остальных художников, о которых мы уже говорили, Мирка не рассказывает в иллюстрациях о себе. “Конечно же, в личных рисунках (особенно о Паприке) есть часть меня, часть моего характера и жизненного опыта, но в целом все истории выдуманы”, — говорит художница.

Джессика Чоффи aka Loputyn

«Проблема исчезнет для меня, если я ее нарисую».

Итальянская художница, которая стала популярной благодаря соцсетям еще в подростковом возрасте. Джессика с ранних лет знала, что хочет заниматься только рисованием, поэтому ответственно подошла к вопросу образования. Она окончила художественную школу, а после — Академию изящных искусств в Бергамо. Сейчас она работает иллюстратором, а в ее портфолио уже есть 9 графических новелл, выпущенных как самостоятельно, так и в сотрудничестве с другими авторами.

Чоффи рассказывает, что она с детства слушала сказки о замках, о томящихся в них принцессах и о прекрасных принцах. Позже стали популярными аниме и манга, тоже повлиявшие на художницу. Джессика особенно выделяет мангаку Икэда Риёку, которая рисовала мангу на тему известных исторических событий, и Юки Каори с ее готической эстетикой.


Девушки Чоффи похожи на изящные фарфоровые куклы. Ее стиль — смесь европейской готики и японской манги.

Каждая история, рассказанная Джессикой, — это личные переживания, мысли и проблемы, которые ей необходимо выразить на бумаге. В юном возрасте ей всегда было проще рисовать, чем общаться со сверстниками. Любимые темы художницы — женское начало, колдовство и мистика.


Чоффи считает, что в каждой женщине есть немного мистики. Поэтому в ее галерее регулярно появляются рисунки ведьм. Джессика даже издала графическую новеллу “Францис” о приключениях молодой ведьмы.

В работах Чоффи часто присутствуют животные, обычно волки и кролики. Для художницы они олицетворяют две противоположности человеческой натуры — разрушительного хищника и милую невинную жертву. Все зубастые твари, полуразложившиеся останки и прочие ужасы вокруг персонажей — часть их внутреннего мира.


Джессика рисует животных не только для символизма, но и просто потому, что они ей нравятся.

Ленка Шимечкова

«Мне в детстве часто снились кошмары. Мама посоветовала их зарисовать».

Чешская художница, которую вдохновляют старые вещи и фильмы, литературные произведения классических мастеров ужаса. Ее работы пропитаны эстетикой викторианской эпохи, мистикой и эзотерикой. Встречается среди них и эротика.


Эротизм и мистика в европейской культуре часто идут рука об руку, что подтверждается искусствоведами. В античной культуре секс был непременным спутником религиозных празднеств в честь богов семьи, изобилия и плодородия.

Первый рисунок Шимечковой — это ее собственный ночной кошмар. Художница и сейчас признается, что лучшие идеи ей приходят в ночное время, а именно — перед сном. Это немного роднит ее с Г.Ф. Лавкрафтом (идеи для некоторых рассказов приходили к нему во сне).


Типичные персонажи Ленки — ведьмы, демоны и прочие чудовища — предаются всевозможным грехам. Масштабная работа “Ночное кабаре” отлично передает дух ее творчества.

Рисование увлекло ее, и в дальнейшем она пыталась придумывать истории к рисункам. Когда Ленка нашла на чердаке дома старые комиксы, на нее снизошло озарение, что можно совместить иллюстрации и рассказы в такой форме. После того, как ее комикс победил на школьном конкурсе, Шимечкова твердо решила, что посвятит свою жизнь рисованию.

В интервью Ленка рассказывает, что она рисует миры, которые в целом похожи на наш, но в какой-то момент история в них пошла по-другому. Поэтому ей нравится стимпанк и городское фентези. Также она любит старые ужастики и сериалы за их атмосферность.


Роман М.А. Булгакова “Мастер и Маргарита” идеально соответствует вкусам Ленки.

Работы Ленка сначала рисует карандашом, после чего добавляет цвет в графическом редакторе. Она не зацикливается на одной проверенной технике и постоянно пробует что-то новое. “Если вы все время будете рисовать в одной и той же манере, то вас станут узнавать, но в долгосрочной перспективе вы перестанете развиваться”, — говорит Шимечкова.

Всех с 14 февраля!

Автор: Богдан Дудниченко.

Почему стоит научиться рисовать и как это сделать

Опубликовано 29 мая 2014 в рубрике «Дневник начинающего художника»

Недавно мне написала Настя Радужная, один из авторов сайта Лайфхакер, и попросила о  мини-интервью для новой статьи. Статья действительно получилась интересной, а то, что в ней собраны мнения художников и педагогов — ее несомненный плюс. Привожу статью полностью для своих читателей.

AntonioDiaz/Shutterstock.com

Взрослым всегда нужно все объяснять.
Антуан де Сент-Экзюпери, «Маленький принц»

Помните, почему герой, ведущий повествование в «Маленьком принце», отказался от «блестящей карьеры художника»? Верно — взрослые не поняли и не оценили его удава снаружи и изнутри.

Если вы рисуете удава, проглотившего слона, а получается шляпа, то эта статья для вас. Мы пригласили несколько экспертов — профессиональных художников и дизайнеров, — чтобы ответить на такие вопросы, как:

  • почему одни умеют рисовать с рождения, а другие нет?
  • зачем нужно рисовать?
  • можно ли этому научиться?
  • если да, то как это сделать?

Интересно? Добро пожаловать под кат!

Живопись — талант или навык?

Мнение эксперта:
Почему одни умеют рисовать, а другие нет? Это как спрашивать, почему одни люди блондины, а другие темненькие. 🙂 Потому что какие-то вещи нам даны природой, а какие-то нет. Можно научиться, можно отточить навык, совершенствоваться и брать упорством, но это уже другое. Изначально умение рисовать — это, скорее, дар…
Елизавета Ищенко, арт-директор компании «Буферная бухта»

В декабре 1911 года немецкий импрессионист Ловис Коринт пережил инсульт. У художника парализовало правую сторону тела. На какое-то время он даже перестал рисовать — разучился.

Современные ученые объясняют эту «метаморфозу» тем, что умение рисовать напрямую зависит от функционирования головного мозга.

Так, в 2010 году Ребекка Чемберлен (Rebecca Chamberlain) и ее коллеги из Университетского колледжа Лондона решили выяснить, почему одни люди рисуют с рождения, а другие нет.

Оказалось, что люди, не умеющие рисовать, видят не так, как художники. Глядя на предмет, они неправильно оценивают его размер, форму и цвет. Именно поэтому у них не получается точно перенести на бумагу видимый объект.

Кроме того, предрасположенность к изобразительному искусству зависит от памяти. Люди, не умеющие рисовать, не могут запомнить, к примеру, угол между линиями и, соответственно, воплотить его в рисунке.

Мнение эксперта:
Мне кажется, с детства рисуют абсолютно все. Но некоторые одарены меньше. Одни просто влюбляются в рисование, другие — нет. Те, кто влюбляется, в последствии и становятся художниками. Если, конечно, проявляют трудолюбие и упорство и если не дают житейским заботам заглушить любовь к творчеству.
Вреж Киракосян, художник-портретист, герой рубрики «Никаких оправданий»

Примерно такого же мнения, как ученые из Лондона, придерживается Джастин Острофски (Justin Ostrofsky) и его коллеги из Бруклинского колледжа Городского университета Нью-Йорка. Они считают, что у художников более развито зрительное восприятие и они лучше определяют, какой элемент нужно прорисовать, а какой можно опустить.

Мнение эксперта:
На самом деле, это не такой простой вопрос. Потому что в нем спрятан еще один: что значит уметь рисовать? Именно здесь «зарыта собака». Это основной повод для споров и разногласий. Для перфекционистов уметь рисовать означает способность написать предельно реалистичную картину, неотличимую от фотографии. Таким людям научиться очень трудно, потому что такой навык требует огромных затрат времени и сил. На обучение и шлифовку умения может уйти не один год, но человек будет по-прежнему недоволен собой и не будет считать, что умеет рисовать. Плюс ко всему, многие люди со временем забывают, что означает слово «учиться», когда речь идет об обучении тела. Взрослые считают, что учиться — это читать книги, запоминать информацию. А реалистичное рисование — это практический навык, предполагающий, прежде всего, развитие глазомера. Это не происходит в один момент. Поначалу получается не очень-то похоже, слабо, плохо. И многим очень трудно справиться с разочарованием на начальном этапе. Они бросают, сказав себе что-то вроде: «Все равно ничего не получится» или «Наверное, у меня нет способностей». И совершенно напрасно. Практика показывает, что в рисовании количество неизбежно переходит в качество. Кроме того, есть другие люди, обладающие менее предметным и более образным мышлением. Они менее требовательны к реалистичности изображения, им важнее передача состояния, чувств, эмоций. Такие люди учатся легче, они видят свой прогресс, начиная с самых первых работ (конечно, многое здесь зависит и от учителя, от его способности обратить внимание учеников на сильные стороны их работы). В конечном итоге они рисуют. Они так же могут критически относиться к своим навыкам и считать, что рисовать не умеют или умеют недостаточно хорошо. Но это им не мешает заниматься творчеством, а именно в процессе творческой работы и происходит обучение. Как я уже сказала, количество переходит в качество.
Александра Мережникова, художник, преподаватель, автор проекта «Рисуем вместе»

Удивительно, но задолго до описанных исследований, художник (и психолог) Кимон Николаидис (Kimon Nicolaides) утверждал, что главная проблема людей, думающих, что они не умеют рисовать, в том, что они видят предметы неправильно. По мнению художника, умение рисовать не талант, а навык. Вернее, 5 навыков:

  • видение края;
  • видение пространства;
  • видение отношений;
  • видение тени и света;
  • видение целого.

Упражнения для развития этих навыков изложены в книге «Естественный путь к рисованию» (The Natural Way to Draw).

Есть только один верный путь научиться рисовать — естественный путь. Он не имеет ничего общего с эстетикой или техникой. Он напрямую связан с верностью и точностью наблюдений, а под этим я подразумеваю физический контакт с самыми разнообразными объектами посредством всех пяти чувств.
Кимон Николаидис

Сторонники метода правополушарного рисования тоже считают, что «секрет» кроется в голове. Но причиной неумения некоторых людей рисовать называют то, что в процессе художественного творчества они (ошибочно) задействуют левое, рациональное, полушарие мозга.

Метод правополушарного рисования разработала преподаватель искусства, доктор наук Бетти Эдвардс (Betty Edwards) в конце 1970-х годов. Ее книга «Художник внутри вас» (1979 г.) стала бестселлером, была переведена на десятки языков и выдержала несколько изданий.

В основу концепции Эдвардс легли научные изыскания нейропсихолога, профессора психобиологии, лауреата Нобелевской премии Роджера Сперри (Roger Sperry).

Доктор Сперри изучал «функциональную специализацию полушарий головного мозга». Согласно его теории, левое полушарие мозга использует аналитический и вербальный режимы мышления, оно отвечает за речь, математические вычисления, алгоритмы. Правое полушарие, напротив, «творческое», мыслит образами и отвечает за восприятие цвета, сопоставление размеров и перспективы предметов. Эти особенности доктор Эдвардс назвала «Л-режим» и «П-режим».

У большинства людей при обработке информации доминирует левое полушарие. 90% людей, думающих, что не умеют рисовать, во время художественного творчества продолжают «пользоваться» левым полушарием, вместо того, чтобы включить «П-режим» и воспринимать целостные зрительные образы.

Мнение эксперта:
Абсолютно нерисующих людей нет. Есть обстоятельства — родители, учителя, общество, которые создают ситуации «неуспеха». Человек просто начинает о себе слишком плохо думать. Несомненно, существуют талантливые люди, а у всех остальных возможность рисовать есть, но желание отбито. Ко мне на занятия приходят люди, которые много лет только мечтали о живописи, но страх был слишком велик. А на занятиях наступает кайф. Сколько не бегай от мечты, она все равно настигнет.
Софья Чарина, преподаватель живописи, арт-клуб «Пилигрим»

Чтобы понять, как это работает, представьте, будто вы хотите нарисовать стул. Вы говорите себе: «Нарисую-ка я стул». Левое полушарие мгновенно перевод слово «стул» в символы (палочки, квадратики). В результате вместо того, чтобы рисовать стул, вы рисуете геометрические фигуры, из которых, по мнению вашего левого полушария, состоит стул.

Поэтому суть метода правополушарного рисования заключается во временном подавлении работы левого полушария.

Таким образом, наука слоняется к тому, что умение рисовать — это навык, который может обрести любой желающий.

Мнение эксперта:
Все люди умеют рисовать. Просто кто-то об этом еще не знает.
Так устроена система воспитания в нашем мире, которая поощряет развитие логического мышления и очень мало внимания уделяет интуитивному творческому развитию личности. Я, например, имею навыки классического рисования. На занятиях в университете мы рисовали по 16—20 академических часов только одну постановку, чтобы все было идеально, классически. Потом я училась в Британской Высшей Школе Дизайна, где мой мир перевернулся. Вместе со мной в одной группе учились люди, которые впервые взяли в руки карандаш, и у них получалось лучше, чем у меня. Первое время я не понимала: как же так?! Я — дизайнер, столько времени провела на занятиях по рисунку, живописи, а мои сокурсники в это время изучали математику, физику, философию и т. д. Но у них порой работы интереснее, чем у меня. И только после первого семестра обучения в «Британке» я поняла, что рисовать может каждый! Самое главное — захотеть этого и взять в руки карандаш или кисточку.
Екатерина Кукушкина, дизайнер, преподаватель

Почему стоит научиться рисовать?

Ия Зорина, автор замечательных статей на Лайфхакере, однажды рассказывала о своем личном опыте рисования. Она завела эскизный блокнот и «разрешила себе творить». В результате Ия написала:

Теперь я вполне понимаю, почему стоит это продолжать и почему надо попробовать каждому.

Почему же стоит рисовать?

Рисование развивает когнитивные функции

Благодаря рисованию улучшаются восприятие, зрительная память, мелкая моторика. Оно помогает смотреть на вещи глубже, изучать предметы всесторонне.

Мнение эксперта:
Рисование помогает смотреть на мир иными, новыми глазами, начинаешь еще сильнее любить природу, людей и животных. Начинаешь еще сильнее все ценить! Сам же процесс рисования вызывает неимоверные, восхитительные эмоции. Человек духовно обогащается и растет над собой, развивается и раскрывает свои скрытые способности. Рисовать надо, чтобы быть счастливым и дарить миру добро и красоту.
Вреж Киракосян

Рисование — способ самовыражения

Рисуя, человек раскрывает свой личностный потенциал. Живопись — это диалог внутреннего «Я» с миром.

Мнение эксперта:
Каждому человеку рисование дает что-то свое. Кто-то в этом процессе находит умиротворение и релаксацию, а кто-то — кайф и поднятие настроения. Для третьих — это смысл жизни. Я сейчас изучаю арт-терапию для детей и взрослых. Можно смело утверждать, что рисование помогает решить многие психологические вопросы: повысить самооценку, убрать напряжение в отношениях (семейных или рабочих), избавить от страхов и т. д. К примеру, есть такой метод Мандала — рисование в круге (еще его называют целительным кругом). Проверила на себе — это работает! Рисование — это бессознательный процесс и это всегда соединение со своим «Я», со своим потенциалом, который заложен в каждом человеке с самого рождения. Мой совет: рисуйте как можно больше и чаще, узнавайте новые грани своей жизни, наполняйте творчеством каждый день!
Екатерина Кукушкина

Рисование повышает самооценку

Рисуя, человек становится увереннее в себе. Страх показать свои работы и быть непонятым — неизбежен. Каждый художник проходит через него. Но со временем вырабатывается «иммунитет» к несправедливой критике.

Мнение эксперта:
Я рисую просто потому, что мне это нравится. Кто-то рисует на продажу (тут можно выразить ответ на вопрос «Зачем?» во всеобщем эквиваленте). Но ощущение удовольствия никак не взвесить и не измерить. Я как-то задавала этот вопрос на своем сайте, один из ответов запал в душу: «Я рисую для того, чтобы быть счастливой». И понятно, что счастье у всех свое. Кто-то счастлив, когда танцует, кто-то — когда несется с горы на лыжах. Кто-то — когда рисует. Но удовольствие от процесса возникает, когда получается, а если учишься, то может получиться не сразу. Однако если преодолеть трудности, потом вырастают крылья. Не скажу, что это навсегда, бывают и неудачи и разочарования. Но радость от того, что получается, стоит приложенных усилий.
Александра Мережникова

Рисование как способ медитации

Многие сравнивают рисование с медитацией. Художественное творчество позволяет расслабиться, войти в состояние потока. Художники отмечают, что, рисуя, они «отключаются» от внешнего мира, в голове нет места бытовым мыслям.

Мнение эксперта:
Рисование — это самовыражение, другая реальность. Словами описать ощущения очень сложно. Каждый человек, который приходит ко мне, имеет свою историю. Иногда она трагичная, иногда радостная, но самое главное — они нашли в себе силы прийти. Как ни странно, самое сложное не научиться рисовать, а прийти, начать, выйти из зоны комфорта.
Софья Чарина

Рисование – это удовольствие

Это одно из самых увлекательных занятий. Когда на белом листке «оживает» город или, к примеру, лес, испытываешь неподдельное удовольствие.

Мнение эксперта:
Рисовать — это наслаждение. Это самовыражение. Это выплеск эмоций и успокоение нервов. Вот идешь, бывает, по улице, и свет такой красивый, и сирень зацвела, и домики так красиво в ряд встали… И думаешь: «Эх, вот сесть бы сейчас тут и порисовать всю эту красоту!». И хорошо на душе сразу…
Елизавета Ищенко

Как научиться рисовать?

Мы спросили наших экспертов, можно ли научиться рисовать? Они в один голос ответили: «Да!».

Все художники, которых вы можете вспомнить, когда-то учились своему делу. Ни один великий художник не был таковым в 5 или 10 лет, учиться пришлось всем.
Александра Мережникова

При этом Екатерина Кукушкина и Софья Чарина отметили, что научиться рисовать можно в любом возрасте, главное — желание или, как сказал Вреж Киракосян, «любовь к рисованию».

Все дело в желании. Инструментов и методов сейчас предостаточно. Учись на здоровье! Главное — желание и усидчивость.
Елизавета Ищенко

Итак, научиться рисовать может каждый. Но как? Вопрос, какие методики обучения выбрать, мы адресовали нашим экспертам.

Елизавета Ищенко посоветовала осваивать академическую школу и заниматься с преподавателем:

Я сторонник академической школы — наброски, постановки, пропорции… Мне кажется, надо начинать с азов. Не с видео «Как нарисовать героя фильма “Люди Х” в лыжном костюме за 2 часа», а с понятия форм, геометрических фигур и света.

А Вреж Киракосян, напротив, считает видеоуроки весьма полезными:

Нет ничего лучше, чем просматривать мастер-классы по рисованию. В Сети много материалов такого рода: начиная с основ до серьезных работ.

Александра Мережникова также рекомендует учиться у профессионала, но отмечает, что, постоянно практикуясь, можно воспользоваться и самоучителем.

Общие рекомендации просты. Чтобы научиться шить, нужно шить, чтобы научиться водить машину — водить машину, чтобы научиться готовить — готовить. Так же с рисунком: чтобы научиться рисовать, нужно рисовать. Лучше учиться с преподавателем, который может что-то показать, подсказать, похвалить, — это очень важно! Но можно и самостоятельно. Если говорить о самоучителях, мне понравилась книга «Искусство рисунка» Берта Додсона, он дает достаточно цельную и гибкую методику. Но, конечно, все индивидуально, кому-то его метод может и не подойти. Сейчас выбор достаточно большой, можно найти то, что будет нравиться лично вам.

Рисовать с натуры — совет Софьи Чариной. Это кажется весьма правильным, если вспомнить исследование Ребекки Чемберлен.

Для новичков очень важно работать с натуры. Еще незаменим педагог, который направит в нужную сторону. Иначе процесс будет более долгим и с ошибками. Работа, сделанная с картинки, — это не полезно. Дело в том, что двухмерные носители (фото, картинки) не отображают полностью форму предметов, а это очень важно. Человек, по сути, не чувствует ее.

Екатерина Кукушкина, исходя из своего опыта, дала следующие рекомендации:

  1. Заведите блокнот и рисуйте хотя бы по одному рисунку в день. Так человек развивает внимание и фантазию. Он каждый день ищет новые объекты для зарисовки или придумывает что-то свое, таким образом набивает руку и формирует творческий взгляд на мир.
  2. Сходите на пару групповых занятий по рисованию — там потрясающая атмосфера.
  3. В свободное время ходите на выставки.
  4. Мониторьте информацию по рисованию в Интернете. Находите близких вам по духу художников, иллюстраторов, дизайнеров.
  5. Изучайте творчество известных художников.

Но не надо повторять за кем-то! Всегда помните, что вы уникальны и неповторимы, ваш стиль и почерк — это вы и есть! Человек, который смело выражает свой стиль, всегда выделится из толпы.

Кроме того, Екатерина советует пробовать рисовать в разных техниках.

Как можно больше разных техник рисования (акварель, гуашь, прикладное рисование, тушь, карандаш, пластилин, коллаж и т. д.). Лучше всего рисовать самые простые вещи: фрукты, посуду, предметы интерьера и др. После того как человек перепробует несколько техник, он сможет выбрать ту, которая больше всего ему по душе, и начать в ней работать.

Полезности

В заключение хотим поделиться с вами подборкой порталов и приложений, которые, возможно, помогут вам начать рисовать.

Сообщества творческих людей (для вдохновения)

Сайты с уроками рисования

Приложения

Есть что добавить? Есть опыт обучения рисованию? Знаете классные сайты или приложения для начинающих художников? Пишите комментарии!

Источник

Содержание

Вернуться на главную

Студия рисования для взрослых и детей в СПб — ArtAndMe

Оплата банковскими картами осуществляется через АО «АЛЬФА-БАНК».

К оплате принимаются карты VISA и MasterCard.

Услуга оплаты через интернет осуществляется в соответствии с Правилами международных платежных систем Visa и MasterCard на принципах соблюдения конфиденциальности и безопасности совершения платежа, для чего используются самые современные методы проверки, шифрования и передачи данных по закрытым каналам связи. Ввод данных банковской карты осуществляется на защищенной платежной странице АО «АЛЬФА-БАНК». На странице для ввода данных банковской карты потребуется ввести номер карты, имя владельца карты, срок действия карты, трёхзначный код безопасности (CVV2 для VISA или CVC2 для MasterCard). Все необходимые данные пропечатаны на самой карте.

Трёхзначный код безопасности — это три цифры, находящиеся на обратной стороне карты.

Далее вы будете перенаправлены на страницу Вашего банка для ввода 3DSecure кода, который придет к Вам в СМС. Если 3DSecure код к Вам не пришел, то следует обратится в банк выдавший Вам карту.

Случаи отказа в совершении платежа:

  • банковская карта не предназначена для совершения платежей через интернет, о чем можно узнать, обратившись в Ваш Банк;
  • недостаточно средств для оплаты на банковской карте. Подробнее о наличии средств на банковской карте Вы можете узнать, обратившись в банк, выпустивший банковскую карту;
  • данные банковской карты введены неверно;
  • истек срок действия банковской карты. Срок действия карты, как правило, указан на лицевой стороне карты (это месяц и год, до которого действительна карта). Подробнее о сроке действия карты Вы можете узнать, обратившись в банк, выпустивший банковскую карту;

По вопросам оплаты с помощью банковской карты и иным вопросам, связанным с работой сайта, Вы можете обращаться по следующим телефонам: +7 (911) 925-31-75.

Предоставляемая вами персональная информация (имя, адрес, телефон, e-mail, номер банковской карты) является конфиденциальной и не подлежит разглашению. Данные вашей кредитной карты передаются только в зашифрованном виде и не сохраняются на нашем Web-сервере.

Правила возврата товара/отказа от устлуги

При оплате картами возврат наличными денежными средствами не допускается. Порядок возврата регулируется правилами международных платежных систем.

Процедура возврата товара регламентируется статьей 26.1 федерального закона «О защите прав потребителей».

  • Потребитель вправе отказаться от товара в любое время до его передачи, а после передачи товара — в течение семи дней;
  • Возврат товара надлежащего качества возможен в случае, если сохранены его товарный вид, потребительские свойства, а также документ, подтверждающий факт и условия покупки указанного товара;
  • Потребитель не вправе отказаться от товара надлежащего качества, имеющего индивидуально-определенные свойства, если указанный товар может быть использован исключительно приобретающим его человеком;
  • При отказе потребителя от товара продавец должен возвратить ему денежную сумму, уплаченную потребителем по договору, за исключением расходов продавца на доставку от потребителя возвращенного товара, не позднее чем через десять дней со дня предъявления потребителем соответствующего требования;

Для возврата денежных средств на банковскую карту необходимо заполнить «Заявление о возврате денежных средств», которое высылается по требованию компанией на электронный адрес и оправить его вместе с приложением копии паспорта по адресу [email protected]

Возврат денежных средств будет осуществлен на банковскую карту в течение 21 (двадцати одного) рабочего дня со дня получения «Заявление о возврате денежных средств» Компанией.

Для возврата денежных средств по операциям проведенными с ошибками необходимо обратиться с письменным заявлением и приложением копии паспорта и чеков/квитанций, подтверждающих ошибочное списание. Данное заявление необходимо направить по адресу [email protected]

Сумма возврата будет равняться сумме покупки. Срок рассмотрения Заявления и возврата денежных средств начинает исчисляться с момента получения Компанией Заявления и рассчитывается «в рабочих днях без учета праздников/выходных дней.

как в Одессе рисуют скетчи • Таймер

Известная одесская художница и преподаватель Марьяна Брюханова — о вьетнамских детях и итальянской сиесте, тщательно продуманном плане и полёте творческой импровизации, о трэвел-буках и борьбе с перфекционизмом, трудоёмком батике и эмоциональной акварели, о «Весёлом скетчере» и фабрианском празднике жизни.

— Как начинался ваш творческий путь? Что послужило толчком к увлечению скетчингом?

— Рисовать я любила с самого детства, а вот стать хотела модельером или журналистом! Впоследствии закончила художественно–графический факультет педагогического университета имени Ушинского, после чего всяческая живопись была успешно заброшена на целых три года. Проблема в том, что в вузе не учат творить в прямом смысле этого слова — куда больше времени уделяется различным несущественным мелочам. Хотелось рисовать по–своему, а получалось так, как научили, и это невероятно злило и раздражало! В 2008 году организовала творческую мастерскую, открытую для самых различных видов творчества — плетение из бисера, батик, валяние из шерсти, декупаж, витражная роспись, ну и живопись, конечно. Мы с ребятами проводили мастер-классы, разрабатывали новые подходы и техники, а в один прекрасный день устроили первую в нашем городе выставку-ярмарку хенд–мейда. Впрочем, со временем выяснилось, что в подобных делах важен не результат, а процесс. Примерно, как с постройкой корабля: интересно создавать всё с нуля, а когда судно уже спущено на воду и плывёт на всех парусах, энтузиазм проходит. Так случилось и у меня с мастерской. Во время первой беременности вплотную занялась батиком — росписью по шёлку: несколько лет разукрашивала платки, шарфы и другие вещи, а потом дарила и продавала. Однажды мы с друзьями и учениками даже организовали собственную выставку. Правда, батик — довольно трудоёмкий процесс, так что когда родилась вторая дочка, то пришлось на время забросить и его — просто времени не хватало. Без творческой самореализации в самом скором времени почувствовала, что практически дошла до ручки, начала активно искать что–то новое и в конце концов занялась таким популярным направлением живописи, как скетчинг.

Новое хобби совпало с получением множества ярких эмоций и незабываемых впечатлений: в 2014 году мы с мужем и детьми на несколько месяцев укатили в Таиланд, так что первые скетчи появились на свет именно там. Наиболее удачные работы я стала выкладывать в Instagram, и сразу же посыпались вопросы: ой, классно, а как вы это делаете? Так родилась идея онлайн–школы рисования. Мой бесплатный авторский курс «Весёлый скетчер», состоящий из 7 видеоуроков, на сегодняшний день просмотрели более 5 тысяч человек, и все, кто с детства мечтал рисовать, но не знал, с чего начать и как подступиться, после просмотра поймали свою волну и с головой погрузились в творческий процесс. Секрет успеха в данном случае довольно прост: наконец-то у меня стало получаться так, как хочется, появилась возможность для воплощения в жизнь собственного стиля — именно то, чего так не хватало после института! Вернувшись к рисованию, я вложила в эти уроки максимум позитива, энергии и удовольствия от процесса — и вот результат!

Постепенно от простых скетчей перешла к более сложным, освоила акварель, которой многие люди изначально боятся, — она считается чересчур сложной: если, к примеру, неверный мазок масляной краской можно аккуратно снять и перерисовать, то здесь подобные фокусы не проходят. А я доказала, что акварель — эмоциональная, очень живая техника, которая может быть вполне управляемой, а может развиваться произвольно, независимо от художника. Рисование акварелью — это как игра: в одном месте ты руководишь процессом, а в другом — пускаешь всё на самотёк и оставляешь краскам полную свободу. В 2017 году состоялась моя первая персональная выставка — картины, написанные по мотивам путешествий по ближним и дальним городам и весям, после которой я почувствовала настоящую внутреннюю силу и готовность переходить моря и сворачивать горы! И Вселенная пошла мне навстречу: одна из моих работ была отобрана для участия в международном акварельном фестивале в итальянском городе Фабриано, проходившем в этом году с 3 по 7 мая. Фабрианский фестиваль — это как большой и красочный новогодний праздник для художников со всего мира: тёплая, дружеская, сердечная атмосфера, масса новых знакомств и интересных работ, представляющих собой совершенно разные уровни мастерства — как любительские, так и профессиональные.

В общем и целом на сегодняшний день я много рисую, плотно занимаюсь педагогической деятельностью, участвую в различных «акварельных» мероприятиях, ну и, конечно, стараюсь непрерывно развиваться и расти в творческом плане.

— Расскажите о том, что такое скетчинг. Каковы его главные отличительные черты? Сколько нужно учиться, чтобы стать профессиональным скетчером? Какие направления можно выделить в этом искусстве?

— Скетчи — это наброски, которые в прежние времена всегда считались чем–то вроде тренировки или разминки перед написанием серьёзного произведения и, разумеется, рано или поздно попадали в мусорное ведро, но со временем стали расцениваться как отдельный вид искусства. И это на самом деле очень круто! Рисовать скетчи можно чем угодно, по принципу кто во что горазд: карандаши, линеры — это такая разновидность гелевых ручек, маркеры, акварель, некоторые рисуют даже в планшетах. В качестве арт-объектов часто выступают городские пейзажи, природа, натюрморты с фруктами и пирожными, дикие и домашние животные, люди. В скетчинге чаще всего используются материалы, которые легко брать с собой путешествие: обычная бумага, блокноты, многие создают специальные тематические скетч-буки или трэвел–буки — нечто вроде художественного дневника, посвящённого творческому переосмыслению всего увиденного и пережитого в дальних городах и странствиях. Такие альбомы потом очень интересно рассматривать, они отображают окружающую действительность даже лучше, чем фото: обычно художник как бы погружается в ту или иную атмосферу, буквально впитывает её каждой клеточкой своего тела и старается по максимуму отразить свои эмоции и переживания на бумаге.

Кроме того, зачастую всё рисуется с натуры, дождь, снег и ветер принимают самое непосредственное участие в работе и тоже оставляют свой отпечаток в произведении. В любом городе при желании можно найти компанию единомышленников, с кем рисовать: соответствующие группы скетчеров, как любителей, так и профессионалов, активно пополняются и развиваются в социальных сетях. Из популярных направлений можно выделить так называемый урбан–скетчинг: это всемирное движение, зародившееся ещё в 2007 году, представители которого располагают собственным манифестом и фокусируются на создании репортажей — серии зарисовок городской, поселковой и сельской жизни на определённую тему. Отличительная черта урбан–скетчинга — отражение в живописи всех примет реального времени. Если акварелист, к примеру, скорее всего, не станет рисовать кондиционер, установленный на старинном здании, то урбанист изобразит всё как есть — и современные машины, и рекламные билборды.

Вообще наиболее характерные особенности скетчинга — лёгкость, быстрота и незавершённость: остальное во многом зависит от выбранной техники. Чтобы овладеть этим искусством, не нужно никакой специальной подготовки: просто берите в руки обычный карандаш и рисуйте наброски с натуры — то, что видите вокруг, начиная от кофе в чашке и спящей на солнышке кошки и заканчивая рекой с гусями и прорванной водопроводной трубой. Ну а если сразу не будет получаться, посмотрите мой курс «Весёлый скетчер»! Что же касается сроков обучения, то тут всё очень индивидуально. Если вы рисуете для собственного удовольствия, то порой учиться вообще не нужно, главное — побольше практики. Первоначальные навыки можно приобрести уже после одного–двух уроков, а количество рано или поздно перейдёт в качество. Зачастую именно у таких вот художников–любителей есть своя, уникальная и неповторимая творческая жилка.

Если же вам хочется реализма или известности, придётся заниматься всерьёз, чтобы научиться рисовать более сложно и виртуозно. Хотя, опять же, цвета, линии, композиция — все эти параметры в скетчинге абсолютно вариабельны и не привязаны ни к каким канонам и правилам. Исключение составляет уже упомянутый мной урбан–скетчинг — там существуют чётко прописанные законы жанра, по которым можно судить, является ли данная картина урбанистической или нет, обязательным является рисование исключительно с натуры и т. д. Последнее, кстати, актуально для абсолютного большинства скетчеров: когда рисуешь с фотографии — это совсем не то, не чувствуешь энергетику пространства, не проникаешься духом изображаемого места и текущего времени. Пожалуй, основное правило, которое я вывела для себя в процессе рисования, — держаться в тонусе, постоянно заниматься практикой. Если на протяжении долгого времени не занимаешься никаким творчеством — «рисовательные мышцы» постепенно атрофируются, а все полученные навыки забываются, хотя впоследствии сноровку восстановить легче, чем научиться сызнова.

— Какими принципами и методами вы руководствуетесь в процессе обучения рисованию? Каковы главные секреты хорошего скетча?

— Задачи, которые я ставлю перед своими учениками, логически вытекают из основной цели любого художника-реалиста — осознанно перенести трёхмерное пространство на двухмерную плоскость с соблюдением всех необходимых пропорций. По ходу обучения я стараюсь совмещать классические методы преподавания со своими собственными наработками, и процесс идёт: всё новые и новые люди с удовольствием осваивают азы рисования вообще и скетчей в частности под моим чутким руководством. Начинаем мы, как правило, с самых простых вещей. Первый шаг в освоении скетчинга — узнаваемость, правильно схваченный и тщательно воссозданный на бумаге силуэт. Если вы сумели добиться этого, считайте, что основа будущей картины заложена верно. Вторая ступень — создание намёка на объёмность изображаемых предметов, которая достигается с помощью малозаметных деталей: теней, штрихов, тонких линий. В какой–то момент очень важно остановиться, посмотреть на картину как бы со стороны, прикинуть, чего не хватает для придания художественной завершённости.

Третий момент, на который я всегда обращаю внимание своих «последователей»: лучше сразу учиться рисовать нестираемыми материалами. Таким образом мы, во–первых, боремся с перфекционизмом, желанием непременно сделать всё здорово и классно, которому здесь нет места, ведь задача скетчера — зафиксировать момент времени здесь и сейчас, со всеми достоинствами и недостатками. А во–вторых, овладение подобными инструментами рисования очень важно для новичков: когда знаешь, что не сможешь стереть неверный штрих или кривую линию, начинаешь более осознанно относиться к своей работе, внимательнее смотреть на вещи. Кроме того, в некоторых аспектах я иду против строгих академических традиций и предлагаю свой собственный путь: если в вузах учат рисовать от общего к частному, то я всегда советую начинать с главного, а второстепенные детали оставлять на потом и изображать намёками.

Вообще залог успешной работы, с моей точки зрения, — составленный заранее чёткий и подробный мысленный план–представление. Перед тем как приступить непосредственно к рисованию, необходимо тщательно изучить выбранную натуру или объект, подумать, о чём, собственно, будет изображаемая мной история, что именно я хочу сказать зрителю. Подобный анализ помогает создать композицию картины: так, фокус будет вот здесь, эту деталь я отброшу как несущественную, а вон тот элемент будет главным «действующим лицом». Соответственно, продумываешь, как лучше воплотить всё это в жизнь, какой выбрать формат, сколько времени уйдёт на создание картины и т. д. По сути, план — это и есть та самая осознанность, которой многим из нас так часто не хватает в повседневной жизни и которую я всячески стремлюсь пробудить в людях, решивших заняться рисованием.

Хотя, с другой стороны, в художественной импровизации иногда тоже кроется своя собственная непередаваемая прелесть, когда ты расслабляешься и просто делаешь, как получается. Впрочем, не стоит забывать, что в основе любой удачной импровизации лежит тщательная и глубокая подготовка. Подобные эксперименты будут успешными только в том случае, если умение отличать существенное от незначительного доведено до автоматизма, а видение и план будущей картины рождаются в голове сами собой — достаточно лишь как следует рассмотреть объект рисования. Стоит отметить, что иногда на осмотр местности и планирование уходит больше времени, чем на саму картину. Главное здесь — не переборщить, иначе будет неинтересно рисовать. Кроме того, зачастую в голове у художника одна картинка, а на выходе получается совсем другая: поэтому многим авторам и не нравятся впоследствии собственные произведения — изначально им всё виделось совершенно по–другому. Иметь чёткий и последовательный план, но при этом не привязываться к нему, чувствовать себя свободно, раскрепощённо и расслабленно — вот, на мой взгляд, залог по–настоящему хорошей работы!

— Расскажите о своих самых любимых картинах и истории их создания.

— Тут всё очень по–разному. Картину «Полёт белых мотыльков», к примеру, которая впоследствии отправилась покорять акварельные просторы Фабриано, я начала рисовать одной прекрасной тёплой ночью во Вьетнаме. Мы всей семьёй сидели за длинным столом, дети тоже рисовали, а папа готовил ужин из экзотических местных продуктов. Там же, в небольшой деревушке под названием Муйне, я однажды углядела очень живописные рыбацкие лодки, ну и, конечно, загорелась желанием запечатлеть одну из них на бумаге. Тут же подбежали колоритные местные дети, попросили посмотреть, что это я там такое интересное рисую, схватили картину и принялись самым наглым образом клянчить деньги! Я, конечно, на провокацию не поддалась и ничего им не дала, но они в итоге и сами вернули. Так появилась на свет «Лодка из Муйне».

Довольно любопытная история случилась в небольшом итальянском городке Ассизи, куда мы с подругой заехали после фабрианского фестиваля. Побывав на экскурсии, вдоволь полюбовавшись на развешанные вокруг красные и синие флаги, насладившись уникальной средневековой архитектурой и выпив по такому случаю за обедом по стакану восхитительного местного вина, мы уселись на живописной городской улице и принялись рисовать. И тут на меня напала сиеста: внезапно подступивший сон буквально валил с ног. Смотрю на готовую на 40% работу и чуть ли не впервые в жизни не знаю, что делать дальше! Отложила в сторону, чтобы не портить. Ладно, думаю, не страшно, у меня в коллекции уже есть хорошие итальянские пейзажи. Выпила кофе, минут через 20 относительно проснулась, снова взяла в руки незаконченную картину — и внезапно вспомнила, что я планировала нарисовать и как именно хотела это сделать. В итоге работа была успешно завершена, и сейчас является одной из самых любимых.

— Что бы вы могли напоследок пожелать читателям ТАЙМЕРА?

— Когда я всерьёз увлеклась рисованием, моя жизнь стала куда более яркой, насыщенной, наполненной положительными эмоциями и незабываемыми впечатлениями! Поэтому мои пожелания: живите интереснее, стремитесь к разнообразию, наполняйте каждый день увлекательными занятиями и смелыми поступками! Вот увидите: в самом скором времени вчерашняя серая повседневность заиграет новыми, необычными красками!

Беседовал Дмитрий Остапов

Contemporary Drawing — Художники

Современный рисунок — Художники

Ссылки на некоторых художников, которые рисуют:

Njideka Akunyili
njidekaakunyili.com /
http://hammer.ucla.edu/exhibitions/2015/hammer-projects-njideka-akunyili-crosby/

Дэвид Бейлин
https://www.bailinstudio.com/

Анна Баррибалл
http://www.frithstreetgallery.com/artists/works/anna_barriball/
untitled_vll

Джулиан Бивер
www.julianbeever.net/

Кент Беллоуз
http://www.bellows-exhibition.com/art forumgallery.com/artist/kent-bellows/

Джо Биль
www.joebiel.com/

Мэри Боргман
http://www.annnathangallery.com/-mary-borgman/
http://npg.si.edu/exhibit/drawing/borgman.html

Трой Браунтух
http://www.troybrauntuch.com/

Пол Кастер
http://paulcaster.com/?content%2F

Вия Целминс
http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=1048
mckeegallery.com/artists/vija-celmins/
hammer.ucla.edu / выставки / 2007 / vija-celmins /
www.tate.org.uk/art/artists/vija-celmins-2731

Амели Шабанн
http://ameliechabannes.com/selected-works/

Пол Чиаппе
paulchiappe.com/

Сью Коу
http://www.gseart.com/Artists-Gallery/Coe-Sue/Artworks/Coe-Sue-Sharpeville-3677.php

Драгана Црняк
http://www.draganacrnjak.com/

Сьюзан Д’Амато
www.susandamato.com

Адам Дант
http://www.halesgallery.com/artists/10-adam-dant/works/

Ричард Diebenkorn
https://drawingowu.wordpress.com/2011/10/09/richard-diebenkorns-ink-wash-drawings/
http://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/artistinfo.3930.
html? Artobj_artistId = 3930 & artobj_classification = drawing & sort
Order = ХРОНОЛОГИЧЕСКИЙ & pageNumber = 1 & lastFacet = sortOrder

Ann Diener
http: // anndienerart.com /

Антонис Донеф
http://blog.upandcoming-art.com/greek-artist-antonis-donef/
http://rosenfeldporcini.com/exhibitions/22/overview/

Бэйли Дуган
www.baileydoogan.com/

Марсель Дзама
www.davidzwirner.com/artists/marcel-dzama/
www.richardhellergallery.com/dynamic/artist.asp?ArtistID=3
https://www.artsy.net/artist/marcel-dzama

Роб Эванс
www.robevansart.net/

Александр Фарто (также известный как Vhils)
http://www.alexandrefarto.com/index.php?page=vhils

Дэн Фишер
http://www.alisonjacquesgallery.com/artists/39-dan-fischer/overview/
http://www.derekeller.com/artists/dan-fischer/featured-works

Zaria Forman
www.zariaforman.com/

Ричард Форстер
http://www.richardforster.net/

Джастин Франкавилла
http: // www.justinfrancavilla.com/

Рене Френч
http://reneefrench.blogspot.com/

Антонио Лопес Гарсия
http://www.amazon.com/Antonio-L%C3%B3pez-Garc%C3%ADa-Drawings/dp/1935202251

Джозеф П. Гергес
http://www.drawingcenter.org/viewingprogram/share_portfolio.
кубических футов в минуту? Pf = 1444

Эрик Герман
www.ericgermanart.com/

Ingwill M. Gjelsvik
http: // www.ingwillgjelsvik.no/tegning.htm

Энтони Гоиколеа
http://hifructose.com/2013/07/23/anthony-goicoleas-pathetic-fallacy-drawings/
http://www.ronmandos.nl/exhibitions/anthony-goicolea-0

Дамиан Гойдич
http://damianart.blogspot.com/?view=flipcard

Дэвид Хейнс
www.davidhaines.org/

Патрик Эрл Хэмми
patrickearlhammie.com/

Джейкоб Эль-Ханани
http: // hollyjohnsongallery.com / html / artistresults.asp? artist = 87 & testing = true

Стивен К. Харви
http://stevenharvey.wix.com/art#!portfolio

Susan Hauptman
http://forumgallery.com/artist/susan-hauptman/
http://www.luxartinstitute.org/Artist-Residency/Susan-Hauptman

Натан Хойер
http://www.drawingcenter.org/viewingprogram/share_portfolio.
кубических футов в минуту? Pf = 4645

Hipkiss
http: // www.hipkissart.com/index.html

Мэг Хичкок
www.meghitchcock.com/

Скотт Хант
www.scotthuntstudio.com/studio/?v=home

Анека Инголд
http://www.anekaingold.com/images.html

Ян Ингрэм
http://ianingram.com/

Эдгар Джеринс
https://www.facebook.com/pages/Edgar-Jerins-Drawings/1

100

5

Сальвадор Хименес
www.jimenezdesign art .com /

Софи Джодоин
www.sophiejodoin.com/

Патти Джордан
http://www.pattijordan.com/

Дарина Карпова
http://darinakarpov.com/

Уильям Кентридж
www.mariangoodman.com/artists/william-kentridge/
www.moma.org ›Посетите› Календарь ›Выставки
www.tate.org.uk/art/artists/william-kentridge-2680
www .gregkucera.com/kentridge.htm

Тоба Хедури
http://www.davidzwirner.com/artists/toba-khedoori/
http://www.regenprojects.com/artists/toba-khedoori/selected-works?view=multiple-sliders

Sol Kjok
www.solkjok.com/

Роберт Когге
http://local-artists.org/users/robert-v-kogge

Рикардо Ланзарини
http://www.xippas.net/artists/ricardo-lanzarini/

Beili Liu
www.beililiu.com/

Роберт Лонго
www.robertlongo.com/

Whitfield Lovell
http://www.dcmooregallery.com/artists/whitfield-lovell
http://www.smith.edu/artmuseum/On-View/Past-Exhibitions/Whitfield-Lovell

Миндаугас Лукосайтис
http://www.galerijavartai.lt/?menu=menininkai&itemid=21

Санграм Маджумдар
www.sangrammajumdar.com/

Джули Мерету
whitecube.com / artist / julie_mehretu /
www.mariangoodman.com/artists/julie-mehretu/
http://www.amazon.com/Julie-Mehretu-Drawings-Catherine-Zegher/dp/0847829804

Армин Мерсманн
www.arminmersmann.com/

Энтони Микаллеф
www.antonymicallef.com/

Итан Марроу
bigpaperairplane.com/

Wangechi Mutu
wangechimutu.com/
www.saatchigallery.com/artists/wangechi_mutu.htm
www.gladstonegallery.com/artist/wangechi-mutu/work

Джеймс Нельсон
http://www.mckenziefineart.com/exhib/nelson2014exhb.html

Odd Nerdrum
www.oddnerdrum.com/
forumgallery.com/artist/odd-nerdrum/
nerdrummuseum.com/

Пол Нобл
www.tate.org.uk/art/artists/paul-noble-2767
www.gagosian.com/…/paul-noble— 10 ноября 2011 г.

Хуан Пердигеро
www.juanperdiguero.com/

Раймонд Петтибон
http://www.davidzwirner.com/artists/raymond-pettibon/

Хлоя Пиене
chloepiene.com/
http://chloepiene.com/index2.html

Эрнест Пиньон-Эрнест
http://pignon-ernest.com/
http://www.widewalls.ch/galerie-lelong-ernest-pignon/

Диого Пиментао
http://www.yvon-lambert.com/2012/?page_id=252

Бен Польски
Бенхолли.tripod.com/benpolsky.htm

Джулия Рэндалл
www.julia-randall.com/

Паула Рего
www.saatchigallery.com/artists/paula_rego.htm
www.marlboroughfineart.com/artist-Paula-Rego-30.html

Ник Решетар
http://nick-reszetar.squarespace.com/

Дебора Рокман
www.deborahrockman.com/

Yehudit Sasportas
http://www.eigen-art.com/index.php? article_id = 719 & clang = 1

Фил Скали
www.philscally.com/

Сара Шнеклот
http://www.saraschneckloth.com/sara_schneckloth/d_r_a_w_
i_n_g_s / d_r_a_w_i_n_g_s.html

Холли Шорно
http://pavelzoubok.com/node/holli-schorno

Роберт Шульц
www.schultzdrawings.com/

Дженни Скобель
http://jennyscobel.com/works

Shelby Shadwell
www.shelbyshadwell.com/

Джозеф Сташкевеч
www.stashkevetch.com/

Даниэль Зеллер
http://www.pierogi2000.com/artists/daniel-zeller/

Правовое уведомление | Политика конфиденциальности | Политика использования файлов cookie
Присылайте комментарии или предложения об этом веб-сайте по адресу [email protected]

Больше, что бросается в глаза: современные рисунки в галерее Тейт — Тейт и т. Д.

Я думаю, что одна из вещей, которую люди склонны слишком много искать в искусстве, — это значение.И они имеют тенденцию проецировать смысл намного быстрее, чем мне бы хотелось. Если бы я был диктатором, диктатором искусства, я бы связал их и сказал: «Вот, посмотрите на это. И посмотри на это еще раз, и посмотри на это еще раз ». Вия Целминс в разговоре с Робертом Гобером, 2004 г.

Пол Чиаппе
Без названия 48 2010
Бумага, карандаш
3.6 × 3,4 см
© Джон К. МакГрегор, любезно предоставлено Полом Чиаппе и Мареной 139


Быстрый поток образов из телевидения, кино и Интернета в настоящее время воспринимается как доминирующий источник современной визуальной культуры, однако все большее число художников сегодня предлагают формы сопротивления мимолетному опыту изображений. Хотя они работают в основном с фигуральными мотивами, они меньше озабочены традиционными представлениями о сходстве или объективной истине, чем получением изображений, часто встречающихся фотографий или репродукций, из этого непрерывного потока и переработкой их, чтобы создать ощущение визуальной интриги и материального присутствия, которое побуждает зрителя остановиться и медленно и внимательно посмотреть на произведение.

Они делают это, используя заведомо непримечательные свойства рисунка, привлеченные его экономией средств и текучестью, как средством, позволяющим каждому художнику изобретать его заново. Это не означает, что они ограничиваются исключительно рисованием. Фактически, все художники, представленные здесь — Вия Селминс, Анна Баррибалл, Триша Доннелли, Дэвид Масгрейв, Питер Пери, Пол Ситсема и Люси Скаер — также работают в живописи, скульптуре или кино и демонстрируют свои работы в конфигурациях, которые не определены Средняя.Они могут не составлять ничего похожего на сплоченную группу, но все они используют рисунок, чтобы оживить представление и создание изображений, создавая решенные и тщательно проработанные части. Они разделяют пренебрежение шаблонными идеями рисования как наиболее подходящими для предварительных жестов непосредственности и спонтанности, вместо этого вкладывая время, навыки и подготовку в создание своего искусства.

Люси Скаер
Большая волна (расширенная) 2007
Перманентный маркер и карандаш на бумаге
Три панели, 150 × 141 см каждая
© Люси Скаер, любезно предоставлено Doggerfisher

Dove Allouche
4 248 м (Chutes de Séracs) 2011
Бумага, графитный карандаш, чернила
© Dove Allouche, любезно предоставлено Gaudel de Stampa, Париж

В настоящее время больше не возникает вопроса о том, является ли рисование основной, а не второстепенной или подготовительной дисциплиной.Еще в 1960-х годах такие художники, как Сол Левитт и Мел Бохнер, показали, как рисунок в самом широком смысле оказался в центре их стремления переопределить сами термины художественной практики. Позднее его валюта была подтверждена возрождением интереса к рисованию в 1990-х годах. В это время Уильям Кентридж, Раймонд Петтибон и множество молодых художников вывели эту среду на передний план современной практики, создав работы, которые последовали вслед за возрождением интереса к экспрессионизму и повествованию.Более чем десятилетие спустя обсуждаемые здесь художники также создают образные изображения на самые разные темы, но не заинтересованы в том, чтобы рассказывать истории или пытаться открыть окно в мир, или даже в выразительных жестах. Они изображают предметы и образы, которыми они хотят окружить себя, вместо того, чтобы свидетельствовать о постоянно развивающемся внутреннем или внешнем мире.

Вия Целминс
Интернет # 1 1999 г.
КОМНАТЫ ХУДОЖНИКОВ Тейт и национальные галереи Шотландии
© Vija Celmins

Продолжая линию исследований, которые такие художники, как Вия Целминс, Джаспер Джонс или Эд Руша исследовали в 1960-х годах, они намеревались вновь заняться идеями репрезентации и, таким образом, опровергнуть гринберговские опасения только формальными, абстрактными свойствами. живописи и скульптуры.В отличие от своих коллег, весьма отличительная работа Целминс привлекла международное внимание, которого она заслуживает, только в последние пятнадцать лет или около того. Однако молодые художники всегда восхищались ее картинами и рисунками, изображающими пустынные пейзажи, звездное ночное небо и океаны. Британский художник Дэвид Масгрейв включил свою работу в Living Dust , выставку, которую он курировал в 2004 году, и в каталоге описывает ее рисунки как «объекты, а также виды, и вид, который они подразумевают, является одновременно интимным и безличным, как послесвечение. о действиях нечеловеческих механизмов.Сюжеты изображений, несмотря на то, что они разделяют качество внушающей простор и сопротивление кадрированию, не являются сутью — фотография могла бы передать это гораздо более эффективно. Их непреходящим содержанием является скорее узкий, но бесконечный разрыв между нематериальным восприятием и его материальной записью ». Путь Селминс к своим объектам всегда опосредован через фотографию, но может пониматься как желание нарисовать и нарисовать то, что она увидела в непосредственной близости. среда ее студии в Лос-Анджелесе.

Она продолжала концентрироваться исключительно на рисовании в течение длительного периода времени, избегая рисования, которому она обучалась. Она сфокусировала этот сдвиг на « осознании того, что образ и опора могут объединиться, и сделать это можно с помощью карандаша », потратив следующие пятнадцать лет на изучение простой материальности графита и угля на бумаге, чтобы создать некоторые из них. ее самые известные работы. Селминс неоднократно возвращалась к одним и тем же изображениям, которые в последнее время включают паутину пауков, поскольку в конечном итоге они предлагают знакомый инструмент для исследования тонких различий в ее собственном настроении и в ее обращении с пространством.Она удерживает взгляд зрителя, вызывая бесконечную глубину в своих изображениях, и все же они постоянно напоминают глазу о своей неизбежной плоскостности, представляя собой не что иное, как монохромный графит, сидящий на поверхности бумаги.

Дэвид Масгрейв
Плоскость с перевернутой фигурой 2007
Графит на бумаге
630 x 503 мм
© Дэвид Масгрейв

Роберт Гобер
Без названия 2003
Блокнот, карандаш
15.2 × 24,1 см
© Роберт Гобер, любезно предоставлено Музеем современного искусства, Нью-Йорк / Архив SCALA

Собственные рисунки Масгрейва, как и его скульптуры, внушают, казалось бы, одноразовые изображения с серьезностью, сложностью и тонким присутствием, заставляющими зрителя смотреть более внимательно. Как и Целминс, он работает с ограниченным набором живописных мотивов. Его повторяющийся предмет — это фигурка или Голем, который в еврейской мифологии был глиняной фигурой, ожившей посредством вызова священного символа.Большинство его рисунков начинаются с предварительно созданного исходного изображения, которое создал Масгрейв, например, перевернутая фигурка, очевидно, быстро нацарапанная на карточке для самолета с перевернутой фигурой 2007, в результате чего получился слегка окрашенный рисунок, изображающий карту, его потрепанная поверхность и встроенное изображение до мельчайших деталей. Другие работы начинаются с небольших фигур, сделанных из обрывков бумаги или клейкой ленты, которые проверяют пределы узнавания как средство замедления обычной мгновенности идентификации человеческой формы.Как комментирует писатель и куратор Кейт Макфарлейн: «Его образы напоминают археологические фрагменты или граффити, высеченные на камне». А их эффект trompe l’oeil напоминает озадачивающие натюрморты Эдварда Коллиера (активный период 1662–1708 гг.), Примером которых является Trompe l’Oeil из газет, писем и письменных принадлежностей на деревянной доске c.1699. Рисунки Масгрейва придают вымышленным композициям убедительную правдивость.

Питер Пери
Деталь Утренний колокол (Триптих) 2004
Графит на бумаге
Деталь 25 x 33 см (25 x 87 см)
© Питер Пери, любезно предоставлено Bortolami Gallery

Хотя рисунки другого британского художника Питера Пери по тематике и стилю отличаются от рисунков Масгрейва, они обладают сверхъестественной способностью быть захватывающими, будучи репрезентативными изображениями, и в то же время напоминают зрителю, что это просто отметки карандашом на бумаге.Его графитовые рисунки на небеленой бумаге странных образных объектов или неопределенных архитектурных мест могут показаться одновременно запутывающими и интригующими. Как и его картины, они напоминают язык более ранней эпохи в искусстве, и все же они имеют присутствие, которое помещает их здесь и сейчас. Batchelors 2008 отличается башнеобразными скульптурными формами, которые кажутся монументальными, но не дают указания на масштаб. Кажется, что они состоят из органических форм жизни или крошечных волосков, которые демонстративно выходят за рамки воображаемых очертаний изображенных объектов, как будто у них есть собственная жизнь.При ближайшем рассмотрении падающие тени игнорируют перспективную логику, а стороны структур находятся в противоречии друг с другом, нарушая пространственную иллюзию. Head 10 2008 изображает трехмерную структуру, напоминающую модернистский скульптурный бюст на постаменте. И все же четкость изображения ухудшается, когда внимание привлекается к деталям тонких линий, составляющих формы. Зритель перемещается между пространственной глубиной изображенного изображения, а затем обратно на поверхность бумаги за счет детали линии карандаша — действие, которое один критик описал как колебание между «микроскопическим и макроскопическим»

Путь в котором эти художники и их коллеги в Соединенных Штатах проверяют пределы того, как рисование может заново изобретать идеи репрезентации, возможно, отражает растущее число художников, озабоченных конкретными материальными качествами выбранной ими дисциплины.(Примеры этого можно найти в нескольких формах искусства, таких как специальное исследование Тациты Дин уникальных качеств 16-мм пленки.)

Пол Сиетсема
Рисунок корабля (диптих) 2009
Чернила на бумаге
129 × 356 см
© Пол Сиетсема, любезно предоставлено галереей Мэтью Маркса, Нью-Йорк

Рисунки и фильмы Пола Сиетсема из Лос-Анджелеса демонстрируют криминалистический интерес как к материальности предметов, которые он показывает, так и к средствам массовой информации, которые он использует для их изображения, наряду с озабоченностью по поводу наследия прошлых эпизодов истории искусства и их артефактов.Безупречное качество фотографий его рисунков предлагает визуальное очарование, требующее тщательного изучения. Это особенно заметно в его диптихных рисунках морских судов, Рисунок корабля, и Рисунок лодки, оба 2010 года, каждый из которых точно воспроизводит обе стороны фотографического изображения, включая каждую вмятину, трещину и состарившуюся желтую отметину. Он описывает свое желание «расширить возможности медиума, заставляя саму среду стать более очевидным», часто используя пленку как еще одно средство, с помощью которого репрезентация объекта может быть как материальной, так и образной.Для Sietsema часы, потраченные на создание слоя за слоем для рисования, отражают слои его истории:

Итак, это лодка, запечатленная в океане, запечатленная на фотографии, фотография, сделанная на фотобумаге, и фотобумага, запечатленная на бумаге с рисунком … Мне нравится, как устаревшие слои пересекаются с устаревшим изображением морского путешествия. На лодке одна из фигур машет рукой — возможно, прощаясь с фотографией.

Триша Доннелли
Без названия (диптих) 2004
Бумага, тушь
42 × 29.7 см каждая
© Триша Доннелли, любезно предоставлено галереей Кейси Каплан, Нью-Йорк

Художница с Западного побережья Триша Доннелли (которая, как и Селминс, сейчас живет в Нью-Йорке) предполагает, что ее рисунки, а также скульптуры, фотографии и фильмы имеют живой заряд, который расширяет возможности зрителя от ее работы за пределами простого взгляда. Она часто добавляет слуховой компонент или мистическое повествование — если мы готовы приостановить свое недоверие.Куратор Лаура Хоптман описывает свои рисунки как «порталы», а Доннелли наделяет их почти талисманными свойствами, описывая их создание как механическую задачу, возложенную на нее. «Я думаю, что рисунки могут быть более интенсивной версией присутствия. Они могут действовать как действия. Они хуже. Еще ужаснее. Более далекий ». Например, художник утверждает, что первая часть Без названия (диптих) 200), рисунок, изображающий то, что может быть застывшей массой пространства или не поддающейся расшифровке органической формой, проникла через стену галереи, на которой он находится. завис, в результате чего вторая, более неземная, инвертированная версия того же изображения появилась сама собой на другой стороне.Вложение в материальную природу рисунка, в частности с использованием графита на бумаге, в работы этих художников не является ностальгическим возвратом к модернистским представлениям о « истине материалов », поскольку оно сдерживается многодисциплинарным подходом и приверженностью интеллектуальное стремление к тому, как изображения несут значение. Ощутимое физическое присутствие и визуально активные поверхности огромных черных рисунков Люси Скаер также «продлевают и исследуют акт взгляда», не в последнюю очередь потому, что их масштаб означает, что глаз не может воспринимать изображение целиком.На таких рисунках, как Death 2006, она строит изображение из крошечных узоров графитом или черным маркером, используя серые и черные спирали, чтобы как изобразить, так и нарушить ее живописный мотив, в данном случае — скелет кита. Она заинтересована в том, чтобы нарушить и сделать иррациональным традиционный акт репрезентации, создавая рисунки, которые по своему дезориентирующему размеру и плотности материала требуют того же физического присутствия, что и скульптура.

Анна Баррибалл
Без названия
Вид инсталляции в MK Gallery, 2011
Маркер на ветрозащитных полосах, металлические опоры
© Энн Баррибалл, любезно предоставлено MK Gallery, Милтон Кейнс

Другой рисунок шириной пять метров под названием Всемирный потоп 2008 берет за отправную точку рисунок Леонардо да Винчи, Потоп со скалами, наводнениями и деревом c.1516, но абстрагирует изображение в систематической матрице с плотным узором. Наблюдение за этой работой постоянно переключается между макромасштабом объекта и микродетализацией отметки, что оптически интригует, а временами поражает зрителя своей интенсивностью. Работы Анны Баррибалл, такие как Untitled 2009, объединяют параллельные практики скульптуры и рисования для создания предметов, которые находятся где-то между плоским изображением и трехмерным объектом. Созданная простым действием ее карандаша о бумагу по объекту, выбранному из ее повседневной среды, такая работа, как Brick Wall 2005, подчеркивает как физическую сущность исходного объекта, так и его последующее представление в виде изображения.Металлический графитовый блеск нарисованной поверхности придает изделию визуальную плотность, непрозрачность, которая продлевает процесс узнавания. Как и работы всех художников, обсуждаемых здесь, некоторые рисунки Баррибалла требуют огромного количества времени и труда для выполнения, хотя другие произведения являются результатом мгновенных, эфемерных актов производства.

Хотя сам процесс не мотивирует и не интересует Баррибалла или других, затраченное время, возможно, увеличивает скорость, с которой зритель знакомится с произведением.Как Масгрейв комментирует свои собственные рисунки: «Мне кажется, что все эти безвозвратные часы призрачно парит вокруг работы… Я надеюсь, что это замедлит скорость, с которой возможно переварить произведение».

— Работы Эдварда Коллиера включены в экспозицию Dead Standing Things: Still life 1660–1740 , куратор Тим Бэтчелор в галерее Тейт Британия, 7 мая — 16 сентября. Работы Анны Баррибалл, Питера Пери и Дэвида Масгрейва включены в экспозицию «Современные рисунки» в галерее Тейт Британия с 7 мая по 16 сентября. ХУДОЖНИКОВ КОМНАТА : Вия Селминс в галерее Тейт Британия весной. Пол Сиетсема находится в гостиной с 21 сентября по 10 ноября.

— Кэтрин Стаут — куратор (современное британское искусство) в галерее Тейт и заместитель директора гостиной в Лондоне. Ее книга « Drawing Now » будет опубликована Tate Publishing в 2013 году.

30 самых популярных современных художников

На основе международного отчета Artprice о популярных художниках на рынке современного искусства за 2017 год мы составили список из 30 современных художников, увиденных через призму аукционных продаж.От абстрактных изображений лиц до уличного искусства, эти популярные художники разработали уникальные способы демонстрации своего знаменитого современного искусства.

30. Синди Шерман (р. 1954)

Синди Шерман сделала себе имя благодаря серии «Кадры из фильмов без названия» (1977–1980), состоящей из автопортретов, на которых она разыгрывает женские клише поп-культуры 20-го века. Ее работы исследуют роли женщин на протяжении всей истории и в современном обществе и могут быть связаны с другими современными художниками и их абстрактными изображениями лиц.Как и некоторые другие популярные сегодня художники, она оставляет свои работы открытыми для интерпретации. Однако обычно он воспринимается как феминистский символ.

Синди Шерман

29. Лю Сяодун (1963 г. р.)

Лю Сяодун, возможно, один из величайших художников всех времен, известен своей сильной манерой письма, насыщенными цветами и точными формами. Он начал с традиционной манеры для создания чрезвычайно реалистичных предметов, но позже изменил свой подход и начал работать с кадрированным кадром, необычным использованием перспективы и использованием цветов для усиления эмоций.Лю рисует свои предметы в их естественном окружении, запечатлевая обычных людей в сложных местах, таких как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Его интимный подход и чувствительность к предметам — вот что делает его стиль живописи таким трогательным и мощным по сравнению с работами других современных художников.

Лю Сяодун

28. Сесили Браун (р. 1969)

Среди лучших современных художников лондонскую художницу Сесили Браун часто сравнивают с популярными художниками современности, такими как Виллем де Кунинг и Фрэнсис Бэкон, а также сравнивают ее крупномасштабные современные художественные картины с лицами и смелыми мазками и произведениями искусства. абстрактных экспрессионистов.Браун считается одним из главных факторов, повлиявших на возрождение живописи на рубеже тысячелетий. Ее картины наполнены эротическими фрагментированными телами среди ярких, пульсирующих красок. Критики воспринимают ее современную живопись неоднозначно, но она, безусловно, занимает важное место среди современных художников и на арт-рынке, недавно побив свой аукционный рекорд, продав за 2,2 миллиона долларов.

Сесили Браун. Фото: Марк Хартман

27. Лю Вэй (род. 1965)

Лю Вэй, уроженец Пекина, считается одним из самых талантливых современных художников Китая.В начале 90-х Лю Вэй и Фан Лицзюнь создали художественный стиль, известный как циничный реализм. Его работа противостоит скуке и бесцельности в современном обществе и выходит за рамки бинарных элементов, таких как восточная / западная культура. Именно это нарушение границ, отсутствие привязки к какой-либо одной школе мысли создает его уникальный стиль и делает его и его знаменитое современное искусство столь любимым сегодня во всем мире.

Лю Вэй

26. Микель Барсело (1957 г.р.)

Испанский художник Микель Барсело наиболее известен своей инсталляцией на потолке Палаты по правам человека и Альянсу цивилизаций во Дворце Наций ООН в Женеве.Эти разноцветные сталактитовые формы символизируют море и пещеру, противостоящие друг другу, но одновременно находящиеся в союзе. Его работы исследуют разложение, метаморфозы и течение времени и, помимо прочего, принимают форму абстрактных изображений лиц. В 2004 году Барсело стал самым молодым художником, когда-либо выставлявшим работы в Лувре в Париже.

Микель Барсело

25. Такаши Мураками (1962 г. р.)

Такаши Мураками, также известный как «Уорхол из Японии», известен своим слиянием изобразительного искусства и поп-культуры, часто ссылаясь на красочные аниме и мультфильмы манги для создания абстрактных изображений лиц.По словам Мураками, «японцы согласны с тем, что искусство и коммерция будут смешаны». Столь жесткую иерархию в искусстве навязывает Запад. Несмотря на это, Мураками также был полностью охвачен западным миром искусства, и его работы сегодня чрезвычайно востребованы в мире искусства.

Такаши Мураками

24. Гюнтер Ферг (1952-2013)

Гюнтер Ферг принадлежал к послевоенному поколению немецких популярных художников, выступавших против модернизма, и был одним из пионеров в выставлении многопрофильных работ.Картины современного искусства Ферга часто связаны с политическим климатом его эпохи в Германии и известны своими яркими насыщенными сплошными цветами. Он считался одним из самых интересных современных художников своего времени.

Гюнтер Ферг

23. Луо Чжунли (род. 1948)

Луо Чжунли — один из ведущих художников-реалистов Китая. В отличие от абстрактных изображений лиц других художников, его мощные фотореалистичные портреты людей из сельских районов на юго-западе Китая глубоко взволновали людей во всем мире; они словно открывают окно в жизни и души этих людей.Чжунли наиболее известен своей современной картиной «Отец», на которой невероятно детально изображено лицо китайского крестьянина. Сегодня он является одним из самых популярных художников среди китайских коллекционеров искусства.

Ло Чжунли

22. Нджидека Акуньили Кросби (р. 1983)

Вселенная, которую изображает в своих работах американка нигерийско-американского происхождения Нджидека Акуньили Кросби, по ее словам, не Нигерия и не Америка, а какое-то другое пространство, пространство, которое занимает каждый иммигрант.Акуниили Кросби создает красочные картины-коллажи, которые сочетают интимные моменты с коммерческими изображениями из Нигерии и ссылаются на историю Нигерии и постколониальное настоящее. Картины живут и дышат ее транс- и мультикультурным очарованием и самобытностью изобразительного искусства. Акуньили Кросби стала предметом разговоров в мире современного искусства, когда резко выросли цены на ее работы. В прошлом году ее работы перешли от продажи примерно за 100000 долларов к продаже более чем за 3 миллиона долларов, что наглядно демонстрирует, что она является одним из самых популярных художников сегодня.

Нджидека Акуньили Кросби

21. Шон Скалли (род. 1945)

Ирландский художник Шон Скалли часто работает с полосами, сетками и темными тонами, создавая свои характерные абстрактные работы. Всегда существует диалог между геометрией и мягкими гранями, что сам Скалли описывает как «битву между системой и эмоциями». Скалли родилась в Дублине, выросла в Лондоне и с 70-х проживала в Соединенных Штатах. Она несет с собой увлекательную коллекцию культурных влияний.Возможно, это одна из причин, по которой он заявил, что его большая китайская ретроспектива в 2015 году была для него самой важной выставкой, потому что, как он сам сказал: «Я всегда хотел, чтобы мое искусство было глобальным, а не локальным». И ему это, безусловно, удалось.

Шон Скалли

20. Чжоу Чуня (р. 1955)

Китайский художник Чжоу Чуня наиболее известен своей серией Green Dog , в которой он изобразил зеленого немецкого овчарка в различных позах и окружении.Его стиль часто описывают как гибрид западного модернизма, традиционной китайской живописи и социалистического реализма, что делает его искусство таким захватывающим. Чжоу считает себя, прежде всего, колористом, и его очаровывает значение, которое цвета порождают, когда люди думают о них. Он стал самым молодым художником, занявшим первое место в списке произведений искусства Hurun Art List в 2013 году, который на сегодняшний день составляет 100 самых популярных китайских художников по доходам от продаж на публичных аукционах.

Чжоу Чуня

19.Джордж Кондо (р. 1957)

В своих абстрактных изображениях лиц и тел Джордж Кондо играет с человеческими формами. Его картины, уникальные среди современных художников, украшены абсурдными, вырезанными, часто карнавальными персонажами. Хотя отсылки к Пикассо, Матиссу, Саю Туомбли, Гойе и Веласкесу очевидны в его вышеупомянутых абстрактных картинах лиц, нет сомнений в том, что Кондо разработал свой собственный очень значительный стиль. По его собственным словам, он исследует «личные, непривычные моменты или невидимые аспекты человечества.«После первого завоевания Европы Кондо позже вернулся в Нью-Йорк, где он начал свою карьеру в 80-х, и снова стал признанным благодаря своей современной живописи.

Джордж Кондо

18. Джон Каррин (р. 1962)

Джон Каррин, один из нескольких известных американских художников в этом списке, сфотографированный выше во время работы над портретом своей жены, известен своими соблазнительными, но в то же время отталкивающими картинами с похотливыми женщинами. Он сочетает в себе прекрасное и гротескное, и в его часто эротически заряженных работах можно найти влияние от картин эпохи Возрождения до журнальной рекламы 50-х годов.Возможно, именно его способность создавать современное искусство, не поддающееся вкусу, заставляющее вас и ненавидеть, и любить его, помогло Керрину стать одним из самых популярных художников сегодня и, возможно, одним из величайших художников всех времен.

Джон Каррин

17. Чжан Сяоган (р. 1958)

Один из многих современных художников из Китая, картины Чжан Сяогана связаны с концепцией идентичности в рамках китайской культуры коллективизма. Его работа сосредоточена вокруг концепции семьи, черпая вдохновение из семейных фотографий периода культурной революции.Как будто через память Чжан создает исключительно личную версию истории Китая.

Чжан Сяоган

16. Томас Шютте (1954 г. р.)

Томас Шютте, изучавший изящные искусства у Джерарда Рихтера в 1970-х годах и с тех пор оставивший свой след в мире искусства, исследует условия жизни человека через свое искусство. Как и другие современные художники, он предлагает критический взгляд на социальные, политические и культурные проблемы, бросая вызов зрителю своими запоминающимися образами и выражениями.В 2016 году он открыл свой собственный частный музей (присоединившись к элитной группе современных художников, включая Дэмиена Херста, который основал частные музеи) в Хомбройхе, Германия, посвященный исключительно его скульптурам.

Томас Шютте © Фото Альбрехта Фукса

15. Джефф Кунс (род. 1955)

Джефф Кунс — один из самых известных современных художников, который превращал банальные предметы в иконы изобразительного искусства, используя такие понятия, как знаменитости, медиа и коммерция. Поступая так, он показывает обществу зеркало и раскрывает его во всех его гротескных противоречиях.Его увлечение этими предметами также отражено в коммерческих материалах, которые он использует. Любите вы его или ненавидите, ему удалось покорить мир искусства и обеспечить себе постоянное место в качестве одного из самых популярных художников сегодня.

Джефф Кунс Портрет Кунстхаус Брегенц.

14. Марк Брэдфорд (р. 1961)

Марк Брэдфорд объединяет свои интересы к современной абстракции и городскому сообществу в своих фирменных коллажах с использованием смешанной техники.Его знаменитое современное искусство, охватывающее весь спектр коллажей, паблик-арта, инсталляций и видеоработ, исследует высокое искусство и популярную культуру. Он всегда ищет неудобные и противоречивые темы в обществе. Брэдфорд создал одну из самых обсуждаемых экспозиций за пределами американского павильона на Венецианской биеннале в этом году, ссылаясь на плантацию Вирджинии, принадлежащую Томасу Джефферсону и вдохновленную такими темами, как рост Трампа, насилие со стороны полиции и темнокожие жизни.

Mark Bradford Studio Лос-Анджелес

13.Альберт Олен (р. 1954)

Немецкий художник Альберт Олен, который стал заметным в 80-х годах как часть растущей художественной сцены Гамбурга. Олен использует импульсивность и эклектичность в своей работе, часто начиная с набора правил или структурных ограничений и используя свои пальцы, кисти, коллаж и компьютеры в качестве инструментов. В последние годы спрос на его искусство вырос в зоне роскоши арт-рынка, что заставляет некоторых сомневаться, изменит ли это восприятие его знаменитого современного искусства.

Альберт Олен

12. Ансельм Кифер (род. 1945)

Ансельм Кифер, немецкий художник, который учился вместе с другими популярными художниками, такими как Йозеф Бойс, занимается мифом, памятью и коллективной историей. Он считает, что важно противостоять своему (коллективному) пути, чтобы иметь возможность идти в будущее. Следовательно, его грандиозные скульптуры и абстрактные изображения лиц ссылаются, среди прочего, на национал-социалистическую архитектуру, поэзию после Холокоста и политику холодной войны, и он использует такие материалы, как сожженные книги, пепел и колючие ветви … В 2011 году Christie’s установила мировой рекорд по продаже работ Кифера, когда было продано «Неизвестному художнику» (1983) за 3 доллара.6 миллионов.

Ансельм Кифер

11. Адриан Гени (1977 г.р.)

Адриан Гени — румынский художник из Клужской школы. Его работы наполнены богатыми текстурами и цветами, а выразительные образы балансируют между ясностью и тусклостью. Его картины объединяют личные и коллективные страхи, травмы и воспоминания, обращаясь к ужасам европейской истории 20 -го -го века. В наши дни цены на работы Гени, такие как его абстрактные изображения лиц, резко выросли, и у него длинный список ожидания частных покупателей.Эксперты объясняют его огромную популярность на рынке современного искусства высоким спросом на живопись, его ограниченным объемом производства, нехваткой шедевров для продажи, доступной ценой по сравнению с верхней частью рынка и богатыми азиатскими покупателями.

Адриан Гени

10. Дэмиен Херст (род. 1965)

Дэмиен Херст — самый выдающийся член группы современных художников «Молодые британские художники», которая доминировала на сцене современного искусства Великобритании в 90-х годах.Херст — самый богатый из ныне живущих художников Великобритании, а также побил рекорд аукциона одного художника в 2008 году, когда он продал полную выставку « Beautiful Inside My Head Forever » за 198 миллионов долларов. Он наиболее известен своей серией известных произведений современного искусства, изображающих мертвых животных, сохраненных в формальдегиде, и своим алмазным черепом, For the Love of God .

Дэмиен Херст. Предоставлено художником

9. Цзэн Фаньчжи (р. 1964)

Цзэн Фаньчжи вырос в Китае во время Культурной революции, и этот опыт сделал его художником.Его работа указывает на его озабоченность проблемной историей современности, изоляцией и нестабильностью современной жизни. Он добился признания в 90-х годах за его современные живописные серии Hospital и Meat . Его работы можно узнать по его фирменному экспрессионистскому стилю, фигурам с большими головами и преувеличенными чертами, а иногда и по абстрактным изображениям лиц. В 2013 году картина Фаньчжи «Тайная вечеря » была продана на аукционе Sotheby’s в Гонконге за рекордные 23,3 миллиона долларов, что сделало ее самой высокой ценой за произведение современных азиатских художников на аукционе.

Цзэн Фаньчжи

8. Кейт Харинг (1958–1990)

Поп-арт и работы Кита Харинга в стиле граффити возникли в уличной культуре Нью-Йорка 80-х годов. Он оказался в процветающем сообществе альтернативного искусства за пределами галерей и музейных учреждений. Его современное искусство ожило на улицах, в метро и клубах. Харинг хотел посвятить свою карьеру созданию по-настоящему паблик-арта. На станциях метро, ​​на неиспользуемых рекламных щитах, он нашел средство для экспериментов и общения с широкой аудиторией.Работы Харинга остаются чрезвычайно популярными и по сей день, продаваясь на аукционах примерно за 6 миллионов долларов.

Кит Харинг

7. Ёситомо Нара (1959 г.р.)

Ёситомо Нара — одна из центральных фигур японского нео-поп-движения, создающая картины, рисунки и скульптуры детских персонажей. Эти персонажи глубоко вдохновлены популярной культурой, такой как аниме, манга, Дисней и панк-рок. Это влияние приводит к созданию милых, но в то же время тревожных и зловещих образов.Его современное изобразительное искусство занимается поиском идентичности в сегодняшнем быстро модернизирующемся, жестоком мире с его постоянными визуальными эффектами.

Ёситомо Нара

6. Ричард Принс (род. 1949)

Ричард Принс — один из современных художников, печально известных своим присвоением. Принц повторно использует изображения из СМИ, чтобы поставить под сомнение и пересмотреть понятия авторства и собственности. В своей серии «Ковбои» 1980-х годов он повторно сфотографировал рекламу Marlboro, чтобы запечатлеть этих мифических ковбоев крупным планом.В 2005 году его фотография Untitled (Cowboy) стала первой повторной фотографией, проданной на аукционе за более чем 1 миллион долларов. Совсем недавно он занялся Instagram, воруя посты в Instagram у нескольких молодых женщин и продавая их за огромные суммы. Последовавшие за этим споры и судебные процессы в некотором смысле являются частью произведений Принца.

Ричард Принс

5. Марк Гротьян (род. 1968)

Марк Гротьян — американский художник, наиболее известный своими абстрактными картинами лиц и геометрическими изображениями.Говорят, что его современный стиль живописи представляет собой сложный диалог с работами Казимира Малевича, Барнетта Ньюмана и Бриджит Райли. Гротян часто исследует исчезающую точку перспективы и работает с яркими красками. Спрос на работы Гротьяна неуклонно рос в последние годы.

Марк Гротян

4. Рудольф Стингель (1956 г.р.)

Рудольф Стингель — итальянский художник из Нью-Йорка. С 80-х годов современное искусство Стингеля занимается исследованием избранной им среды живописи и ниспровержением представлений об аутентичности, иерархии, значении и контексте.Ему интересно вовлечь аудиторию в диалог об их восприятии современного искусства и вовлечь их в процесс. После его выставки 2007 года в Музее Уитни в Нью-Йорке цены на Стингела взлетели до небес.

Рудольф Стингель

3. Кристофер Вул (р. 1955)

Кристофер Вул впервые сделал себе имя на сцене современного изобразительного искусства Нью-Йорка в 1980-х годах. Он наиболее известен своими картинами слов в современном искусстве, его фирменными белыми холстами с большими черными трафаретными буквами.Работает как Apocalypse Now («Продайте дом, продайте машину, продайте детям») и If You, («Если вы не поняли шутку, вы можете убраться из моего дома») за 15–30 долларов. миллиона на аукционе Christie’s.

Кристофер Вул

2. Питер Дойг (р. 1959)

Питер Дойг — шотландский художник, большую часть своего становления провел в Тринидаде и Канаде, а изучал искусство в Англии. Его современное искусство описывается галереей Саатчи как содержащее темы магического реализма, «запечатлевшее неподвластные времени моменты совершенного спокойствия, когда воспоминания из фотоальбома всплывают и исчезают из сна наяву.”Дойг черпает вдохновение из фотографий, газетных вырезок, сцен из фильмов, обложек альбомов и работ более ранних художников, таких как Эдвард Мунк. В 2002 году он снова поселился на Тринидаде, где открыл студию в Карибском центре современного искусства. В 2007 году его White Canoe были проданы на Sotheby’s за 11,3 миллиона долларов, что в то время было рекордом для живого европейского художника и является одной из причин, по которой он находится в нашем списке популярных художников.

Питер Дойг. Предоставлено галереей Майкла Вернера

1.Жан-Мишель Баския (1960-1988)

Жан-Мишель Баския, один из самых известных современных художников и американских художников всех времен, появился на американской панк-сцене начала 80-х в Нью-Йорке и быстро получил признание в международном искусстве за такие работы, как абстрактные изображения лиц. . Его «наивное» искусство умело сочетало стили и традиции, создавая произведения современного искусства в виде коллажей, которые часто отсылают к его городскому и афро-карибскому наследию. Картины современного искусства Баскии являются примером того, как контркультурная художественная практика может стать полностью признанной, принятой и знаменитой формой искусства коммерческими массами.Его абстрактные картины с лицами сегодня продаются по самым высоким ценам на арт-рынке.

Жан-Мишель Баския

Подробнее…

Если вы хотите познакомиться с миром современного искусства и его ключевыми игроками, изучите нашу серию статей, посвященную художникам, которые, каждый по-своему, раздвинули границы современного искусства, бросая вызов статус-кво и преследуя неизведанные художественные пути.

Соответствующие источников, чтобы узнать больше

Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь
Один раз, два раза, продано! Краткая история аукционов искусства

51 Самые популярные современные художники

Содержание Читайте последнюю статью о подземном кинотеатре Уорхола на Кунессе.

Что мы подразумеваем под «современным искусством»? Возможно, это потому, что термины «современный» и «современный» в английском языке по существу относятся к тому же самому, что, по нашему мнению, применимо и к искусству.Правда заключается в том, что, хотя современное искусство предлагает ясность с точки зрения того, что мы можем распознать как новое или, по крайней мере, более недавнее произведение искусства, и то, которое передает тему или настроение нашего времени, его определение оказалось немного немного сложно придавить.

Статьи по теме: 15 современных чернокожих художников, о которых каждый должен знать — Живопись маслом: разные художники и уникальные техники — 10 самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах

Известный современный художник

В то время как современное искусство предлагает ясность с точки зрения того, что мы можем признать новым, его определение оказалось немного сложным.Для нас в список включены те живые и умершие, чьи идеи изменили наше восприятие и чье искусство по-прежнему сильно влияет на времена, в которых мы живем. Среди этих 51 самых популярных современных художников мы хотели бы выделить американский компонент как культурный столп послевоенной истории искусства. Американское искусство не только вытеснило европейское по историческим причинам, но и по-прежнему преобладает в повествовании об эволюции искусства. Хотя совершенно невозможно ранжировать искусство и, следовательно, выбирать наиболее значимых или признанных художников, если мы спросим себя, что имеет значение сегодня? В каноне последних пяти десятилетий все они — всемирно известные американские художники, катализаторы современного искусства, постмодернистские провокаторы, которые в большинстве своем создавали проблемные, соблазнительные, жестокие и трогательные произведения искусства.От Синди Шерман до Джуди Чикаго, Джеффа Кунса и Дэмиена Херста — мы смотрим на более чем вековое революционное искусство.

В настоящее время существует несколько объяснений и описаний того, что такое современное произведение искусства или кого следует считать современным художником. Возможно, лучше сначала провести различие между модерном и современным искусством, чтобы избежать вышеупомянутого лингвистического указания. Грубо говоря, Современное искусство охватывает художественное производство между 1860-ми и 1970-ми годами, хотя для некоторых некоторые из авангардных движений начала 20-го века имеют тенденцию склоняться к современной категории, а не к современной.Искусство, созданное после Второй мировой войны, также описывается некоторыми историками как современное, в то время как другие считают современные произведения искусства произведениями искусства, созданными с 1970-х годов, когда также был придуман и введен термин «постмодернизм». Наконец, есть группа людей, которые называют произведения еще живых художников «современными» и сосредотачивают свое внимание на «произведениях искусства конца 20-го и 21-го веков».

Действительно, с точки зрения времени у нас может не быть точной информации, и хотя оба этих периода поощряют эксперименты и отход от традиций и искусства, какими мы его знали до конца XIX века, Современное искусство значительно более специфично, чем современное. искусство как эстетически, так и по смыслу. С постоянным развитием общества и технологий, «искусство сегодняшнего дня» открыло новые медиа, новые темы и новаторские способы представления, создания и презентации произведений искусства в необычной среде. Если мы решим отметить его начало, скажем, в 1960-е годы, мы увидим, что среди новинок у нас есть Happenings, Performance Art, Video Art, Street Art, цифровая фотография и совсем недавно дополненная реальность и искусственный интеллект. несколько. В 1950-х годах мы также стали свидетелями расцвета абстрактного искусства как прямого ответа на вездесущий реализм, и даже до этого кубизм и Марсель Дюшан поколебали само определение искусства.Таким образом, можно сказать, что современное искусство медленно проникало в историю, пока, наконец, не стало господствовать и сегодня — вероятно, до тех пор, пока кто-нибудь не изобрел термин «пост-современность», если они еще этого не сделали.

Итак, мы переходим к выяснению самых популярных современных художников современности.

Для нас в список включены те живые и умершие, чьи идеи изменили наше восприятие и чье искусство по-прежнему сильно влияет на время, в котором мы живем.

Среди 51 самого популярного современного художника мы хотели бы выделить американскую составляющую как культурную основу послевоенной истории искусства. Американское искусство не только вытеснило европейское по историческим причинам, но и по-прежнему преобладает в повествовании об эволюции искусства. В списке есть современные американские художники (мы выбрали только тех, кто родился в Соединенных Штатах, а не «приемных» художников), которые все еще находят отклик в дискурсе искусства и заставляют людей говорить.От Синди Шерман до Энди Уорхола — все они определяют современную эпоху, и с середины 20-го века их страна, Соединенные Штаты, была лидером на рынке искусства и в производстве «нового». Хотя совершенно невозможно ранжировать искусство и, следовательно, выбирать наиболее значимых или признанных художников, если мы спросим себя, что имеет значение сегодня? Ответ, или несколько ответов, будет: идентичность (как в искусстве Синди Шерман), отношения между оригиналом и копией, личная история в более широком контексте мировой коллективной истории (Нан Голдин), вопросы пола и гендера (Джуди Чикаго), злоупотребление властью (Дженни Хольцер) и жизнь чернокожих в Америке (Керри) Джеймс Маршалл).В каноне последних пяти десятилетий все они — всемирно известные американские художники, катализаторы современного искусства, постмодернистские провокаторы, которые в большинстве своем создавали проблемные, соблазнительные, жестокие и трогательные произведения искусства.

Синди Шерман

Одна из живых легенд фотографии и феминистского искусства (хотя она не считает себя феминисткой), Синди Шерман наиболее известна своими «кадрами из фильмов без названия», серией автопортретов, направленных на преодоление стереотипов в отношении как женщины смотрят в СМИ.Даже сегодня она сама по себе главный герой, режиссер, дизайнер костюмов и визажист, и ее работа продолжает влиять на многие поколения молодых фотографов всех полов.

Подробнее о Синди Шерман и женщинах в современном искусстве …

Жан-Мишель Баския

Молодой вундеркинд, рано ушедший из жизни в возрасте 27 лет, Жан-Мишель Баския оставил глубокий след в современном искусстве, но также и на улицах Нью-Йорка 1980-х годов, которые он обозначил своим прозвищем САМО.Его неоэкспрессионистские картины основаны на его смешанном происхождении и затрагивают такие темы, как расизм, бедность и универсальный человеческий опыт. Как Баския стал самым продаваемым американским художником?

Жан-Мишель Баския, Бэби-бум, 1982, Ян Карадек через Flickr

Кейт Харинг

Игривые фигурки, сияющие младенцы и лай собак в стиле поп-арт, созданные Китом Харингом в 1980-х годах, несомненно, являются одними из самых запоминающихся произведений искусства в истории искусства.Покрыв метро своими быстрыми рисунками, он двинулся рисовать фрески большого размера , но больше всего мы его помним, так это его приверженность политическим и социальным визуальным комментариям, особенно о гомосексуализме и СПИДе, от которых он умер в 1990 году.

Фреска Кита Харинга «Мы — молодежь» в Филадельфии, 1987 г. © Keith Haring Foundation

Откройте для себя работы Кита Харинга о Кунессе или узнайте больше о его карьере.

Дэмиен Херст

«Ужасный ребенок» современного искусства, Дэмиен Херст — член YBA, который в 2007 году провел печально известный аукцион своих произведений, который затем был распродан.Мы также до сих пор живо помним большой синий резервуар с настоящей акулой, а также точечные рисунки, произведения искусства с изображением сотен бабочек, скульптуры анатомии человека и алмазные черепа.

Найдите другие работы Дэмиена Херста о Кунессе

Дэмиен Херст на выставке Дэмиен Херст. Полное собрание точечных картин 1986-2011, Галерея Гагосяна, Нью-Йорк, 2012. Фото Эндрю Рассета через Википедию

Ансельм Кифер

Немецкий скульптор и художник Ансельм Кифер создает монументальные работы с использованием менее типичных материалов, таких как ясень, шеллак, свинец, солома и блестки.Эти произведения часто ссылаются на коллективную память и противоречивые факты из нашей истории, такие как правление нацистов, литературные произведения, мифология, а также на исторических личностей, которыми он восхищается, хотя, возможно, не на первый взгляд.

Ансельм Кифер, Ave Maria, 2007.

Марк Брэдфорд

Представитель США на Венецианской биеннале 2017 года Марк Брэдфорд — современный художник, работающий преимущественно с абстракцией. В своих работах, которые он любит называть «социальной абстракцией», обычно сочетаются краска и коллаж, а также бумага, собранная в Лос-Анджелесе, где он живет.Критики часто называют их «лирическими» и «грубыми», напоминающими пионеров такого искусства, как Роберт Раушенберг и Соль Левитт. 58-я Венецианская биеннале…

Джефф Кунс

Собаки-воздушные шары? Это откровенно сексуальный сериал «Сделано на небесах», который он снял с тогдашней женой Чиччолиной? А может, это Леди Гага и ее бал? Как бы то ни было, это сделало Джеффа Кунса одним из самых богатых современных художников, настолько, что у него даже есть собственная фабрика людей, которые помогают ему воплощать его творческие замыслы в реальность.

Джефф Кунс, Воздушный шар, Ким через Flickr

Откройте для себя все работы Джеффа Кунса, доступные на Kooness

Такаши Мураками

«Суперплоское» искусство Такаши Мураками, вдохновленное японскими традициями искусства и обществом его страны после Второй мировой войны, можно найти где-то между высоким и низким искусством — это означает, что они украшают сумки Louis Vuitton и другие предметы моды, но они также присутствуют в виде картин, скульптур, анимаций и даже в некоторых случаях музыкальных клипов.

JR

Для JR мир — это одна гигантская стена, на которую он наклеивает свои знаменитые проекты — «Наизнанку», «Женщины — герои» и «Морщины города» — лишь некоторые из них. Этот таинственный французский художник, скрывающийся за солнцезащитными очками и под шляпой, использует фотографию и концепцию уличного искусства, чтобы донести голоса до маргиналов и прославить личность.

JR, Inside Out NYC, май 2013 г.

Аниш Капур

Имя Аниша Капура можно встретить практически во всех аспектах искусства за последние четыре десятилетия: он выиграл премию Тернера, представлял Великобританию на Венецианской биеннале, создавал заказы для турбинного зала Тейт Модерн, а также «Облачных ворот» в Чикаго.Не будем забывать, что ему также принадлежат права на «самый черный черный» цвет из существующих, и что ваше отражение обязательно будет искажаться в его скульптурах. Узнайте больше о художниках-пейзажистах …

Аниш Капур, Перевернув мир с ног на голову, 2010 год, Музей Израиля, Иерусалим, доктор Авишай Тейхер.

Марина Абрамович

Более четырех десятилетий Марина Абрамович занималась искусством, не получив почти никакого признания.Все изменилось в 2010 году с выставкой «Художник присутствует» в MoMA в Нью-Йорке, когда она стала широко известна и теперь стала чем-то вроде знаменитости. Еще одно прозвище, связанное с ее именем, — «бабушка исполнительского искусства», в основном относящееся к радикальным работам, связанным с телом, с самого начала ее карьеры. Подробнее о Марине Абрамович …

Марина Абрамович, Художник присутствует, 2010, Музей современного искусства. Изображение Эндрю Рассета из Википедии

Шон Скалли

Один из самых влиятельных художников-абстракционистов своего поколения, Шон Скалли известен своими сетчатыми картинами, а также акварелями, скульптурами и гравюрами.Вдохновленный творчеством таких художников, как Марк Ротко, он создает узнаваемое искусство уже более шести десятилетий и входит в число современных художников, большинство произведений которых находится в крупных публичных коллекциях по всему миру.

Вертикальный мост и ночь Шона Скалли доступно на Kooness

Ай Вэйвэй

Часто называемый «артистом-диссидентом Китая», Ай Вэйвэй неоднократно попадал в беду из-за того, что открыто критиковал правительство своей страны.Его студия была разрушена, его паспорт конфискован, и он сам был также арестован, но это никогда не мешало ему создавать значимые произведения искусства, комментируя права человека, демократию и различные кризисы, с которыми мы, как общество, сталкиваемся ежедневно.

Ай Вэйвэй, Forever Bicycles , 2014. 1254 велосипеда. Размеры переменные. Вид инсталляции, Дельта Уоллер-Крик, Программа современного Остина — Музей без стен, Остин, Техас, 2017. Иллюстрация © Ai Weiwei Studio.Предоставлено студией Ай Вэйвэй и галереей Lisson. Изображение любезно предоставлено The Contemporary Austin / Waller Creek Conservancy. Фотография Брайана Фитцсиммонса.

Луиза Буржуа

На протяжении своей долгой блестящей творческой карьеры Луиза Буржуа создавала визуальный профиль своей жизни с помощью множества произведений искусства, многие из которых были произведены в больших масштабах. Ее детские травмы и отношения с родителями изображены в такой деликатной, но запоминающейся манере — подумайте о возвышающемся «Мамане», гигантском пауке, символизирующем мать художника. Дневник Луизы Буржуа «Жизнь, превращающаяся в произведение искусства» …

Луиза Буржуа, Maman в Цюрихе, Швейцария, 2011 г. Изображение из Википедии

Трейси Эмин

Ни один художник не подходит к своему искусству так глубоко, как Трейси Эмин. Еще одна YBA, она прославилась своей «Кроватью», инсталляцией, в которой ее настоящая кровать окружена беспорядком, как в прямом, так и в переносном смысле. Почти в каждом произведении искусства, когда-либо созданном, мы можем увидеть какой-то кризис, который переживает / переживает Эмин, через множество средств массовой информации, включая картины, рисунки, неоновые работы, кино, фотографию.

Трейси Эмин, я никогда не переставал любить тебя в Droit House, Маргейт, 2010. Изображение Кэти Хант из Википедии

Яёи Кусама

Самая известная современная художница в мире в 2015 году и один из самых значимых в Японии творцов искусства, Яёи Кусама — женщина, стоящая за «Зеркальными комнатами бесконечности», в которых все делают селфи, интригующими тыквами и бесчисленными точками в горошек. картины. Несмотря на внешнюю внешность, ее искусство, по признанию самого художника, несет в себе следы глубокого внутреннего беспокойства и влияния психологического расстройства.

Зеркало бесконечности Яёи Кусамы, изображение Пабло Тринкадо из Википедии

Эд Руща

Эд Руша, поп-художник, все еще более чем актуальный сегодня, начал с объединения слов и изображений в коллажах, используя повседневные предметы в качестве художественных материалов. Эта практика, основанная на тексте, похоже, уделяет одинаковое внимание как буквам, так и изображению на заднем плане, поскольку и то, и другое вносит свой вклад в общее настроение произведения. Этот особый стиль также можно найти в его фотографиях, картинах, гравюрах, рисунках и фильмах.

Христо (и Жанна-Клод)

Рожденные в один день, Христо и Жанна-Клод работали вместе на протяжении десятилетий, пока она не умерла в 2009 году. Затем он продолжил свое приключение в одиночку, и работы, которые он создал с тех пор, почти так же знаковые, как и те, которые они создавали вместе. Их искусство окружающей среды, которое обычно включает в себя упаковку архитектурных объектов в перерабатываемый пластик или окружающие им острова, может понравиться публике в таких городах, как Майами, Нью-Йорк, Париж и Базель. упаковка L’Arc du Triomphe в Париже в 2020 году.

Найдите другие работы Христо на Кунессе

Христо и Жанна-Клод, Плавучие пирсы, 2016. Изображение из Википедии.

Тарин Саймон

Комбинируя фотографию, перформанс, текст и скульптуру, современная американская художница Тарин Саймон создает мощные социальные комментарии на специфические темы. Она рассказывает истории о незаконно приговоренных к смертной казни; последствия человеческих изобретений; сайты, имеющие отношение к американской истории, которые скрыты от общественности… Саймон определенно не новичок в путешествиях по миру в поисках истории или ее частей.

Керри Джеймс Маршалл

Короче говоря, Керри Джеймс Маршалл можно охарактеризовать как летописца афроамериканской истории и жизни. Он особенно заинтересован в том, чтобы делать это в больших масштабах, с помощью картин и скульптур, которые часто уходят корнями в Движение за гражданские права и стремятся создать полную картину человечества, включая также чернокожих.

Вольфганг Тильманс

Уникальный наблюдатель нашего мира, Вольфганг Тильманс — немецкий фотограф, работающий с фоторепортажами, портретами и абстракциями, для которых он любит проверять пределы возможностей.Он был первым небританцем, получившим премию Тернера. Тильманс также работал с видео и сотрудничал с такими звездами музыки, как Фрэнк Оушен. Не пропустите нашу последнюю статью о Вольфганге Тильмане …

Нан Голдин

«Баллада о сексуальной зависимости» может быть одним из самых значительных произведений фотографического искусства. Это визуальный дневник Нан Голдин, в котором представлены представители андеграундной культуры, ее семья и друзья в суматохе Нью-Йорка 1970-х и 80-х годов.Совсем недавно фотограф участвовал в организации акций протеста в музеях за получение денег от семьи Саклер.

Дженни Хольцер

За последние несколько десятилетий многие общественные места часто занимала одна из работ Дженни Хольцер. Эта художница-феминистка обычно создает рекламные щиты, проектирует здания и улицы и использует светодиоды для выражения своих идей, но ее многослойная практика на этом не заканчивается. В последние годы Хольцер вернулась к своим корням — живописи, хотя ее более ранние работы по-прежнему привлекают наибольшее внимание благодаря ее творчеству.

Подробнее об одной из самых известных и провокационных женщин-артисток на Kooness

Олафур Элиассон

Датско-исландский современный художник Олафур Элиассон всегда создает искусство, заботясь об окружающей среде и опираясь на науку. Его общественные работы можно найти в городах по всему миру, в то время как его портфолио также включает в себя световые элементы, фотографии, городские инсталляции, такие как тот, что на реке Шпрее в Берлине в 1998 году, а также тающие айсберги, как показано в последних двух фотографиях. лет в Париже и Лондоне, чтобы напомнить нам об изменении климата.

Олафур Элиассон, Радужная панорама, 2011, Орхус. Изображение Йенса Седершельда из Википедии

Хито Штайерл

Получив известность за последние десять лет, Хито Штайерл интересуется технологиями и изображениями, а также их влиянием на общество. В первую очередь она известна своими видеоработами, которые часто раздвигают границы кинопроизводства как такового и пропитаны концептуальностью. Работы Штейерла можно было увидеть на известных биеннале, в том числе в Венеции, Стамбуле и Шанхае.

Люк Туйманс

Люк Тюйманс — современный бельгийский художник и один из немногих художников-фигураторов, которые все еще работают сегодня. Его работы основаны на фотографиях и кадрах из фильмов и в основном состоят из портретов и обыденных предметов, написанных немного размытой палитрой. Картины источают ощущение напряжения и постоянного страха; если они изображают умиротворение, тревожные названия этих произведений искусства должны нарушить его. Видение Люка Тюймана в стиле барокко в Fondazione Prada!

Лю Сяодун

Другой выдающийся художник Лю Сяодун — летописец современной жизни.Одна из фигур в группе китайских неореалистов в начале 1990-х годов, он писал на пленэре, связывая свои часто крупномасштабные картины с определенным местом и жизнью, которая населяет его. Искусство Сяодуна можно было воспринимать как живописный снимок впечатляющей непосредственности и глубины.

Ширин Нешат

Влияние на ее родину, Иран, на работу Ширин Нешат за последние несколько десятилетий огромно: ее самые известные сериалы, «Разоблачение» 1993 г. и «Женщины Аллаха» 1993-97 гг., Посвящены роли женщин в Исламское общество в тесной связи с сильным тоталитарным управлением.Ее фотографии, фильмы и видео по-прежнему затрагивают эти темы; В 2009 году Нешат получила Серебряного льва за лучшую режиссуру на 66-м Венецианском кинофестивале за свой дебютный полнометражный фильм «Женщины без мужчин».

Ширин Нешат, Мятежное молчание, Серия «Женщины Аллаха»

Роберт Мэпплторп

Захватывающая двойственность, которая характеризует изображения культового, неоднозначного фотографа Роберта Мэпплторпа, — это то, чего мы больше не увидим в нашей жизни; Диапазон мощного воздействия огромен, от самых нежных, чувственных изображений цветов до самых явных чувств БДСМ.К сожалению, жизнь и карьера Мэпплторпа были прерваны его безвременной смертью в возрасте 42 лет в 1989 году. Чудеса художественной фотографии!

Узнайте, как американский бит-артист Уильям Берроуз сфотографирован Мэпплторпом в 1982 году на Кунессе.

Ана Мендьета

«Через мои скульптуры земли / тела я становлюсь единым с землей … Я становлюсь продолжением природы, а природа становится продолжением моего тела.»

Так Ана Мендьета однажды описала свое собственное искусство, которое чаще всего основывалось на природе, но также и на ее собственной жизни на Кубе, а затем и в штатах, феминизме, духовности, насилии, идентичности. Вплоть до своей подозрительной смерти в 1985 году в возрасте 35 лет она работала с перформансом, скульптурой, живописью и, прежде всего, с видео — особенно заметны ее работы «Силуэта», «Ручей», «Очун».

Барбара Крюгер

Используя рекламу и средства массовой информации, Барбара Крюгер создала концептуальное современное искусство, призванное привлечь внимание, которое, безусловно, имеет.Произведения искусства, иногда размером с рекламные щиты, в основном «кричат» жирным шрифтом яркого цвета в виде мощных заявлений на фотографическом фоне, среди наиболее известных — «Я делаю покупки, поэтому я есть», «Ваше тело — поле битвы».

Барбара Крюгер в ACCA, Мельбурн

Кехинде Вили

В начале 2018 года в Вашингтоне, округ Колумбия, были представлены официальные президентские портреты Обамы, написанные Кехинде Уайли и Эми Шеральд, первыми чернокожими художниками, сделавшими это.Уайли нарисовал Барака, и, как и в других его сильно стилизованных портретах афроамериканцев, бывший американский президент также изображен на узорчатом фоне.

Цао Фэй

Яркий, вполне современный портрет современного китайского общества можно увидеть в мультимедийном портфолио Цао Фэя. Принадлежа к молодому поколению художников, она получила международное признание за свой кинематографический подход к своему окружению и людям в нем.

Дайан Арбус

Дайан Арбус была первым фотографом, который когда-либо участвовал в выставке Венецианской биеннале в 1972 году, через год после ее самоубийства.Хотя это определенно большая честь, то, что мы помним об этом выдающемся фотографе, — это ее острый взгляд на маргиналов — на ее знаменитых квадратных фотографиях живут люди, которые выделяются из «нормальных», тех, от которых мы часто отводим взгляд — вот почему с Арбус , они гордо стоят в центре внимания.

Люсьен Фрейд

Возможно, унаследовав от своего деда Зигмунда, Люсьен Фрейд интересовался психологическим аспектом портретной живописи. Его (часто обнаженные) модели давали ему возможность исследовать внутреннюю часть человека, изображая его внешность, и ох, каким грандиозным способом он это сделал.Фрейд также был известен тем, что его натурщики часами позировали, чтобы получить «правильную» картину.

Фрэнсис Бэкон

Страдания, ужас, обезображивание, навязчивая сила, кошмары; но также очень впечатляюще и уникально. Это религиозные, сексуальные необработанные картины Фрэнсиса Бэкона , человека, который не боялся быть честным в своем искусстве. Кричащий рот, повторяющаяся тема для Бэкона, как полагают, был вдохновлен фильмом Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» 1925 года и знаменитым кадром из него.

Дэвид Хокни

Легенда британского и мирового искусства, Дэвид Хокни — это человек, которому в 81 год принадлежит рекорд самой дорогой работы живого художника, проданной на аукционе, благодаря «Портрету художника» стоимостью 90 миллионов долларов. Бассейн с двумя фигурами) ». Более того, преклонный возраст не помешал ему создавать еще больше искусства с помощью средств, которые ему кажутся очень дорогими — iPhone и iPad.

Эль-Анацуи

Эль Анацуи, один из самых важных художников Африки и первый представитель Ганы на Венецианской биеннале 2019 года, отдает дань уважения своему наследию и культуре в своих работах, представленных во многих СМИ.Работая на своей родине и в Нигерии, он приобрел международную репутацию благодаря своему искусству инсталляции, в котором используются замысловатые тканые ткани, которые следует воспринимать как скульптуры, а не как текстильное искусство.

Эль Анацуи, Мужская ткань, 2001. Британский музей.

Бэнкси

Планетарный феномен, Бэнкси — псевдоним художника, личность которого известна только его семье, его ближайшим соратникам и горстке коллег-художников. Анонимность HI была предметом настоящих научных статей, и сага часто затмевает его умное искусство трафарета.Новые работы Бэнкси в наши дни всегда привлекают внимание заголовков, и, поскольку он безумно популярен, художник использует это, чтобы поддержать перемены в мире. Подробнее о Бэнкси …

Бэнкси, «Магазин до упаду», 2011. Изображение из Википедии.

Маурицио Каттелан

Если бы Марсель Дюшан был жив сегодня, он, вероятно, полюбил бы Маурицио Каттелана и ту сатиру, которую он использует, чтобы шокировать мир искусства. Современный итальянский художник, он наиболее известен гиперреалистичными скульптурами таких людей, как Папа (убитый метеоритом) и Гитлер (умоляющий о пощаде на коленях), а также такими вещами, как золотой унитаз, который он установил в Гуггенхайме в 2016 году, которую он метко назвал «Америка». Может ли искусство когда-нибудь быть смешным?

Маурицио Каттелан в 2012 году. Изображение из Википедии.

Джуди Чикаго

«Обед» Джуди Чикаго, синоним феминистского искусства, считается одним из центральных произведений искусства ХХ века. В 1979 году художник установил стол с сервировкой для 39 важных женщин в истории, на каждой из которых была керамическая тарелка, расписанная вручную Чикаго. Ее обширная практика включает рукоделие, а также такие навыки, как «сварка и пиротехника».

«Ужин», художественная инсталляция Джуди Чикаго, установленная в Центре феминистского искусства Элизабет Саклер в Бруклинском музее в Бруклине, штат Нью-Йорк. Фото: Дональд Вудман

Узнайте, как пионер-феминистка запустила Smoke Sculptures в Instagram

Гилберт и Джордж

Партнеры по жизни и искусству на протяжении более 50 лет, Гилберт и Джордж познакомились в художественном колледже и с тех пор неразлучны.Если кто-то живет и дышит искусством, то именно эти два человека часто называют свою практику одной из «живых скульптур». Гилберт и Джордж известны своими крупномасштабными фотоколлажами, в которых они изливают свое мнение всему миру без каких-либо возражений.

Гилберт и Джордж позируют для съемок на Хэнбери-стрит в Лондоне в 2007 году. Изображение взято из Википедии.

Андреас Гурски

Рекорд самой дорогой фотографии, когда-либо проданной на аукционе с 2011 года, дотошный немецкий фотограф Андреас Гурски использует цифровую технологию и камеру для получения детальных снимков различных предметов и пейзажей.Работая в цвете, он обычно фотографирует издалека, используя вид с высоты птичьего полета, в результате чего получаются завораживающие абстракции.

Ёситомо Нара

Ёситомо Нара — современный японский художник с весьма своеобразной эстетикой. Используя пастельные тона и минималистичный подход к деталям, он рисует, рисует и лепит большеглазых детских персонажей, явно невинных в юности, только для того, чтобы показать, что у них есть какое-то оружие. Работы Нары напоминают японскую мангу и аниме, а также поп-арт и комиксы.

Цзэн Фаньчжи

Выдающийся современный китайский художник Цзэн Фаньчжи подумал, что за его творческую карьеру стиль несколько изменился. Большую часть 1990-х годов продавались его серии «Маски», портреты и сцены, в которых символ маски играет центральную роль. После этого Цзэн медленно перешел к более сложной абстракции, характеризующейся множеством линий и захватывающих цветов.

Дженни Сэвилл

Художница, изображающая обнаженные женские тела, Дженни Сэвилл — юная художница, интересующаяся физическим телом человека, особенно кожей и объемом.Часто сравнивают с работами вышеупомянутого Люсьена Фрейда, ее картины в основном имеют большие размеры, и это результат исследования, проведенного художником, которое иногда включает в себя наблюдение за операциями пластической хирургии, а также исследования физических деформаций и травм. Картина Сэвилл «Приподнятая» была продана в 2018 году за 9,5 миллиона фунтов стерлингов, что сделало ее самой дорогой из ныне живущих художниц.

Кристофер Вул

Большие черные слова в стиле милитари, которые часто пропускают одну или две буквы на белом холсте.Эти концептуальные работы принадлежат Кристоферу Вулу и, кажется, вдохновлены техникой трафарета и граффити. Однако это не единственный его фирменный стиль: Шерсть также является автором многих абстрактных шелкографий и холстов, которые, кажется, будто он передумал в отношении произведения искусства и решил его вымыть побелкой.

Кристофер Вул в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, Жюль Антонио через Flickr

Лю Вэй

Работая с такими медиа, как видео, инсталляция, видео, живопись, скульптура и рисунок, Лю Вэй дает жизнь многослойным произведениям, сочащимся сатирой.Среди его наиболее известных работ — серия «Суперструктура», в которой представлены миниатюрные города из собачьих грызунов, а также «Серия пейзажей», в которой можно узнать человеческие ягодицы.

Лю Вэй, Люби это, кусай, 2005–2007, Марк Ватье через Flickr

Сесили Браун

В круговороте цветов, мазков и абстрактных форм Сесили Браун, пожалуй, можно узнать ее основные темы: порнография, человеческие отношения, сексуальность, чувственность.Ее работы были связаны с работами абстрактных экспрессионистов, а также с работами старых мастеров, таких как Рубенс. Картины Брауна часто называют именами известных фильмов и певцов.

Сара Лукас

В 2011 году издание Guardian охарактеризовало Сару Лукас как «самую дикую из молодых британских артистов, которая усердно устраивает вечеринки и создает провокационное, а временами по-настоящему шокирующее искусство». Невозможно описать искусство этого YBA с помощью только одного средства или стиля, но я скажу, что ее фотографические автопортреты выделяются в ее обширном, разностороннем творчестве.

Сара Лукас, Римляне, 2011. Варшавский музей современного искусства.

Энди Уорхол

Кажется, уместно закончить этот список самой иконой поп-арта. Энди Уорхол познакомил мир с совершенно новым взглядом на искусство и жизнь, а также на то, как эти два аспекта переплетаются. Среди его знаменитых работ — портреты Мэрилин Монро, обложка альбома The Velvet Underground, шелкография Campbell Soup Cans, журнал Interview… Что бы мы могли сказать, что еще не было сказано об этой заметной фигуре, знаменитости, гении рекламы и т. Д. умный бизнесмен, за исключением того, что его искусство наверняка будет жить для многих будущих поколений вдохновленных художников. Тысяча ликов Уорхола …

Найдите другие работы Энди Уорхола о Кунессе

Энди Уорхол, Джек Митчелл

Энди Уорхол — лучший художник, выставленный на продажу на Kooness

Читайте последнюю статью о подземном кинотеатре Уорхола на Кунессе

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнать больше о интересных новостях из мира искусства.

Аллегории модернизма: современный рисунок

Аллегории модернизма: современный рисунок провокационно исследует развитие рисунка с середины 1970-х годов.После Drawing Now , новаторской выставки в Музее 1976 года, которая задокументировала появление рисунка как основного и независимого средства выражения, Allegories of Modernism зафиксировала важную и многогранную роль рисунка в современном искусстве.

На выставке представлено около 200 работ более сорока художников из США и Европы. Он установлен в галереях Рене д’Арнонкура на нижнем уровне музея, в галереях рисунков на третьем этаже, в Садовом зале и галерее проектов, а также в нескольких «общественных» помещениях музея.

Многие художники сегодня задаются вопросом о природе и пределах рисунка. Используя широкий и часто авантюрный набор материалов и техник, они спрашивают не только, что такое рисунок, но и что отличает рисование от других занятий. В самом деле, как пишет Бернис Роуз в публикации, сопровождающей выставку, «формальная чистота рисунка не является проблемой и не вызывает особого беспокойства у художников. с живописью и живописными приспособлениями, с цветом и с самой краской.Различия между живописью и рисунком — и печатью — стали размытыми … Таким образом, за последние два десятилетия появился новый язык изобразительного искусства, основанный на расширенном поле деятельности для каждой из его дисциплин … »

Это «расширенное поле деятельности» проявляется в широком спектре работ на выставке и в проблемах, которые они поднимают. Взаимосвязь искусства с механизацией и технологией — проблема, которая актуальна для столь многих видов искусства сегодня, — поднята оттисками Нэнси Сперо и Кристофера Вул, которые обитают в регионе между рисунком и гравюрой, а также инсталляцией Джонатана Борофски, ориентированной на конкретное место. , в котором он использует технику, известную как ротоскопирование, для перевода рисунка в видео.Озабоченность постмодернизма фрагментом, «незавершенным» произведением искусства очевидна как в фотоколлажах Брюса Наумана, так и в инсталляции отдельных пастельных рисунков Франческо Клементе, которые помещают фрагмент в новый контекст. Когда-то общепринятое различие между рисунком и живописью ставится под сомнение работами на холсте Джулиана Шнабеля, Ричарда Принса и других. Взаимосвязь искусства с окружающей средой исследуется в комнатных инсталляциях Алланом Макколлумом, Стивеном Приной, Майком Келли и Зигмаром Польке, для которых, как пишет Роуз в сопроводительной книге, «выставка стала формой дискурса.”

Включены также примеры более традиционных рисунков, некоторые в форме записных книжек и учебных рисунков, выполненные Томом Оттернесом, Робертом Лонго, Терри Винтерсом, Мартином Пурье и другими. Также выставлены работы Мартина Киппенбергера, Янниса Кунеллиса, Шерри Левин, Эллен Фелан, Тима Роллинза + K.O.S., Сьюзан Ротенберг и других.

Аллегорический подход, который выражается в созерцании себя, тела, общества, границ модернизма и отношения рисунка к собственному прошлому, одновременно объединяет различные работы в Аллегории модернизма и делает их парадигмами проблем. и возможности, которые сегодня исследуют так много художников.

Организатор Бернис Роуз, старший хранитель Отдела рисунков Музея.

ТОП-100 мировых арт-аккаунтов в Instagram: Художники

Китайский художник Цай Го-Цян, наиболее известный своим использованием фейерверков и пороха, сумел обойти китайскую цензуру социальных сетей через свою студию в Нью-Йорке.Он ежедневно сообщает о своем продолжающемся увлечении взрывами в искусстве, а также регистрирует случайные посещения галерей и поездки на рыбалку.

Анонимный уличный художник из Бристоля Бэнкси — создатель гротескного, недолговечного тематического парка, владелец скандального отеля и звезда мировых аукционных залов — имеет аккаунт в Instagram с более чем 10 миллионами подписчиков, что столь же непредсказуемо, как и его искусство. .Новые проекты появляются без предварительного уведомления, каждый из которых содержит социально-политическую пищу для размышлений.

Восходящая звезда современного искусства, Дэниел Аршам использует свой аккаунт для поиска вдохновения, а также для размещения изображений своих слегка зловещих «разрушающихся» скульптур повседневных предметов.Еще у него есть завидная коллекция кроссовок.

В феврале 2021 года швейцарский художник Саймон Бергер попал в заголовки газет, когда представил Glass Ceiling Breaker , портрет вице-президента США Камалы Харрис высотой шесть с половиной футов из разбитого стекла, посвященный ее новаторским достижениям.В его ленте полно фотографий и видео с другими работами, которые он создал в этой великолепной среде.

Подобно цифровому каталогу raisonné, аккаунт Дженни Сэвилл посвящен крупномасштабным картинам обнаженных женщин, над созданием которых она работала последние три десятилетия. Также она иногда загружает фотографии студии, где работает над своими огромными холстами.

Королева концептуальной портретной фотографии Синди Шерман загружает примеры своих работ (иногда экспериментируя со встроенными фильтрами приложения) вместе с изображениями своих посещений выставок и прогулок по пляжу.

Джули Кертисс открывает окно в жизнь путешествующей по всему миру художника-миллениала, делясь своим богатым списком выставок и последними работами, которые она надеется показать после пандемии.Она также подчеркивает свои текущие интересы помимо искусства, в том числе снеговиков и одеяла, и регулярно сообщает о том, что посещает других художников, чтобы посмотреть, как они работают.

Отчет Джеффа Кунса раскрывает жизнерадостную человеческую сторону одного из самых успешных ныне живущих художников в мире.Между изображениями его любимых работ, каждое из которых дополнено кратким пояснением, семейные снимки напоминают нам, что он также является преданным мужем и отцом.

Американская художница-концептуалист Дженни Хольцер использует Instagram, чтобы делиться своими гипнотическими текстовыми протестами. Совсем недавно они приняли форму красных, белых и синих светодиодных вывесок и публичных выступлений, направленных на борьбу с социальной и политической несправедливостью.

Такаши Мураками был изобретателем термина «суперплоскость», который используется для описания японского поп-арта после 1990-х годов. Его лента в Instagram — это показ его мультфильмов, последних совместных работ с брендами и селфи со знаменитыми друзьями, в том числе двумя его самыми большими поклонниками, Канье Уэстом и Ким Кардашьян.

Британский художник Дэмиен Херст недавно начал загружать короткие видеоролики в свой аккаунт. В одних он предлагает истории, лежащие в основе его самых известных работ, а в других он отвечает на вопросы, заданные в комментариях, на самые разные темы, начиная от его навыков в снукере и заканчивая тем, предпочитает ли он Пикассо или Бэкона.

Живописец, скульптор и кукольник из Нью-Йорка Кара Уокер использует свой аккаунт, чтобы рассказать о том, что стоит за ее работами, которые касаются расы, пола, насилия и сексуальности. В недавних публикациях рассказывается о том, как сложилась ее комиссия для Турбинного зала Тейт и как это было показано в музыкальном видео певицы FKA Twigs.

Ганский художник Амоако Боафо в последнее время привлекает большое внимание, от ярмарок до аукционных залов. Известно, что его портреты, которые сравнивают с работами Эгона Шиле, продаются более чем в 20 раз дороже их оценки. В его аккаунте в Instagram есть обновления о его последних работах и ​​его недавнем сотрудничестве с Dior.

Между изображениями своих неокубистских картин, изображающих фигуры с выпученными глазами и прикусами, американский художник Джордж Кондо также делится изображениями своего рыжего кота, своей коллекцией джазовых пластинок и сменой времен года.

Вы когда-нибудь задумывались, чем занимается в свободное время художник Питер Дойг, работы которого продаются за рекордные суммы? Согласно его ленте в Instagram, он слушает записи Калипсо, гуляет по Токио и катается на каноэ в Тринидаде.Он также использует свою учетную запись, чтобы поделиться некоторыми из своих разрушенных работ, а также для поиска пропавших без вести.

В Instagram-аккаунте американского художника-художника Брайана Доннелли, или KAWS, как он более известен, можно переключаться между фотографиями его последних произведений-игрушек-мутантов и фотографиями его семьи и друзей.

Нью-йоркский фотограф Лорна Симпсон приобрела известность в 1980-х благодаря фотографиям, в которых текст сопоставлялся с постановочными изображениями. В ее аккаунте в Instagram делится ее последняя работа, в том числе обложка журнала Essence с изображением Рианны, которая недавно стала вирусной.

Рашид Джонсон находится в авангарде нового поколения афроамериканских художников-абстракционистов, создающих фурор. Он использует социальные сети для продвижения своих работ, выставок, интервью в СМИ и других художников. Он также чествует своих героев, в том числе покойную легенду баскетбола Коби Брайанта и рэпера MF Doom, а также свою мать.

Будучи заключенным в тюрьму в своем родном Китае в 2011 году и которому было запрещено покидать страну до 2015 года, Ай Вэйвэй, похоже, стремится наверстать упущенное: он является одним из самых активных пользователей Instagram в этом списке. Его отчет представляет собой цифровой дневник его путешествий, когда он открывает выставку за выставкой по всему миру.

Когда американский художник по видео и перформансам Дуг Эйткен готовится к своей выставке в конце 2021 года в Музее современного искусства Австралии, он использует Instagram, чтобы делиться работами, которые он делал во время глобальной изоляции. Преобладают две темы: мусор и танец.

Просмотрите вторую часть из 100 аккаунтов в Instagram в мире искусства, на которые вы хотите подписаться прямо сейчас: Кураторы, директора и галеристы

художественных видео | Музей современного искусства Кемпер

Маркировка относится к линиям, точкам, отметкам, узорам и текстурам, которые художники создают в своей работе.Отметки можно наносить с помощью различных инструментов с такими материалами, как (но не ограничиваясь ими) краской, чернилами, карандашом, маркерами, цифровым инструментом для рисования и царапинами на таких материалах, как глина или гипс. Они могут быть свободными, жесткими, сдержанными или аккуратными и часто вызывают эмоции. Для этого проекта вы создадите коллаж из рваной бумаги, используя бумагу, заполненную различными типами отметок, созданных инструментами и материалами снаружи и вокруг вашего дома, такими как ветки, ватные палочки, кухонная утварь, листья и даже кофе!

Продолжительность: 00:52

Этапы проекта:
1.Собирайте материалы снаружи и вокруг вашего дома, чтобы создавать свои инструменты, такие как небольшие ветки, листья, цветы, ватные палочки, ватные шарики, кухонная утварь, резинки, кофейная чашка, скотч, ножницы, зажим для папок или прищепка и маркеры. . Вам также понадобится несколько листов бумаги (по возможности разных цветов), кофе и краски.
2. Откройте для себя различные виды маркировки, изучая художников из постоянной коллекции музея Кемпера, таких как Элейн де Кунинг, Сай Твомбли, Джоан Митчелл, Джексон Поллок, Мигель Ривера, Виллем де Кунинг, Дженнифер Бартлетт, Хосе Бедиа, Дебора Дэнси. , Келти Феррис, Сэм Фрэнсис, Рашид Джонсон, Гильда Сноуден и Филипп Таафе.
3. Посмотрите видеоролик Virtual Playdate, чтобы узнать, как создавать различные инструменты для создания меток, а затем поэкспериментируйте с нанесением различных типов меток на бумаге!
4. Когда все высохнет, разорвите бумагу на разные формы. Разложите кусочки на листе бумаги или поверхности по вашему выбору и приклейте их, чтобы получился коллаж из рваной бумаги.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Авторское право © 2022 Es picture - Картинки
top