Как выработать свой стиль в рисовании: Стиль художественный. Как художнику найти свой стиль в рисовании? Часть I

Содержание

Как найти свой стиль художнику

Как же все-таки найти свой стиль? 

Эта статья для тех, кто уже неплохо рисует, но никак не может определиться со стилем.


Свой стиль собирается из того, что любо и дорого ТВОЕЙ душе.

6 шагов для определения своего стиля:


1. В первую очередь выбираешь тему: что хочется показать, и о чем хочется рассказать зрителям.

2. Чем и на чем будешь рисовать эту тему?

3. Потом выбираешь какие мазки, штрихи, приёмы… тебе нравится использовать.

4. Потом определяешь, как тебе больше нравится рисовать: все-все детально прорабатывать, или только главное, какие планы и ракурсы тебе интереснее?

5. Возможно, но не обязательно, уточняешь или ограничиваешь цветовую палитру. 

6. Потом делаешь серию работ по этой теме в этом стиле. 


И каждый раз с каждой новой картиной учишься, изучаешь и оттачиваешь приемы, чтобы до автоматизма, до совершенства. Ищешь способы и упражнения, чтобы улучшить, свое мастерство.

Учишься композиции и выразительности линий и пятен. 


Так появляется ТВОЙ стиль. 


Но не надо путать стиль (стилистику) и почерк художника. 
Это разные вещи. 
Чем стиль отличается от почерка? И что делать тем, кто не может заняться одной темой и бить в одну точку? Кого колбасит то от акварели, то от линеров, то от масла, то от пастели, то маркеры хочется попробовать… и никак не можете определиться, что рисовать: цветочки или морские пейзажи, или …  читайте до конца!

Стиль и почерк, чем отличаются?


У развивающегося художника каждая серия работ чем-то отличается и это нормально. Если художник не меняется, он застыл в своем развитии. 

Для каждой серии можно разрабатывать новый стиль или хотя бы улучшать, развивать старый. И это не только нормально, а желательно, чтобы не костенеть. 


ПОЧЕРК


А вот почерк — это то, что во всех сериях будет тебя выдавать.
Сам художник может даже не замечать свой почерк, а со стороны это часто видно. Когда много картин в разных стилях, а все равно чувствуется, что одна рука рисовала. Это само проявляется и это трудно изменить. 


Почерк — это проявление:
1. Характера (оптимист-пессимист, часто раздражаетесь или пофигист, это накладывается)
2. Физиология (один стремительный другой медлительный — мазки и линии будут разные)
3. И если хотите честно, это наши внутренние тараканы. 
У меня была ученица маленькая и хрупкая, а все рисовала огромным, часто натюрморт не влезал в формат бумаги. Она старалась рисовать меньше, но в процессе правки все в итоге опять укрупнялось. Сразу понятно, ей хотелось быть выше и значительнее. И это сильнее ее.

Почерк — это обычно проявление несознательное. Его можно менять только осознав и разобравшись с «тараканами».

Я люблю яркие краски, и когда пытаюсь писать серыми оттенками, я могу, но меня ломает , мне хочется добавить цвета  — это почерк. Таракана я ловить не пыталась, хотя надо, это даст больше свободы, тогда я смогу писать красками хоть ярко, хоть в серых тонах по желанию.

СТИЛЬ


А стиль выбирается осознанно.
Он создаётся художником как мозаика из кусочков, которые любишь. Как его создавать я написала выше.
Конечно, часть стиля будет состоять из вашего почерка. Но часть, вы можете добавлять и менять по своему вкусу.

Сейчас все советуют выбрать одну тему (портрет, натюрморт, сюжет…), один материал (акварель, масло, акрил…), определиться с техникой (штрихи, мазки, линии, палитра…) и доводить это до совершенства, не отвлекаясь на другие темы, материалы и техники. 
Да, это идеальный вариант  

Но это программа для роботов.

А мы живые люди. Нам нравится разное, нам скучно рисовать одно и то же.

Нужно ли нам себя ограничивать? 


Ни в коем случае!
Вы замечали, что когда хотите рисовать одно, а надо как бы другое, то вы вообще не рисуете ничего.  
Было такое?
Вдохновились чем-то, к примеру цветочком, и захотелось нарисовать, но мы придумали себе, что нужно рисовать только кораблики и море, а цветочки ни-ни, это не наш стиль. Представьте, что внутри вас начинают бороться два таракана Хочу и Надо, даже если кто-то победит, вы в любом случае потеряете кучу сил, потому что оба таракана берут силы у вас. 

А если борьба долгая, то вы в это время сидите в соц.сетях, пьете чай, что-то смотрите, или начинаете срочно наводить порядок или… что вы обычно делаете создавая видимость бурной деятельности, чтобы не делать важное? 
А в создании своей стильной серии не продвинулись ни на шаг. 


У вас так бывает? 
Что же делать? 


Нужно разложить все по полочкам!


1. Найдите все свои рисунки, лучше фото рисунков (даже проданных и подаренных).
2. Рассортируте их по папкам.

Цветочки акварелью в одну папку, море маслом в другую, мотоциклы и велосипеды в третью, портреты в четвертую. … одиночные картинки в отдельную папку «всякое».
Сортируйте по какому-то признаку. У вас получится несколько серий. Посмотрите, как сделала я на этих фото. «Минутки счастья» — одна серия, «Цветотерапия» с кляксами — другая, третья «Ягодки», графику тоже разделила…


3. Вспомните ощущения в процессе над каждой серией и сравните, из какой серии рисунки вам больше нравятся в результате. Та серия, которая радует и в процессе и результатами — пусть будет основной. Я, например, больше всего люблю акварель, и кайф испытываю от клякс. Поэтому кляксы моя любимая серия, а еще мне нравится придумывать сюжеты на тему «Минутки счастья» — но я устаю, когда начинаю их рисовать, а сами картины в итоге нравятся, поэтому эта серия важна для меня, хотя наполняется медленнее.

А однажды случилась любовь с черным блокнотом, но она быстро прошла, поэтому эта папка не пополняется, и меня это не напрягает — я получила свои минутки счастья, зарядилась от рисования белой ручкой и после этого родились новые акварели для ведущих серий.

Рассортировав свои работы, вы увидите, что именно вам нравится рисовать и какие серии можно сделать ведущими, а какие для наполнения себя счастьем и энергией (которые можно даже не показывать зрителям). 
Возможно вы поймёте, в какую точку вам нужно бить, какие из серий могут стать вашим творческим лицом для продвижения себя как художника, иногда отклоняясь на другие темы для наполнения вдохновения и снова возвращаясь к ведущим сериям. 


И ни в коем случае не ограничивайте себя! 

Во-первых, так вы теряете энергию. 
Во-вторых, художник рисующий одни и те же сюжеты быстро становится скучным для своих зрителей, иногда надо показывать что-то неожиданное или менять стиль.

В-третьих, никому не нужны ваши страдания и мучения 

А если вы только учитесь и рисуете пока по МК, то сортируя свои рисунки по отдельным папкам вы тоже можете понять любимые темы и материалы, и понять какой материал и тему сделать основными для изучения. Ведь вы не на все подряд МК ходите 

Рисуйте с удовольствием и никогда не сдавайтесь!

С любовью, Мила Наумова.

Полезно? 

Поделись, или сохрани для себя, чтобы не потерять:

Creative Pep Talk: найти свой стиль

Здесь мы возвращаемся снова к сравнению стиля и голоса. И говорим о том, что если голос — это то, что мы сознательно открываем/раскрываем/находим в себе (оно там уже существует естественным образом), то стиль — это осознанные решения, которые мы принимаем. Другими словами, стиль — это матрица для принятия визуальных решений, которую ты создаешь и развиваешь в течение какого-то времени.

Тут я хочу привести пример из своей практики со студентами, а именно, из ежедневных скетчбуков: на каждом курсе у студента есть ежедневный скетчбук, в которым нужно каждый день рисовать, примерно по +/- часу.

Темы скетчбуков разные, в начале курса мы фокусируемся скорее на знакомство с техниками и материалами, постепенно углубляемся в определенные техники. Перед ежедневным рисунком я советую ученику проанализировать предыдущий рисунок, найти то, что работает, и то, что плохо, и сделать лучше, подходить осознанно и последовательно, а не просто пробовать всё подряд. Иногда достаточно наточить карандаш для лучшего результата.

Дальше описан достаточно спорный для меня вопрос: Энди говорит о том, что многие ожидают, что стиль как бы сам собой поднимется на поверхность, если много рисовать.

А я ведь действительно так периодически утверждаю, говоря: «расслабьтесь, рисуйте ежедневно, анализируйте, и стиль найдется сам собой».
Тут я поняла, что противоречу сама себе, потому что в одном предложении призываю и расслабиться, и анализировать. Видимо, я призываю успокоиться, потому что студенты обычно ищут стиль с какой-то панической скоростью, часто слепо копируя, прыгая от одного к другому, упуская шаг принятия решений, который идет после анализа.

Мы не просто анализируем, — мы принимаем решение, хорошее решение потом становится правилом и записывается в наш личный стайл-гайд.

Мне кажется, осознание контроля над процессом, именно осознание того, что независимо от случайности эксперимента, от непредсказуемости результата, общий процесс — контролируемый и последовательный, — должно давать силу и спокойствие. Здесь незачем паниковать, потому что твой судья — твой хороший вкус, который и ведет тебя, и всегда поможет здраво оценить результат.

И когда ты начинаешь принимать решения, и анализировать, какие из них хорошие, а какие плохие, собирать хорошие решения в некую систему — тогда и формируется твоя внутренняя система, позволяющая на практике принимать эти решения в считанные секунды.

Как иллюстратору найти себя | SKVOT

На обложке — работа Daria Far для Парка Горького

Поиск авторского стиля в иллюстрации — задача важная и непростая. Каждому хочется быть такими же, как Сол Стейнберг или Арт Шпигельман, но не у всех получается.

В своей колонке лектор курса «Иллюстрация» Daria Far (Даша Фартушняк) объясняет, зачем искать свой стиль и какие «драконы» могут встретиться на этом пути. А еще успокаивает тех, кто свой почерк пока что не нашел.

Зачем нужен свой стиль

Многие хотят найти свой стиль, потому что так диктует эго: хорошо же, когда тебя как художника узнают, а твое видение считают авторитетным. 

Но эта история — не только про самоутверждение. У сформированного авторского почерка есть и вполне утилитарная функция: он помогает клиентам понять, чего ожидать от тебя как от иллюстратора

Иллюстрация «с именем» может стоить очень дорого, потому что тут есть добавочная ценность — личный бренд. Но авторский стиль не гарантирует бесконечного денежного потока. Наоборот: заказов обычно не так много — но это справедливая плата за индивидуальность.

Мне очень нравится иллюстратор Эмбер Виттория. У нее куча проектов с известными компаниями, но она время от времени спокойно пишет: «Сейчас у меня нет заказов». В такие паузы она находит новых клиентов или продает свои принты в разных размерах и ценовых категориях — совмещая все возможные источники дохода.

Просчитать уровень дохода никогда не получится наверняка. Сейчас есть большой клиент, а через месяц — нет. Ты можешь одновременно рисовать и за $2500, и за $100. Но, скорее всего, гонорары у тех, кто нашел свой стиль, будут выше, чем у тех, кто рисует «что закажут». Иллюстратор с авторским подходом — в меньшей степени ремесленник, чем тот, у кого своего подхода нет.

Поиск стиля — не разовая акция, он складывается и перескладывается годами. Но это того стоит: со своим стилем тебе будет комфортнее в иллюстраторском мире, и именно за авторской оригинальностью придут клиенты.

Что мешает стилю формироваться

На пути к своему авторскому стилю иллюстратор часто встречается с «драконами» — предубеждениями, которые мешают добраться к цели. Рассказываю, какими они бывают и как их победить.

#1. Меганасмотренность

Главный «дракон» — не слабая, а чрезмерная насмотренность. Когда следишь за разными иллюстраторами, хочешь не хочешь, а начинаешь копировать их приемы. 

Лучше смотреть в смежных сферах: искусство и дизайн — коммуникационный, моушн. Я часто захожу в журнал it’s nice that и его ютуб-канал с лекциями и talks с дизайнерами и художниками. Еще смотрю блог иллюстраторской премии The AOI — там много рисунков в разной стилистике.

Если я все-таки использую референс, то стараюсь нарисовать максимально по-своему. Чтобы не скопировать лишнего, а все-таки создать свою версию, советую не ставить референсы в рабочем поле программы, когда рисуешь.

Посмотреть курс

 

#2. Авторитеты сферы

В разных сферах — разные авторитеты стиля. И если собираешься сохранить свой подход, лучше найти соответствующую среду. 

Например, если хочется рисовать милых животных, лучше идти в издательство детских книг, а не к крупному автобренду. Если у тебя дарксайдовский стиль (любишь черный цвет и рисовать дьяволов), вряд ли будешь коммерчески успешен в иллюстрациях для социальных медиа. Лучше пойти в анимационную студию, где сможешь спокойно создавать такие миры.

Но если долго бить в одну точку, может и получиться. Например, Филип Паговски создал логотип-сердечко для Comme des Garçons «вживую» — руками, а не на компьютере. Но таких случаев — один на миллион, в брендинге и айдентике подобное редко увидишь.

Иллюстрация — не про реальное изображение, а про образность. Аудитории нравится что-то иногда даже сюрреалистическое, когда заложенная иллюстратором метафора не с ходу считывается. Поэтому (и это хорошая новость) все больше клиентов готовы к визуальным экспериментам. 

Например, недавно довольно серьезный клиент утвердил мою иллюстрацию — хоровод мухоморов — про рост продуктовой команды. Метафора там простая: команда быстро выросла, как грибы после дождя, и работает сплоченно и весело как семейство.

#3. Деньги

Иллюстратор — в чем-то ремесленник: ты выполняешь задачу в заданных координатах и часто по референсу. И даже в таких условиях можно сделать все немного по-своему. 

Да, ты делаешь то, за что платят, но попытайся в каждую такую работу по максимуму запихнуть своего стиля и настроения. Понятно, если нужно сделать иллюстрацию в стиле гравюры — вряд ли получится нарисовать розовых бабочек. Но хоть одну бабочку можно засунуть. По итогу заказчик будет в принципе согласен (потому что все по брифу), но из таких вот маленьких дополнений сложится намек на твой стиль.

Когда я работала в дизайн-студии, каждый месяц приходилось рисовать в абсолютно разных стилях. Тогда у меня уже начал складываться свой подход и было сложно себя перекроить. Я поступала так: соглашалась с тем, чего хотел клиент, а потом добавляла свои простые формы и цветовую палитру.

В итоге я смогла многие студийные проекты использовать для своего портфолио. Иллюстраций «четко по референсу» оказалось меньшинство — и их я никогда никому не покажу:)

#4. Тренды

В иллюстрации трендовыми могут быть сразу несколько стилей. Нет жесткого стиля, которому нужно поклоняться. Например, flat- и outline-иллюстрации до сих пор никуда не делись, 3D тоже в тренде. Если хочется акварели — можно пойти в книжную иллюстрацию, там она всегда остается, это классика.

В 2014 году на dribbble были сплошь полигональные ломанные формы. А сейчас — человечки с большими ногами и маленькими головами. Ксоана Эррера задала для фейсбука такую стилистику иллюстраций — и во всех приложениях и интерфейсах стали рисовать таких человечков.

Гротеск — это клевый тренд, но нужно искать свои выражения лиц, формы. Я купилась на эти аморфные фигуры, когда они еще не были мейнстримом. Тогда мне это казалось свежим, а сейчас этот прием используют многие иллюстраторы. Но я все равно люблю эти пропорции, просто делаю их по-своему: 

Иллюстрация для SKVOT-курса. Источник: far-studio.es

#5. Монотонность

Чтобы сохранить интерес к делу, многие иллюстраторы ищут для своего стиля новые формы — например, делают скульптуру, арт-объекты или мерч. Создал видеопроекцию, написал картину маслом для интерьера — уже веселее. Еще можно придумать себе нового персонажа. Например, часто рисуешь девушек, а крокодилов не умеешь, — месяц рисуй крокодилов.

В Британке на курсе Виктора Меламеда есть такое упражнение: за короткое время 30 раз нарисовать один и тот же сюжет. В новой композиции, в новом стиле — так нащупываешь новый вектор, в котором хочется рисовать.

Еще помогает просто переключиться на что-то другое. Например, год назад я посмотрела на свое портфолио и подумала, что мне это все не нравится — какие-то цветные пятна простецкие. Пробовала что-то рисовать по-новому, но тоже не понравилось. А потом 2 месяца занималась проектом вообще без иллюстраций. По итогу я вернулась к тем же пятнам и контраформе — и они мне показались самыми замечательными и «моими».

Конструктор своего стиля 

Нужно взять абсолютно все свои работы и перенести их на артборд. Пусть там будут твоя цветовая палитра, линии, свет и тени, способ отрисовки головы и глаз. Из всего этого выбираешь, что тебе больше всего нравится — что может стать твоей фишкой.

Например, у тебя есть вайб рисовать глаза-рыбки. Старайся делать это во всех своих проектах. Иллюстратор не всегда может подписать свою работу, но в узком кругу арт-директоров и дизайнеров по этим рыбкам поймут, кто нарисовал картинку.

Обязательно включай свои работы в каждый свой мудборд для клиента. Так сможешь протянуть свой стиль из проекта в проект — и тебя начнут узнавать.

Приглашения на открытие — айдентика для катка в Парке Горького. Источник: far-studio.es

Стиль — не the must

Есть сферы, в которые совсем не обязательно заходить с собственным стилем, — и это окей. В медиа у иллюстратора постоянно новые сюжеты — и можно рисовать в разных стилистиках. В книжной иллюстрации тоже большое пространство для эксперимента: от волшебных сказок — до взрослых повестей. Еще вариант — рисовать иллюстрации для стоков

Кому-то интересно быть максимально мультидисциплинарным — участвовать в разных проектах, подстраиваться под разные задачи. Например, в крупной анимационной студии на 50 человек иллюстратору со своей особенной стилистикой не место. Там он не сможет делать «свои» работы — но сможет стать частью чего-то большего. И это тоже классно.

как найти свой стиль / Елена Матеуш

В рамках проекта Ирины Лакото «Твори просто круглый год» кроме упражнений и творческих практик она проводит для нас бонусные эфиры, где по задуманной теме и нашим вопросам рассказывает о чём-то. Уже были эфиры о развитии художественного вкуса, о том надо ли посещать выставки, прокрастинации, о пользе чтения. В каждом из них мы узнаем что-то полезное. Но эфир «Как найти свое направление и стиль в творчестве» оказался для меня особенно полезен.

Эта тема — поиски собственного стиля, — меня волнует уже наверно с год. Я вижу, что с одной стороны, научилась рисовать достаточно хорошо. С другой — мне не хватает академической школы и вряд ли я уже достигну в этом высот. В моём возрасте нет смысла тратить годы на овладение академическим рисунком,, знанием анатомии и прочим, что и даёт умение рисовать реалистично на высоком уровне.

Вместе с тем сегодня современнее искусство и не требует знать всё это в обязательном порядке. Существует множество техник и направлений, позволяющих художнику реализовать себя, не рисуя как Леонардо.

Поэтому я представляла поиски своего стиля как поиск техники, позволяющей использовать свои сильные стороны и прятать слабые. Но эфир Ирины заставил посмотреть на эту тему под новым углом. Я изложу услышанное тезисно.

Тема стиля возникла у нас ещё в начале проекта, когда мы выбирали марафон, который будем проходить в июне и большинством голосов выбрали «Безумное чаепитие или поиски собственного стиля». Пройдя его, я (и видимо не только я) почувствовала какую-то незавершенность. Что-то во время марафона я нащупала, но сказать, что нашла свой стиль не могла. Поэтому с нетерпением ждала обещанного эфира, где надеялась получить ответы.

1. Многие из нас выбрали марафон из-за обещания выработки «уникального индивидуального стиля», и это вполне объяснимо. Мы воспринимали «стиль» как возможность добиться успеха в творчестве, выделиться из общей массы.

2. Желание Признания – одна из наших базовых потребностей. Даже тот, кто говорит, что занимается творчеством для себя, на самом деле хочет признания. Это желание обязательно возникает, если то, чем занимаешься, много значит для тебя и ты в него вкладываешь силы и душу.

3. Признание можно получить или случайно, или как результат твоего труда. Случайное признание может стать своеобразной клеткой, когда человек вновь и вновь повторяет то, что сделало его знаменитым. Актёр вновь и вновь играет один и тот же типаж, художник рисует варианты одной и той же картины, писатель пишет и пишет рассказы про популярного героя, хотя им это уже осточертело. Лишь успех, ставший результатом труда человека, его профессионального роста, будет прочным.

4. Стиль складывается из нескольких компонентов, каждый из которых важен: творческой манеры, мировоззрения, жанра, техники, темы. Важны и такие вещи, как реалистичность или стилизация, композиция, колористика. Творческая манера зависит даже от врожденных особенностей человека. Одному нравится тщательно, долго вырисовывать множество мелких деталей. У другого — энергичный мазок, размашистая, экспрессивная манера. Мировоззрение — это представления художника о мире, его отношение не только к искусству, но вообще ко всему. Об этом я как-то не задумывалась, но действительно — взгляд человека на мир будет определять выбор тем, чувства и настроения, которые воплотятся в его произведениях.

5. Индивидуальный стиль – это отпечаток личности, результат саморазвития. Это ответ на два вопроса по поводу вашего творчества — «Что и для чего?» ты делаешь. Уникальный индивидуальный стиль художника появляется не оттого, что мастер набрал технического мастерства, но только тогда, когда у него есть что сказать миру. Эта мысль стала для меня совершенным открытием. Так высоко в своих мыслях я не взлетала, и эфир заставил меня задуматься об этом.

6.Ответом на наши ожидания и непонятки по прошедшему марафону стали слова Ирины: Никто не может научить тебя твоему стилю. Это ты должен выработать сам и процесс это очень долгий и трудный. Художник должен искать и совершенствоваться на протяжении всей жизни.

7. Стиль появляется только тогда, когда у тебя есть желание что-то сказать миру. Уникальный индивидуальный стиль нужен только профессиональному художнику. Тем же, для кого творчество лишь хобби, уникальный стиль не нужен.

Я профессиональным художником быть не планирую, но здесь подбадривающе прозвучал пример с Сильвестром Сталлоне. Он не только известный актер, но и неплохой художник-любитель.

то есть всё же можно найти такую нишу, где ты максимально реализуешь своё увлечение, не становясь в этом профессионалом. Потому что мне всё-такихочется расти, совершенствоваться в рисовании, быть чем-то большим, чем просто рисующим только для себя человеком. Признаюсь, желание признания, пусть и на самом скромном уровне, мне свойственно.

Всё это о стиле в рисовании. Но то же верно и для любого творчества. 

Учимся рисовать с Академией re:Store — Блог re:Store Digest

В партнёрстве с передовыми музыкантами, художниками и фотографами России мы бесплатно учим своих клиентов и просто всех желающих творить с техникой Apple. Сегодняшняя подборка лучших лекций Академии re:Store посвящена работе с графикой.

Как научиться рисовать, какие программы использовать и где черпать вдохновение? Узнаете в этой подборке.

Максим Костенко: как рисовать персонажей для фильмов

Максим Костенко — иллюстратор и дизайнер, автор нескольких персонажей из фильма «Фантастические твари и где они обитают» и «Монстр-траки». Работы Максима известны в области рекламы, анимационных и художественных фильмов.

В рамках лекции Максим Костенко расскажет, как создавались персонажи из фильмов «Монстр-траки» и «Фантастические твари и где они обитают». Вы узнаете о правилах работы в киноиндустрии и всех этапах разработки персонажей к фильмам на Mac.

Программа лекции:

1. О специфике работы в киноиндустрии. Что должен знать и уметь художник для работы в кино?
2. Процесс создания персонажей для фильма «Фантастические твари и где они обитают».
3. Основные этапы разработки персонажа.
4. Правильное использование фототекстур для придания реалистичности персонажу.

Екатерина Петропавловская: fashion-иллюстрация

Екатерина Петропавловская — fashion-иллюстратор и блогер, основатель проекта kateillustrate. Она начала рисовать всего 3 года назад, но уже работает с известными брендами по всему миру.

Среди клиентов Екатерины — TOD’S, «Дикая Орхидея», Danyl Marr, Lost Ink, LUSH и другие. Её работы публиковались в журналах NewJet, BLOGGMAGAZINE, CosmoGIRL. В мае 2016 года Екатерина была приглашённым спикером на конференции TEDx в Риме.

В рамках лекции Екатерина расскажет, как работать в цифровом пространстве, используя планшет Wacom и Adobe Illustrator. Вы узнаете, что такое fashion-иллюстрация, где она используется и какие художественные приёмы характерны для направления fashion.

Программа лекции:

1. Коротко о лекторе, текущих и завершённых проектах.
2. Что такое fashion-иллюстрация и где она используется?
3. Как стать иллюстратором: первые заказы, коллаборации, профессиональный рост.
4. Что лучше: цифровое пространство или аналоговые инструменты?
5. О векторной графике и создании fashion-иллюстраций в Adobe Illustrator.
6. Как создавать fashion-иллюстрации с эффектом «рисунок от руки» в Adobe Illustrator при помощи MacBook и планшета Wacom Intuos Pro.
7. Как продвигать свои работы.
8. Ответы на вопросы.

Александр Григорьев: как придумать сюжет иллюстрации и найти свой стиль

Александр Григорьев — художник-иллюстратор. Работал в таких известных изданиях, как GQ, Men’s Health, TimeOut. Один из 200 лучших иллюстраторов мира по версии немецкого агентства «Архив Люцерна».

Александр расскажет, как разработать собственный стиль и научиться рисовать узнаваемые иллюстрации. Вы узнаете, как придумать оригинальный сюжет и создать эскиз на iPad.

Программа лекции:

1. В чём разница между иллюстрацией и рисунком.
2. Как научиться рисовать истории и иллюстрировать тексты?
3. Что такое авторский стиль в иллюстрации и как его найти.
4. Как находить оригинальные сюжеты, которые станут основой вашего стиля?
5. Как собрать оригинальные сюжеты с помощью iPhone или iPad.
6. Как создать эскизы с помощью iPad и Procreate.
7. Ответы на вопросы.

Сохраните подборку себе, чтобы не потерять. Приятного просмотра!

Это не все лекции Академии re: Store о рисовании. Смотрите вторую подборку здесь.

как создать свой стиль рисования — 25 рекомендаций на Babyblog.ru


Ну вот сидел себе ребенок, рисовал по утрам и вечерам, увлеченно так, с душой, никого не трогал. Нет, приспичило опять матери найти закономерность и выявить подход)))

Алиса сейчас очень много рисует. Я бы даже сказала, что это ее конёк и страсть. Иногда мне кажется, что если в доме спрятать все игрушки, то она заметит даже не на этой же неделе. А вот если убрать карандаши и бумагу, то уже с порога ребенок заподозрит, что в доме что-то неладное.


С самого детства я старалась привить ребенку две вещи: любовь к книгам и любовь к творчеству. Мне казалось, что это должно идти из детства, и точно могу сказать, что пока у меня хорошо получается.

Мне кажется это справедливо для любой дисциплины: дети танцующих родителей танцуют, поющих — поют, спортивных — занимаются спортом, чистоплотных — поддерживают порядок. Не сразу, не обязательно в два или в три года, а со временем. Главное, делать это вместе и с увлечением. Потому что только родительский пример и родительский авторитет в первую очередь формирует интерес, привычки и образ жизни.

Поэтому с самого раннего детства я создала вокруг Алисы развивающую творческую среду. На видном месте в зоне доступности всегда лежали материалы для рисования и лепки. Уже в 6 месяцев я посадила Алису рисовать на ватмане и на себе. Я всячески способствовала тактильным ощущениям, поощряла «пробу материалов», и, конечно, рисовала и что-то вазюкала рядом сама. Не буду описывать подробно, потому что по сути весь мой дневник об этом. Тогда мы жили в квартире с белыми стенами, и муж авторитетно заявил, что если ребенок вдруг проявит интерес к нашим «полотнам» — пусть, перекрасим. Но почему-то Алиса интереса не проявила. Может быть потому что на полу всегда были расстелены ватманы, закрепленные малярным скотчем, и этого оказалось достаточно.

Лирическое отступление

Творчество — это не только создание картин, поделок и аппликаций, это еще и умение нестандартно мыслить, совмещать несвязанные между собой идеи. Это способ самовыражения, который, безусловно, делает нашу жизнь не просто ярче и увлекательнее, но и позволяет развить ключевые навыки успеха в современном мире — умение делать открытия, не бояться нового, искать оригинальный подход и создавать интеллектуальную собственность.

Регулярное творчество в жизни ребенка способно решить огромное количество задач: развить фантазию и воображение, построить и закрепить нейронные связи в мозгу, связав воедино обоняние, осязание, зрение и даже слух; развить мелкую моторику, научиться самостоятельно решать задачи (ведь творчество — это всегда процесс, а не только результат), познать окружающий мир и себя, ведь через творчество дети приходят к движению, чувствам, эмоциям, и их надо научиться анализировать и управлять ими.

Главное, что нужно родителям во время творчества — непредвзятость. Ну и еще бумага, карандаши, краски, ножницы и пара простых инструментов.

Рисование на произвольную тему

Ну это самое простое, когда ребенок просто берет карандаши и творит без моих комментариев. Это полностью самостоятельная работа от идеи до воплощения. В таких рисунках может появляться сюжет, герои могут перемещаться, рассказывать необычную историю, воплощаются реальные фантазии.

На картинке: крокодил, утконос, змей-горыныч и наша комната с котом, которого мы оставили на ночь у дверей, чтобы он отпугивал мышек.


От таких рисунков не требуется реалистичность, я никогда не скажу, что у Алисиной лисы хвост неправильной формы или что у вороны не бывает такого клюва. У крокодила не уместился хвост, и она решила, что логичнее не рисовать хвост совсем, чем обрывать его. Это ее фантазии, и я не хочу подавлять ее желание творить на свое усмотрение.


Проба материалов

Это то, что часто еще называют «правополушарным рисованием». На самом деле по сути это создание абстрактного, но всегда необычного и красивого полотна с помощью подручных средств, нестандартных приспособлений, использования различных техник. Во время такого рисования ребенку можно показать, что можно рисовать вилкой на фольге, из разноцветных рваных бумажек сделать аппликацию гор, сделать штамп из пластилина или наносить узоры на лист сельдереем. Можно катать стеклянные шарики по гуаши, можно рисовать на молоке, можно мыльными пузырями, рисовать белым восковым мелком узоры и закрасить сверху лист акварелью, глядя, как узор проявляется. В общем, идей необычного рисования великое множество. Что-то я черпаю из интернета, что-то придумываю сама, а многое из книг ArtLab, где очень удачно собраны самые интересные идеи творчества (я писала обзор на эти книги здесь, они все еще актуальны для нас).


Все это дает огромный потенциал для развития собственной фантазии, не загоняет в рамки, что рисовать можно только на листе и только краской и карандашом. По сути все эти способы рисования учат ребенка нестандартно мыслить и находить решения необычным путем.

Вот тут у меня собрано много идей рисования и творчества в разном возрасте.

Реалистичное рисование

С недавних пор, когда я увидела, что Алиса уже прошла многие стадии дошкольного рисования и пришла к желанию рисовать объекты реалистично, я начала учить ее технике.

Правда, я забегу немного вперед и скажу, что учить ребенка технике раньше, чем он сам к этому придет, совершенно не нужно. Не надо перескакивать становление различных этапов детского рисования, он должен сам прийти от каракулей к головоногам, от головоногов к изображению реального человека, проявить детали и найти свой способ изобразить знакомые предметы. Ребенок также должен самостоятельно найти размеры изображаемых предметов, потому что если, скажем, он рисует человека выше дома, это совершенно не значит, что он не знает реальных размеров, просто размером в определенном возрасте выражается значимость изображаемого предмета. Часто перед тем, как начать рисовать реальность, ребенок рисует свои эмоции и впечатления — и это тоже важный этап развития творческого восприятия.

Обычно к 6-7 годам ребенок приходит к желанию рисовать реалистично, но эти цифры очень условные. Алиса очень любит рисовать и рисует много и подолгу, поэтому желание нарисовать «как есть» начало посещать ее уже в 4 года. Реалистичный рисунок, как правило, спланирован заранее, его сюжет в большей степени определен еще перед началом работы. Поэтому теперь я аккуратно ввожу Алисе понятие масштаба, переднего и заднего плана, пропорций. Пока все на «детском» уровне, без четких формул и требований, конечно же.

Тут очень тонкая грань, поэтому надо чувствовать своего ребенка. Если ребенку показать образец, но он не сможет за вами повторить, велика вероятность, что он может вовсе оставить попытки или замкнуться и перестать рисовать, потому что не получается «как надо». Поэтому я очень-очень не советую торопиться с обучением и сама делаю это очень осторожно и микродозами. И в таких случаях часто обучение творчеству проходит без непосредственного рисования.

Вообще, лучшая подготовка ребенка к рисованию без самого рисования — это развитие моторики рук, глазомера и восприятия образа, а так же развитие памяти и воображения, которые помогают зафиксировать нужный образ в голове надолго и обращаться к нему в любое время, уметь модифицировать его и придумывать на его основе что-то свое.

Поэтому когда я провожу занятие с реалистичным рисованием, я, прежде всего, стараюсь не навязывать шаблонное мышление, а, напротив, стараюсь обращать внимание на детали и даю построить образ самостоятельно. Если нам надо нарисовать дерево, мы выйдем на улицу и посмотрим на него, в крайнем случае я найду картинку в интернете или в книге, и мы рассмотрим нужное нам дерево там.

Если надо нарисовать забор, мы вместе подумаем, как это лучше сделать. Я могу выслушать Алисины варианты и предложить несколько своих на выбор. Я всегда предлагаю на выбор. Если Алиса говорит, что хочет нарисовать дом, перед этим мы обязательно обсудим, будет ли это городской многоэтажный дом, дом как в нашем поселке, а может быть хижина или даже индейский вигвам. Кстати, такие разговоры хороши еще и тем, что попутно можно рассказать о жилищах различных народов, обсудить чум, юрту, избу и прочее, спросить, зачем вообще человеку жилье, от чего оно его защищает: от дождя, холода, диких животных, а иногда от жары и песчаных бурь, обсудить, из чего состоит дом, как он строится и так далее.

Конечно, в 4 года «реалистичное рисование» совсем не означает пейзажи с передачей полутонов, теней, рефлексов и бликов. Но уже сейчас я объясняю Алисе, что объект на переднем плане может перекрывать собой предмет сзади или что у горизонта небо и земля всегда чуть светлее, что чем дальше объект, тем он меньше, и что, скажем, коричневая земля может включать в себя множество оттенков и состоять из коричневого, красного, желтого, болотного, охры и быть совершенно неравномерной, именно тогда она будет смотреться землей, а не столом.

До определенного возраста я не учила дочку рисовать, но сейчас ей 4 года, и я провела большую подготовительную работу, научив видеть детали, обращая внимание на цвет и свет, структуру и форму. Мы рассматривали и обсуждали изображения реальных предметов, многообразие форм и многое другое.

Сейчас мы изредка ходим на занятия к художнику, у которого я очень многому научилась. Не часто, потому что у меня не стоит задача во что бы то ни стало научить дочку технике рисования как можно раньше. А просто скорее для того, чтобы разнообразить наши будни и самой чему-то поучиться. Теперь мы выстраиваем свои художественные занятия следующим образом.

1. Перед тем, как начать рисовать, я обязательно рассказываю предысторию того, что именно мы будем рисовать.

Например, я говорю, что ближайшие дни мы будем путешествовать по материкам и странам, и сегодня мы будем рисовать Австралию и аборигена. Мы обсуждаем австралийский климат, как от жары трескается и сохнет земля, обсуждаем безоблачное синее небо и темный цвет кожи коренных жителей Австралии, говорим про то, почему аборигены носят мало одежды и какая она, что они очень любят яркие украшения, зачем раскрашивают себе лица и какого цвета у них волосы. В руках у аборигена лук или копье, потому что чтобы прокормить себя, ему приходится охотиться. Обсуждать можно все: на кого охотятся, что еще едят, как танцуют ритуальные танцы. Можно обсудить их жилье: хижину с соломенной крышей, защищающей от палящего солнца, змей и прочего. А когда рисунок нарисован, отдельно я показываю австралийскую технику рисования — точечную роспись, и мы пробуем порисовать в этой технике.

Никакой особой подготовки для этого я не провожу, обычно достаточно собственных знаний, пару картинок в гугле и иногда статьи на Википедии, например.

Фактически, наш урок рисования превращается в урок естествознания, не обязательно тематический, но всегда очень интересный.

2. Мы рисуем гуашью Мастер-Класс или Гамма. У нас на столе бумага для акварели, краски, три основные кисти, вода, графитовый карандаш и ластик. Мы открываем только те цвета, которые нам нужны в данный момент для рисования.

3. Сначала мы делаем карандашный эскиз. Я показываю и объясняю, почему мы рисуем именно так, и как еще можно по-другому, а Алиса повторяет на своем листе. Мы обсуждаем каждую линию, исправляем, если надо, но я стараюсь как можно меньше вмешиваться своим карандашом в ее рисунок.


4. Я объясняю, что руку мы всегда держим на весу, локти у настоящих художников находятся не на столе. Если вести карандашом быстро и с нажимом, то линия получается более четкая и ровная, чем если вести ее медленно. Нарисовать криво — не страшно, все можно исправить.

5. Мазки кистью могут быть совершенно разными. Каждый раз я объясняю, какой именно мазок мы сейчас будем делать. Например, если мы делаем живой мазок, то мы макаем кисть в две краски по очереди так, чтобы они не смешивались, а потом начинаем делать отрывистые короткие мазки друг за другом. Делаем три-пять мазков, моем кисть и повторяем все заново: набираем по очереди краску, делаем мазки. Так цвет получается более живой.


6. Мы не используем палитру. Это не всегда удобно. Макаем прямо в банку с краской, пачкая ее, но стараемся всегда макать чистую кисть сначала в светлую краску, чтобы не пачкать ее.

Если мы равномерно закрашиваем какое-то пространство, например, небо, то мы берем самую широкую кисть и водим ей строго горизонтально. Всегда. Никаких вниз-вверх и как попало, четко и последовательно.

6. Я объясняю, что за границы листа и карандашного рисунка вылезать можно. В рисовании главное — рисунок, а не стол. Стол пачкать можно, залезать кистью на стол можно. Главное здесь рисунок, а не стол. Процесс, а не порядок.

7. Я стараюсь, чтобы Алиса делала все сама и задаю ей попутно вопросы, чтобы она училась на них отвечать. Как нарисовать кипарис? На что он похож? Он похож на свечку: высокий, тонкий, треугольный, с острым кончиком наверху и широким округлым основанием. Давай так и нарисуем. Я могу на отдельном листе показать, как это сделать или провести своим пальцем по ее рисунку, но свою линию Алиса будет вести сама.

8. И тем не менее, если Алиса не удовлетворена результатом, что-то не получается, я помогу, обращу ее внимание на мелкие детали, сделаю последние штрихи, которые помогут преобразовать картину и сделать ее объемной:

Еще я стараюсь называть вещи своими именами: формы, цвета, фактуры. Это очень развивает словарный запас. Из рисования можно узнать много новых слов или закрепить эти понятия, если вдруг еще не доводилось познакомить ребенка с ними раньше: и про параллельные линии, и про то, как изобразить рыхлое, а как гладкое, такие слова как «пористый», «рябой», «пестрый», «матовый», «насыщенный», «тусклый», «вертикальный», «горизонтальный» и многие-многие другие, которые не всегда есть, где употребить.

Рисование в разных стилях

Алиса часто рисует сама, но так же часто мы рисуем вместе. Каждый занят своим процессом, но мы постоянно заглядываем в альбомы друг друга и обсуждаем, что у нас там получается. Видя желание рисовать, ребенок начинает интересоваться процессом все больше.


И хотя я рисую больше для нее, чем для себя, мне нравится придумывать и показывать ей новые способы рисовать. Я могу сидеть и вырисовывать ручкой 20 совершенно разных видов цветов, показывая, что цветок не всегда состоит из кружочка и овальных лепестков. Я стараюсь менять даже стилистику рисунка и использовать разные материалы. Например, маркером рисую графичный и четкий цветок со строгими линиями, пастелью — цветок более пушистый, с размытыми контурами и градациями, а краской можно изобразить цветы абстрактно. Или я могу сидеть и рисовать абстракции в стиле зенарт, и Алиса часто с удовольствием включается, или просто делаю зарисовку чего-то, что находится от меня в непосредственной близости.


У нашего папы другой подход, и он этим дополняет меня. Он может сесть и за 10 минут нарисовать Алисе мультик в маленьком блокноте, который оживает при быстром перелистывании, а Алиса придумывает сюжет. Может рисовать очень смешных персонажей, выдумывать про них истории, попутно подрисовывать новые детали и дополнять тем, что спонтанно появляется в его рассказе. Это, конечно, имеет мало общего с обучением рисовать, но я уверена, что это прививает любовь к творчеству и демонстрирует различные грани того, как можно использовать обычную бумагу и обычные карандаши.

Синестетическое рисование

Часто наше рисование привязано не только к создаваемым Алисой или мной образам. Иногда это бывает и образное рисование, когда вдохновение было навеяно музыкой.

Это очень полезный вид рисования, так как он развивает образное мышление, фантазию, визуализацию.

Что мы делаем. Я отбираю небольшие отрывки классической музыки, буквально на пару минут, ищу, как правило, во ВКонтакте, и ставлю ее Алисе. Здесь важно активное слушание, а не фоновое. Когда эпизод проиграл, я спрашиваю, о чем была эта музыка, пытаюсь добиться от нее какого-то образа. Если образ сразу не приходит, то задаю наводящие вопросы: была ли это легкая музыка или грубая, под нее хочется танцевать или маршировать, а может быть это идет какое-нибудь животное? Тогда какое оно? Грузное и большое или юркое и маленькое, мохнатое или пернатое? Может быть оно летало или плыло? Здесь главное, не навязать ребенку свой образ, а научить чувствовать и представлять. Когда образ выбран, мы прослушиваем отрывок еще раз и добавляем деталей, после чего (или во время) приступаем к рисованию того, что ребенок почувствовал.


Здесь важно, чтобы ребенок не циклился, скажем, на угадывании животных. Возможно, если вы чувствуете, что он не погрузился в это упражнение достаточно глубоко и просто перечисляет животных, можно предложить ему определить цвет этой музыки, ее настроение, «погоду». Тогда рисование становится более образным, ведь совершенно не нужно изображать предметы, чтобы передать радость. Для ребенка это могут быть просто брызги красного цвета или большое желтое пятно. Здесь надо позволить ему самому выбрать форму и цвет.


Расслабончик

Ну и в качестве отдыха, конечно, мы позволяем себе использовать и наклейки, и раскраски, и творческие альбомы, про них я много писала вот здесь и здесь. Только вот для наклеек я всегда прошу рисовать антураж. Например, наклейкам-балеринам — сцену, животным — ферму, принцессам замок, карету и арку с цветами, ну и так далее.



Ну и напоследок

Могу точно сказать, что Алиса рисовала не всегда. Этапы бурного интереса сменялись безразличием, и тогда мы делали что-то другое. Искали творческие выходы в других вещах: делали поделки, наблюдали за природой, собирали букеты. Как правило, после таких перерывов ребенок заново открывает в себе свои таланты и спустя месяц-два фактического бездействия вы увидите, что не практикуясь, он вдруг начал рисовать во много раз лучше. Потому что не обязательно учиться рисовать, рисуя)

Всем удачного творчества!

В чём разница между стилем в рисовании и техникой

Практически каждый художник находится в поисках своего стиля или хоть раз в жизни задумывался об этом.

Я долго не мог понять очевидные вещи, о которых сегодня и решил порассуждать.

Я также всегда задумывался о собственном стиле, но так и не смог его полноценно сформировать. Сейчас у меня появилось понимание этого вопроса и все шансы создать свой стиль. Если вы поймёте о чём я пишу, то у вас сложится чёткое представление в каком направлении двигаться.

Забегу немного вперёд и предположу, что люди, не имеющие художественного образования, но много рисующие, имеют больше шансов создать свой неповторимый стиль.

Я большую часть творческой жизни провёл в изучении академической школы. Мы рисовали кубики, пирамидки, шары, горшки, тарелки, фрукты, всякие гипсовые розетки, драпировки, гипсовые части тела. Потом изучали анатомию, скелет и рисовали живые обнажённые фигуры. И суть всего обучения состояла в том, чтобы максимально точно передать пропорции, светотень, уметь делать построение всего окружающего мира. И венцом всего обучения было рисование фигуры человека и портрета.

Сейчас я понимаю, что мешало мне найти свой стиль. Когда я пытался сделать что-то необычное, на мой взгляд интересное, я использовал разные техники рисования, в которые входило рисование разными материалами, использование фактур, разные виды штриховки и мазка, сочетание линии и пятна и прочие эксперименты. Но ошибкой было то, что я опирался на академическую школу, на правильные принципы построения.

Сейчас я понимаю, что свой стиль — это личная интерпретация реальности художником, своё необычное видение мира.

Тема эта спорная и неоднозначная. Что бы было более наглядно я покажу для сравнения несколько примеров стиля и просто необычной техники исполнения.

Хочу сразу сказать, что это чисто моё мнение и дело вкуса, вы можете быть с этим не согласны и сами рисовать прибегая только к техникам. В этом нет ни чего страшного, я сам так порой делаю, возможно это просто определённый этап в творческом развитии, на котором многие желают остановиться.

Стиль

Мультсериал «Симпсоны» являются хорошим примером и нарисован в узнаваемом стиле, в котором художник рисует практически любого человека. К слову что в мультипликации это вообще нормально, практически каждый мультфильм имеет свой стиль.

Манга — является популярным японским стилем комиксов, который часто используют и Российские художники.

Поздние картины Пабло Пикассо имеют свой неповторимый стиль, благодаря которому он и прославился.

Катажина (Katarzyna Kołodziejczyk) — польская современная художница ранее на которую я делал обзор, также имеет свой уникальный стиль.

Паскаль Кэмпион (Pascal Campion) — современный американский иллюстратор со своим индивидуальным стилем.

Техника

Далее я представляю работы демонстрирующие технику, авторов искать не буду, потому, что не вижу в этом смысла. В конце покажу как за минуту создать с помощью приложения для смартфона картинку не хуже.

Конечно порой тяжело провести грань между этими двумя понятиями и наверняка можно долго спорить по этому поводу, где стиль, а где просто техника. Но я вижу больше ценности в создании своего стиля нежели банальном использовании пусть и эффектных, но всё же техник рисования.

Среди большинства современных художников запоминаются и выделяются именно те, кто использует свой стиль.

А те, кто используют мощные эффекты в своих работах, вспыхивают на мгновение и также быстро забываются и становятся не интересными, потому что по большому счёту не привносят большой ценности в мир.

А теперь давайте используя эту фотографию и приложение на телефоне создадим иллюстрацию. Понятно что картинки создаёт приложение, но художники которые делают акцент только на технике, делают примерно тоже самое.

Хотите получать от меня ещё больше интересной информации? Подписывайтесь на блог и ставьте лайки если понравилось, спасибо за внимание.

Как развить свой уникальный художественный стиль | Кристин Нишияма

Все иллюстрации в этой статье созданы автором

Учитывая время и ресурсы, я считаю, что любой может научиться рисовать, раскрашивать или писать. Но искусство — это больше, чем просто изучение анатомии, умение смешивать краски и овладение грамматикой.

В создании искусства есть особая ментальная сторона, которая связана с голосом, стилем, оригинальностью и аутентичностью. Но хорошая новость в том, что, на мой взгляд, вы можете научить , как овладеть всеми этими вещами.

Ваш художественный стиль — это то, что делает вашу работу похожей на вас.

Это то, что заставляет Пикассо чувствовать себя Пикассо, а Хичкока — Хичкоком.

В Интернете и в книгах есть множество обучающих программ, в которых шаг за шагом описывается, как нарисовать человеческое тело или нарисовать закат или снять сцену боя.

Но нет руководства по поиску своего голоса как артиста.

Причина в том, что никто на самом деле не знает точных шагов, которые они предприняли, чтобы отточить свой стиль, и даже если бы они это сделали, это не сильно помогло бы никому, кроме них самих, потому что ваш художественный стиль полностью зависит от вас.

На самом деле это вы.

Точно так же, как вы развиваете свое «Я» и становитесь более похожими на «себя» по мере взросления, ваш артистический голос делает то же самое. С каждым вашим опытом ваше «Я» меняется и растет, и с каждым произведением искусства, которое вы делаете, ваш стиль меняется и растет.

Итак, хотя я не могу дать вам пошаговое руководство, чтобы найти свой художественный стиль, я верю, что в жизни художника, включая мою собственную, есть общий прогресс, и я собираюсь изложить это прогресс здесь.

Небольшое примечание: Я собираюсь пройти через общую последовательность художественных достижений в моей жизни, но это ни в коем случае не единственный или лучший способ сделать это. Если вы не идете или не идете по этому пути, ничего страшного! Вот как я проделал свой путь. Не стесняйтесь создавать свои собственные.

Один из самых ранних моих рисунков, когда я начал интересоваться рисованием.

Вы рисуете, раскрашиваете, пишете и делаете много вещей в детстве. В конце концов вы найдете основной вид искусства, который вам нравится больше всего.

Для меня это закончилось рисованием.

Сотни рисунков покемонов

Как только интерес возник, вы ныряете в него, стремясь улучшить свое мастерство. Вы копируете других художников, пытаясь узнать, как создаются произведения искусства.

Для меня это было связано с копированием и рисованием большого количества Sailor Moon и Pokemon, когда я был молод.

Обри Бердсли

Вы видите произведение искусства, которое говорит с вами глубже, чем что-либо еще до этого.

Для меня это произошло в колледже, когда я впервые увидел иллюстрации Обри Бердсли.Я видел это однажды в библиотеке и не мог перестать думать об этом в течение нескольких дней.

Вы следуете за своими навязчивыми идеями и любопытством.

Для меня это в основном научные темы.

Вы замечаете и обращаете внимание на то, какие элементы продолжают появляться в ваших произведениях искусства.

Это приведет вас к узнать, что делает произведение искусства похожим на вас . Сюда входят цветовые палитры, общий стиль рисования, текстуры, голос / тема и конкретные техники.

Для меня что-то действительно щелкнуло, когда я начал создавать эту странную текстуру карандаша в стиле шеврона в своей работе.Я начал замечать, как они появляются снова и снова в моей работе, и в конце концов они стали важной частью моего стиля.

Здесь важно помнить, что — это постоянное развитие, которое может и должно развиваться на протяжении всей вашей жизни как художника . Я больше не делаю этот шевронный узор, потому что с тех пор у меня появились другие причуды, когда я изменился, и мое искусство изменилось. Но каждый из них приведет вас к следующему, если вы последуете за ними.

Итак, это то, что я считаю основными изменениями, но теперь , как мы продвигаемся через это развитие , продвигаясь через каждое развитие?

На протяжении всего этого процесса происходит один важный шаг, и без него ничего не произойдет, и ваш стиль никогда не будет найден.Итак, что это за секретный шаг, чтобы найти свой художественный стиль?

Занимается искусством.

Каждое развитие подталкивается к следующему, когда вы создаете все больше и больше искусства и замечаете художественные привычки, которые вы начинаете развивать.

10 способов развить свой стиль иллюстрации

Послушайте иллюстратора, учителя и докладчика Тома Фроза, который поделится практическими шагами, которые помогут творческим работникам рисовать с большей индивидуальностью и определить свой собственный стиль иллюстрации.

Меня как иллюстратора часто спрашивают, как я развил свой уникальный и выразительный стиль. Моя цель в моей работе всегда заключалась в том, чтобы иметь сильный голос и чтобы он был переполнен индивидуальностью. Вопрос стиля — это огромный вопрос для любого, кто серьезно относится к иллюстрированию, но ответы на него неуловимы. В этой статье я надеюсь немного развенчать мифы о разработке стиля и дать вам несколько действенных шагов, которые укажут вам правильное направление.

Сложность в этой теме заключается в том, что точное определение стиля и его важность варьируются от художника к художнику.Некоторые клянутся, имея очень строгий стиль, тогда как другие считают это слишком ограничивающим. Например, у иллюстраторов, таких как Цзин Вэй или Магоз, очень последовательный стиль и техника, и они очень дисциплинированно придерживаются их. С другой стороны, иллюстраторы, такие как Кайл Т. Вебстер или Стефани Вундерлих, обладают большим разнообразием в своей работе, будь то стиль или техника, но каким-то образом все же имеют сильный, узнаваемый голос через все это.

Лично я склонен восхищаться иллюстраторами из первой группы, но я больше отождествляю себя со второй группой.Я часто думал, что должен быть более дисциплинированным и последовательным в своей работе, но оказалось, что мне нравится слишком много смешивать, чтобы быть настолько строгим в отношении стиля.

Итак, я много думал о стиле — о том, что он означает и как его развивать. В моем стремлении к стилю для меня важнее всего аутентичность и удовольствие. Темы, техники и графические элементы, входящие в любую данную работу, должны соответствовать предмету и должны отражать как мою собственную точку зрения, так и мою радость творчества.

Разработка стиля требует практики, проб и ошибок и, как вы уже догадались, терпения. Но вы уже знаете эту часть. Что еще можно сделать? Вот десять советов, которые я нашел полезными в моей работе.

1. Определите свои цели

Независимо от того, где вы находитесь на своем пути к иллюстрации, важно иметь чувство направления. Когда у нас есть цели, у нас есть к чему стремиться, а значит, и четкое направление. Если у нас нет целей, мы склонны блуждать или никогда не брать на себя никаких обязательств достаточно долго, чтобы увидеть, сработает ли это.

Какие цели вы должны ставить? Я думаю, что дело не столько в выборе каких-то конкретных методов, инструментов или качественных аспектов вашей работы, сколько в том, чтобы посмотреть на то пространство, частью которого вы хотите стать. Кто ваши любимые иллюстраторы? Где заканчивается их работа? Кто их клиенты? Какую иллюстрацию вы хотите сделать? Где и как вы хотели бы, чтобы ваша работа использовалась? Кто ваши клиенты мечты? Если вы сможете ответить на эти вопросы, вы сможете начать ориентироваться.

Я твердо верю, что это очень важные вопросы, которые нужно задать в первую очередь, и если вы не зададите их, ваш прогресс как иллюстратора остановится.

2. Больше

Вы в своей работе

Вы, вероятно, подписались на нескольких иллюстраторов и смогли бы идентифицировать их работы в естественных условиях, даже если бы на них не было их имени. Что такого особенного в стиле иллюстратора, благодаря которому его так легко узнать? Просто они используют цвет или качество линий? Это его часть.Но происходит нечто более глубокое. Вы когда-нибудь замечали, как лучшие иллюстраторы имеют повторяющиеся закономерности в своей работе? Я не говорю о буквальных образцах, таких как шахматная доска или зигзаги (но это тоже может быть частью этого). Посмотрите, как они обращаются с предметами, на символы, которые они используют, часто ли они используют человеческую фигуру или, возможно, используют машинные метафоры — вероятно, эти решения имеют мало общего с кратким описанием и все связаны с личными навязчивыми идеями иллюстратора.Стефани Вундерлих снова и снова возвращается к выразительным, стилизованным фигурам. Olimpia Zagnoli одержима полосами.

Время от времени просматривайте свои собственные иллюстрации и наблюдайте, какие закономерности возникают.

К чему вы, вероятно, вернетесь снова и снова в своей работе? Подумайте об объектах и ​​символах, которые вы используете снова и снова, или об определенной графике, которая по какой-либо причине попадает в ваши рисунки. Подумайте, как вы можете больше использовать эти естественные подсознательные тенденции в своей работе.Иногда он может быть случайным, а иногда очень целенаправленным. Время от времени просматривайте свои собственные иллюстрации и наблюдайте, какие закономерности возникают. Затем вы сможете определить свои характерные приемы и со временем более уверенно использовать их.

3. Определите своих героев

Определите художников, чьи работы вы бы охарактеризовали как личности, которые вам нужны. Изучите их, вдохновляйтесь ими и сначала подражайте им. Со временем ваш стиль отойдет от подражания, и вы начнете видеть инновации и адаптации, которые являются уникальными для вас.Поскольку у вас, вероятно, есть более одного героя, ваша собственная работа, вероятно, будет смешиваться с множеством влияний.

4. Рисовать с натуры

Это может прозвучать глупо, но многие иллюстраторы не любят рисовать, особенно с натуры. Но рисование с натуры — один из лучших способов расти и развиваться как иллюстратор. Когда я говорю о рисовании с натуры, я в основном имею в виду рисование на основе прямого наблюдения. Это не имеет ничего общего с навыками, с помощью которых это делается. Я думаю, что многим людям не нравится рисовать на основе наблюдений, потому что им сложно рисовать реалистично.Сам процесс рисования важнее, чем реалистичный рисунок, важнее того, что на самом деле оказывается на вашей странице.

Сам процесс рисования важнее того, что на самом деле оказывается на вашей странице.

Когда вы садитесь и занимаетесь рисованием всего лишь на пять минут, вы начинаете видеть свой предмет совершенно по-другому. Вы начинаете по-настоящему смотреть на объект и замечать в нем вещи, которые вам никогда раньше не приходили в голову. Суперсила всех художников, будь то писатели, художники или иллюстраторы, заключается в их способности видеть то, что не видят другие.Рисование из жизни научит вас видеть больше.

5. Рисуем по памяти

Некоторым легко рисовать с натуры или рисовать реалистично. Их задача — избавиться от любого подобия реализма и рисовать более интуитивно, как это делает ребенок. Вот вам креативный совет: на пустой странице нарисуйте столько вещей, сколько сможете по памяти. Какой бы объект ни пришел в голову, просто нарисуйте его, а затем переходите к следующему. Не подглядывать ни за какими реальными объектами или ссылками!

Еще одно упражнение — нарисовать несколько объектов из реальной жизни или эталонных изображений, а затем попытаться снова нарисовать их по памяти (опять же, не заглядывать в эталоны или свои первые рисунки).Мне нравится это упражнение, потому что оно заставляет нас извлекать из разрозненных фрагментов информации, которую мы запоминаем в своей голове. То, как мы заполняем пробелы в нашей памяти, или ваш естественный способ обращения с такими вещами, как перспектива, становятся ключами к вашему естественному стилю рисования.

6. Интерпретируйте, а не подражайте

Вообще говоря, легче нарисовать что-то буквально таким, каким вы его видите, чем рисовать более понятным способом. Взрослым, думаю, проще, потому что так безопаснее. Когда мы просто ориентируемся на внешние ссылки, появляется меньше творческих решений.Таким образом, нас нельзя судить по тому, что мы рисуем, поскольку у нас нет оригинального содержания. Гораздо более рискованно проявлять вольность, намеренно искажать форму, использовать неправильные цвета, допускать появление естественных, недисциплинированных отметок под нашим наблюдением. Отличительной чертой хорошего иллюстратора является его способность преобразовывать общую идею или объект в нечто более символическое или духовное.

Отличительной чертой хорошего иллюстратора является его способность преобразовывать общую идею или объект в нечто более символическое или духовное.

Для этого эти иллюстраторы отказываются от определенной степени реализма или правильности и позволяют своей интуиции развиваться. Такие иллюстраторы не просто копируют то, что они наблюдают в реальной жизни, и дословно записывают это на бумаге. Ценность иллюстрации — это духовный или эмоциональный слой, то есть в художественном выражении эффект, который они оказывают на предмет. Грубый пример этого — карикатура, где что-то истинное в предмете подчеркивается или искажается, в то время как их общее сходство сохраняется.Это интерпретация. Для еще большей степени интерпретации взгляните на обложки модернистских книг или обложки джазовых альбомов 1950-х и 1960-х годов. Художники, кажется, отвергают прямое изображение в пользу более абстрактных элементов цвета и формы, чтобы выразить нематериальное.

7. Проверьте свои чувства

Поскольку нематериальные чувства так важны для стиля, имеет смысл больше осознавать свои собственные чувства. Во время рисования обращайте внимание на свои эмоции.Относятся ли определенные чувства к конкретным способам рисования? Вы чувствуете себя особенно уверенно в определенных ситуациях?

Я испытываю особую уверенность и радость, когда рисую определенным образом. Когда я рисую в этом режиме, я делаю все, что в моих силах. Точно так же, как сейсмограф регистрирует движения земли под нашими ногами, рисунки фиксируют движения наших душ. Когда мы рисуем, наша рука, голова и сердце связаны между собой, и это визуализируется в качествах нашего искусства.С практической точки зрения, когда вы делаете наброски для проекта иллюстрации, первые наброски, которые вы создаете, будут наиболее точными диаграммами ваших эмоций, и именно поэтому в ранних набросках всегда есть свежесть, которую невозможно повторить в дальнейших итерациях. Со временем мы можем научиться предугадывать качества наших самых интуитивных рисунков и даже вызывать их по команде.

8. Сопротивляйтесь искушению совершенства

Как иллюстратор и дизайнер, мне было сложнее всего научиться доверять своей интуиции.Я могу часами расставлять и переставлять макеты, одержимо и безуспешно пытаясь достичь идеального визуального решения. С иллюстрацией я все еще легко теряюсь в мельчайших деталях; Например, я мог часами пытаться нарисовать наиболее естественный чувственный штрих в подмышечной впадине персонажа. По правде говоря, после определенного опыта и профессиональной подготовки в качестве артиста существует жесткий предел того, насколько хорошо все, что я делаю, будет. На самом деле, чем больше я стараюсь и чем больше злоупотребляю функцией отмены, тем хуже становится.Однако самое худшее — это то, как такое стремление подрывает мою уверенность во всем, что я пробовал.

Я не говорю, что вы не улучшите свои навыки со временем, но в любой момент вы получаете то, что имеете, и все. То, что вам не хватает совершенства или точности, вы должны восполнить другим способом. Вот тут-то и появляется интуиция. Интуиция — это отчасти внутреннее чувство, отчасти доверие и отчасти опыт. Я научился отказываться от попыток рисовать определенным образом и принимать тот вид рисунка, который получается естественным образом.Фактически, со временем я научился опираться на это и даже душить по требованию. Зная, что единственный другой вариант — потратить полдня, теряясь в сорняках, я должен верить, что то, что я сделал в своих первых нескольких набросках, вероятно, будет лучше (и, конечно, не хуже), чем все остальное, что я делаю в избытке.

Ранее я сказал, что мне пришлось научиться доверять своей интуиции, но я должен признать, что это мышца, которую большинству из нас нужно тренировать. Как это ни парадоксально, наша интуиция должна заслужить наше доверие, чтобы быть полезной.Когда мы только начинаем, у нас недостаточно опыта, чтобы сказать, хорошо это или плохо. Со временем мы узнаем, что работает, а что нет, а также лучше понимаем пределы наших возможностей. Поначалу нам, вероятно, действительно нужно уделять больше времени стремлению к совершенству. Но должно наступить время, когда мы узнаем, что достигли максимального совершенства и нам нужно перейти к следующему этапу.

9. Излучайте уверенность

Люди, которые только начинают свой путь в искусстве, склонны рисовать очень осторожно.Они легко держат карандаш и создают то, что пытаются нарисовать, короткими легкими штрихами, в конечном итоге создавая полную форму того, что они рисуют. Для меня это признак неразвитого иллюстратора. Рисунки, сделанные таким образом, выглядят слишком продуманными и неуверенными. Если вы хотите, чтобы ваши иллюстрации выделялись, они должны излучать уверенность. Как выглядит уверенность? Уверен в себе. У него есть чувство направления. Есть намерение от начала до конца — чувство цели.Уверенность — это не серия коротких, робких движений, а непрерывная, непрерывная линия, изгибающаяся волнообразными волнами или поворачивающая острые углы со странным сочетанием точности и резкости.

Мы часто смотрим на блестящие работы и думаем, что это должно быть так легко и естественно для художника. Вот на что они надеялись.

Но вот секрет: даже опытные иллюстраторы часто начинают новый рисунок с менее чем уверенными мазками. Обычно эскиз должен пройти несколько итераций, прежде чем он станет целеустремленным и уверенным.Ощущение направления, которое придает этому ощущению, приходит только при более грубом нанесении его на более ранние итерации. Ваш первый набросок может быть как угодно предварительным, и вам может потребоваться много итераций, чтобы добраться до финала, но окончательный должен выглядеть так, как если бы он был сделан максимально легко. Мы часто смотрим на блестящие работы и думаем, что это должно быть так легко и естественно для художника. Вот на что они надеялись.

10. Открой себя

Смысл иллюстратора и успешного стиля в том, чтобы общаться и общаться с другими.Если наша работа не находит отклика у других, в этом нет смысла. Однако отсутствие связи в вашем искусстве сегодня не должно быть концом истории. Мы растем, делясь с другими нашей ранней работой и получая отзывы. Иногда эта обратная связь приходит потому, что вы просили об этом — возможно, вы приглашаете своего партнера взглянуть и сказать, что он думает.

Я хочу сказать, что для того, чтобы развить свой стиль и голос как артиста, вам нужно проверить его на реальных, реальных людях. Это делает вас уязвимыми, и иногда очень сложно получить обратную связь, которую вы надеялись не получить, но это именно то, что нам нужно для роста.Когда мы становимся лучше в чем-либо, наши естественные, удобные способности поднимают нас только до определенного уровня. Преодолеть этот уровень всегда больно, а иногда и до слез. Но быть стойким, смелым и обучаемым — единственный способ стать сильнее. Это верно как для развития вашего стиля, так и для всего остального.

Итак, это мои десять лучших способов развить свой стиль иллюстрации. Все сводится к тому, чтобы иметь чувство направления, много практики и экспериментов, а также искать способы внести свой вклад в работу.Когда вы делаете это с открытым сердцем, делясь с другими, вы начинаете понимать, кем вы являетесь как иллюстратор. В какой-то момент вы начинаете видеть закономерности и можете более намеренно опираться на них. Эта преднамеренность проявится в вашей работе, и другие будут привлечены к ней. Они узнают ваш голос и затем будут спрашивать вас, а не меня, как вы развили свой стиль.

Том Фрозе — отмеченный наградами иллюстратор, преподаватель и оратор. В число избранных клиентов входят Airbnb, Yahoo !, и GQ France.Том связывает людей с брендами и историями с помощью ярких, жизнерадостных иллюстраций. Попутно он любит делиться своими мыслями о том, как быть иллюстратором, в блогах, на сценах, в интервью и в других местах. Он живет со своей семьей в Ярроу, Британская Колумбия, примерно в часе езды к востоку от Ванкувера.

Найдите больше вдохновляющих историй в нашем блоге Courtside. Есть предложение? Свяжитесь с [email protected]

Почему это так сложно (и легко)

Если вы посмотрите на работу Пикассо, вы можете найти ее где угодно.
Если бы вы слушали музыку Стинга, вы бы знали, что это был Стинг.
Если бы вы прочитали книгу Дэна Брауна, вы бы знали, что это был Дэн.

Так почему у этих ребят есть стиль, а у вас нет? Как создать свой собственный художественный стиль?

Вы знаете, что у вас нет стиля, потому что, если вы возьмете свою карикатуру или свою статью и поместите ее среди работ другого человека, никто не сможет выбрать вашу работу как уникальную. И это потому, что это не так.

Представьте, что вы пытаетесь научиться готовить такое вкусное блюдо, как бирьяни

Бирьяни — это очень сложный, почти устрашающий вид рисового блюда.Он заполнен списком ингредиентов размером с вашу руку, и процесс может быть пугающим. Но если вы полны решимости взломать «код бирьяни», вы будете очень подробно следовать инструкциям. Необходимо соблюдать точные ингредиенты, последовательность и методологию, чтобы убедиться, что вы копируете блюдо.

А это значит, что вы копируете

Когда вы копируете, вы копируете стиль человека, которого копируете. Но если приготовить это блюдо несколько раз, прибавки не исчезнут.Вы можете прочитать о другом типе бирьяни или посмотреть несколько видеороликов. И вдруг вместо курицы без костей вы используете курицу с костями. Или вместо курицы вы используете овощи.

Рано или поздно выпадают также

Вы перестаете ссылаться на рецепт, потому что вас устраивает последовательность и ингредиенты. А потом вы создаете свое собственное блюдо. Но вы можете забыть некоторые ингредиенты, добавить другие или сделать что-то совсем другое.И если вы будете смешивать, смешивать и продолжать учиться готовить это блюдо, вы скоро получите свой собственный стиль.

Стиль не про изобретение

Стиль — это копирование. О «трассировке», «копировании» и «затем рендеринге из памяти». Чем больше вы отслеживаете, копируете и визуализируете из памяти, тем больше концепций смешивается в вашем мозгу. И, в конце концов, однажды — а этот день совсем недалеко — у вас будет собственный стиль.

Но вам нужно практиковаться, смешивать и смешивать

Если вы рабски копируете стиль одного человека, вы скоро станете копией его работы.Когда я только начинал рисовать, я копировал Агарь Ужасную. А моя работа была точной копией Агари Ужасной. Но потом я добавил другие мультфильмы, такие как «Деннис-угроза», «Кальвин и Гоббс» и т. Д. И мои работы стали моими собственными.

Сегодня у меня отличный стиль письма, рисования, разговорной речи и т. Д.

И вы тоже можете. У вас уже есть собственный стиль во многих сферах вашей жизни. И пришло время перенести эти концепции, чтобы вы могли применить стиль к своему письму и рисунку.

Так что тренируйтесь.

Копировать много.
Много следов.
И рендера по памяти много.

И да, убедитесь, что вы копируете из разных источников.

А потом, примерно через шесть-девять месяцев, у вас будет стиль, который будет сильно отличаться от любого другого. Но если вы продолжите делать то, что делаете, не копируя, вы просто станете копией себя. Если вы хотите постоянно развиваться, вам нужно продолжать отслеживать, копировать, а затем создавать собственное впечатление.Это единственный способ продолжать учиться и развивать свой стиль.

Итак, когда вы делаете бирьяни, они говорят, что вы сделали бирьяни.

Но когда я делаю бирьяни, есть определенная разница, которая делает его моим собственным. Сделайте это по-своему.

Начни сегодня.

П.С. Копирование отличается от плагиата. Если вам не ясно, в чем разница, поищите в словаре.

Painting Style — беспокоитесь о том, есть ли у вас свой собственный? Прочтите мои советы.

Научиться развивать свой стиль рисования — это не то же самое, что научиться рисовать или рисовать технически.

Часто ко мне обращаются с вопросом — «Как создать свой собственный стиль?» От студентов или других вдохновленных художников, которые, казалось, застряли в своем творческом пути. Я всегда отвечаю так: ваш стиль будет естественным и легким, но только тогда, когда вы не будете его настаивать.

Вдохновение стилями рисования других художников


Я большой сторонник копирования работ других художников.Вы можете многому научиться из этого процесса — выбору цвета и композиции, а также улучшить свои навыки рисования.

Не волнуйтесь — вы не собираетесь долго оставаться в ловушке стиля этого художника. Вы всегда можете перенести в свое видение то, чему научились у других художников. Он становится частью вас.

Итак, я считаю, что не существует художника-самоучки. На нас всегда влияет то, что нас окружает, и мы учимся у других художников, даже если мы не ходим в художественную школу для «формального» образования.

Я сравниваю процесс развития вашего «стиля» с обучением ходить или танцевать. Сначала вы изучаете механику движения, а затем ваша личность и уникальное тело вступают во владение. В конце концов, вы идете в своей особой форме.

Вместо того, чтобы заботиться о том, есть ли у вас уникальный стиль, сосредоточьтесь на закреплении своих основных навыков, пока вы не овладеете ими. Скорее всего, это будет процесс на всю жизнь, если вы мотивированы и усердно работаете. Хорошая новость в том, что ваши усилия по улучшению будут вознаграждены.Когда вы чувствуете себя комфортно и до некоторой степени уверены в своих технических навыках, выберите

  • палитра цветов
  • состав
  • предмет
  • причина, по которой вы рисуете так, как красите



Цветовая палитра

Выбор цвета многое говорит о ваших предпочтениях и вашей личности. Вы можете выбрать как приглушенную, так и яркую цветовую гамму.

Я начинал как классический реалист, тренирующийся в затемненной комнате с тусклым северным светом.Сама палитра состояла всего из нескольких оттенков земли и белого. Единственным ярким цветом был синий. Теперь мне нравится яркая и красочная палитра, которую я выбираю для своих картин. Это соответствует моей личности и помогает мне лучше выражать свои идеи в искусстве. Я замечаю, что чувствую себя более счастливым и менее унылым, когда рисую яркой цветовой палитрой.

Тема сообщения

Ваш выбор темы также во многом определяет ваш стиль рисования. Если вы рисуете животных, опыт и уверенность позволяют вам развивать стиль рисования с вашими животными.

По этой причине имеет смысл, что, как только вы почувствуете уверенность в своих навыках рисования, создание группы работ с той же тематикой порождает ваш творческий стиль.

Состав

Композиция не ограничивается рамкой предмета перед вами, но также определяет элемент дизайна. То, как вы совмещаете элементы на двухмерной поверхности, может сломать или создать хорошую картину. Для меня это самое главное, на что нужно обращать внимание, когда вы разрабатываете свой собственный стиль.Это то, как вы видите предмет; на виду или в воображении.

Недостаточно нарисовать то, что перед вами. Хорошая композиция — это то, как вы, как «визуальный редактор», объединяете все элементы вместе, чтобы передать свое сообщение.

К счастью, вы легко научитесь правилам и принципам композиции.

Проверьте их и сломайте, если нужно. Но сильное чувство композиции создаст ваш стиль.

Ваше собственное вдохновение


Когда вы создаете произведение искусства, избегайте собственных мотивов.Кто ты в конце концов? Ваша личность и видение приводят картину туда, где она заканчивается. Так что, если вы радуетесь, это видно. Если вы грустите, это видно. Если вы полны энтузиазма и страсти, это видно. Знайте, кто вы, и перенесите это на свой холст.

На мой взгляд, вы, вероятно, будете стремиться к аутентичному стилю рисования, если сможете узнать себя. И твое путешествие по живописи продлится долго.

Иногда хорошо поменять полностью свой стиль, просто чтобы вырваться из творческого перерыва.Если ваше сердце так чувствует, сделайте это. Только не пытайтесь имитировать стиль, потому что он модный или модный; это не будет резонировать с вами. Если ты сможешь оставаться верным себе, двери откроются! Так что удачи в поисках своего стиля.

Хотите знать, как добиться успеха в искусстве И бизнесе?
Это новое 3-часовое видео с 94-страничным учебным пособием
наполнено мощными практическими приемами и бесценными инсайдерскими знаниями
, которые помогут вам на вашем пути.
Нажмите здесь, чтобы узнать больше.


Покинуть Стиль рисования и вернуться на домашнюю страницу

Изучите рисунок и живопись > Стили рисования

13 Навыки для художников (плюс шаги для совершенствования)

Художники изобразительного искусства создают визуальные произведения искусства для эстетических, деловых и декоративных целей. Эти специалисты могут работать в самых разных сферах, в том числе на фрилансе. Если вы заинтересованы в том, чтобы стать прекрасным художником, полезно понять, какие навыки могут принести вам наибольшую пользу в вашей карьере.В этой статье мы обсуждаем навыки прекрасного художника и делимся шагами, которые вы можете предпринять, чтобы улучшить свои навыки изобразительного искусства.

Кто такой прекрасный художник?

Художник — это профессионал-новатор, создающий художественные произведения в одной или двух средах. Художники могут иметь различные специальности, в том числе рисовать, лепить, рисовать эскизы и создавать цифровое искусство. Эти специалисты могут работать в организациях или искать самозанятость там, где они выполняют комиссионную работу. Некоторые из должностных обязанностей, за которые отвечает прекрасный художник, включают:

  • Идеи мозгового штурма: Чтобы создать произведение искусства, художники должны сначала продумать идеи и составить планы для своего проекта.

  • Сбор материалов: Когда у художника появляется идея, он собирает такие материалы, как краски, холсты, программное обеспечение и другие инструменты, которые художники используют для создания своих работ.

  • Создание портфолио: Многие художники создают портфолио, чтобы продемонстрировать свои способности и поделиться своим искусством с другими.

  • Маркетинг их способности: Принимая заказы на работу, художники находят способы продать свои способности, такие как создание профилей в социальных сетях, посещение ремесленных ярмарок и налаживание контактов с другими профессионалами.

  • Продажа своих работ: Многие художники продают свои собственные работы, что может повлечь за собой установление цен и организацию доставки.

  • Построение отношений: Построение отношений с другими профессионалами и клиентами важно для художников, потому что это позволяет им делиться своей работой и находить потенциальных клиентов.

Связано: Как создать цифровое портфолио, которое поможет вам нанять

13 Примеры навыков прекрасного художника

Вот несколько примеров технических навыков, которые часто необходимы прекрасным художникам:

1.Коммуникация

Художники используют коммуникативные навыки при работе с клиентами. Часто прекрасным художникам необходимы сильные коммуникативные навыки, чтобы строить отношения с другими и понимать запросы своих клиентов. Это может включать отправку обновлений своему клиенту по мере того, как он продвигается в работе над оформлением, и прислушивание к отзывам. Художники также используют этот навык для общения с клиентами без использования отраслевого жаргона.

Связанные: Soft Skills: определения и примеры

2.Реалистичный рисунок

Навыки реалистичного рисования включают способность точно рисовать произведения искусства, имитирующие реальную жизнь. Хотя не все художники используют этот стиль, важно понимать, как сделать искусство реалистичным. Овладение этим навыком может позволить вам создавать реалистичные портреты, пейзажи и объектно-ориентированное искусство. Художники используют этот навык, чтобы оправдать ожидания клиентов и создать сложные произведения искусства.

3. Конструктивный рисунок

Занимаясь конструктивным рисованием, прекрасные художники строят предметы своего искусства на той среде, которую они выбирают.Это может включать в себя комбинирование форм для создания приблизительного контура того, что художник рисует или рисует позже. Этот навык часто помогает художникам создавать реалистичное искусство и помогает им овладеть другими базовыми навыками искусства, такими как работа с линиями и симметрия.

4. Тайм-менеджмент

Поскольку некоторые художники работают в сжатые сроки, для этих профессионалов важно обладать сильными способностями к тайм-менеджменту. Это позволяет им своевременно завершить свою работу, не торопясь.Художники, обладающие этими навыками, часто могут принимать больше клиентов одновременно, что может повысить их потенциал заработка.

5. Рисование с натуры

Когда художники рисуют с натуры, они создают реалистичные изображения предметов, которые они могут видеть во время создания своего искусства. Это может быть рисунок моделей или натюрморт. Эта способность требует сочетания других навыков, таких как внимание к деталям и, в случаях, когда речь идет о человеческих моделях, знание анатомии человека.

6. Рисование по памяти и воображению

Способность рисовать по памяти или воображению — очень ценный навык для художников, которые принимают заказы на работу по заказу, поскольку это часто связано с созданием образа того, что описывает их клиент. Поскольку художники не могут найти реальную модель для этих идей, они используют свое воображение для создания произведений искусства для своих клиентов. Это также отличный навык для создания произведений в жанре фэнтези и сюрреализм.

Связано: Как стать концепт-художником видеоигр за 8 шагов

7. Знание художественных материалов

Обладая глубокими знаниями художественных материалов, в том числе где их получить, как их использовать и их эффекты важны при создании искусства. Это позволяет прекрасным художникам создавать произведения в своем собственном стиле и на различных носителях. В некоторых случаях наличие этих знаний также позволяет художникам создавать более качественные произведения искусства, и это может сэкономить им время и деньги, если они поймут, в какие материалы им следует инвестировать.

8. Сетевое взаимодействие

Художники изобразительного искусства используют сетевые навыки для продвижения своих способностей и искусства, а также для построения отношений с другими профессионалами в области искусства. Эти отношения полезны при поиске работы или совета, потому что художник может обратиться за помощью к другим профессионалам в своей сети. Чтобы улучшить свои навыки работы в сети, рассмотрите возможность создания учетной записи в социальных сетях, посвященной вашей работе или посещению отраслевых конференций.

9. Понимание перспективы

Перспектива описывает, как зритель может наблюдать произведение искусства.Например, если художник рисует небо, он может нарисовать его так, как будто зритель смотрит вверх с земли. Это создаст совершенно другую картину, чем художник, который использует перспективу на уровне глаз.

Художникам важно понимать точки зрения и уметь создавать произведения с разных точек зрения, чтобы разнообразить свою работу. Перспектива произведения искусства также меняет другие важные аспекты, такие как размер деталей и заливка.

Связанные: 40 вакансий, которые можно выполнить со степенью в области изящных искусств

10.Навыки работы с компьютером

Уровень владения компьютером, который может понадобиться художнику, часто зависит от его предпочтительной художественной среды и того, как они продают свои работы. Например, прекрасному художнику, специализирующемуся на живописи, скорее всего, потребуется достаточно компьютерных навыков, чтобы подключиться к сети и продавать свои работы. С другой стороны, цифровым художникам потребуются передовые компьютерные знания, чтобы научиться работать с программным обеспечением, которое они используют для создания своих работ.

11. Знание пропорций

Пропорции описывают конкретные требования к размеру предмета, часто ссылаясь на что-то еще.Понимание того, как правильно распределять изображения, позволяет художникам создавать эстетически приятные произведения искусства. Художники могут использовать пропорции для создания реалистичного искусства или намеренно искажать пропорции изображения, чтобы создать что-то сюрреалистическое.

12. Понимание теории цвета

Теория цвета — это изучение того, как создаются цвета и как они взаимодействуют друг с другом. Понимание теории цвета позволяет художникам смешивать свои цветные художественные материалы, такие как краска, для создания нового цвета и помогает им выбрать эстетически приятную цветовую палитру для своей работы.

13. Композиция

Навыки композиции требуют знания различных художественных приемов и тем, таких как формы, цвет, форма, текстура и пространство. Композиция включает в себя то, как художник создает произведение искусства в целом, детализируя каждый шаг, который художник делает, чтобы добавить к своей работе. Композиционные навыки позволяют художникам создавать произведения со сложным фоном и множеством предметов. Это также дает художникам необходимые знания, чтобы понять, как каждый аспект их произведения искусства взаимодействует друг с другом, например, перспектива и затенение, пропорции и пространство.

Как улучшить навыки изобразительного искусства

Чтобы улучшить свои навыки изобразительного искусства, рассмотрите следующие шаги:

1. Пройдите классы

Рассмотрите возможность посещения классов, посвященных темам искусства, которые вас интересуют больше всего, например, скульптура или цифровое искусство. Посещение занятий дает вам возможность учиться у профессионала и может предоставить вам ценную информацию о предпочитаемой вами художественной среде, а также об отрасли в целом. Подумайте об одитинге класса в средней школе в вашем районе или в общественном центре.Если вы заинтересованы в дальнейшем развитии своих навыков, вы можете подумать о зачислении на программу для младших сотрудников или бакалавриат.

2. Развивайте свой собственный стиль

Один из способов, которым художник может выделиться среди других в своей области, — это развитие собственного стиля. Это может означать освоение определенного жанра, техники или даже нишевой темы. Это также может включать выбор определенного художественного средства для работы. Чтобы выработать свой собственный стиль, попробуйте понаблюдать за другими прекрасными художниками, включая своих сверстников и признанных профессионалов.Наблюдение за искусством и техниками других художников может помочь вам решить, какие стили вам нравятся, и подсказать вам идеи для развития своего собственного.

3. Практика

Как только вы начнете развивать свой собственный стиль, практикуйте свое искусство, создавая новые произведения для своего портфолио. Попробуйте новые художественные среды, когда будете практиковаться и расширять свои навыки. Это может помочь вам понять, в каких областях вам, возможно, потребуется улучшить, и придаст вам уверенности в продвижении своей карьеры по мере создания портфолио.

Связано: Как стать прекрасным художником за 10 шагов

4. Спросите совета

Не забудьте спросить совета у своих коллег и других профессионалов. Подумайте о поиске наставника, который понимает вашу работу и готов ответить на ваши вопросы об индустрии искусства. Обращение за советом и открытость для обратной связи могут помочь вам улучшить определенные навыки, которые помогут вам стать лучшим художником.

Навыки изящных художников на рабочем месте

Некоторые другие навыки, которые профессионалы изобразительного искусства могут использовать на рабочем месте, включают:

  • Сотрудничество: Художники используют навыки сотрудничества в различных проектах и ​​часто могут работать с другими художниками. завершить проект.Это может включать в себя совместную работу над одним и тем же этапом проекта, например роспись фрески, или работу на последовательных этапах для завершения проекта, например, когда фотограф делает фотографии, а другой художник их редактирует.

  • Критическое мышление: Навыки критического мышления позволяют художникам воплощать свои творческие идеи в физические формы искусства.

  • Финансовый менеджмент: Поскольку многие художники работают не по найму, полезно иметь навыки финансового менеджмента, чтобы вести собственный бизнес и оценивать свое искусство.

  • Самомотивация: Самомотивированные художники могут уложиться в сроки и оставаться продуктивными на работе.

  • Внимание к деталям: Внимание к деталям — важный навык для художников, потому что он позволяет им выполнять заказы клиентов и создавать сложные произведения искусства.

  • Планирование: Навыки планирования помогают художникам собирать материалы и устанавливать сроки выполнения проектов.

  • Исследование: Художники используют исследовательские навыки, чтобы оставаться в курсе технической информации и создавать подробные произведения искусства, основанные на истории, художественных стилях и других вдохновляющих темах.

Как подчеркнуть навыки прекрасного художника

Выделение ваших навыков прекрасного художника в процессе приема на работу и во время работы может помочь вам заработать новые должности и продвинуться по службе. Вот как вы можете подчеркнуть свои прекрасные навыки художника:

Резюме и сопроводительное письмо

При создании резюме и сопроводительного письма для новой работы важно внимательно прочитать объявление о вакансии. Это может помочь вам решить, какие навыки вам следует упомянуть в своем заявлении.Постарайтесь выделить свои навыки в своем резюме, перечислив применимые таланты в разделе навыков вашего резюме и упомянув их при объяснении ваших предыдущих должностных обязанностей.

Вы можете дополнительно выделить эти навыки в сопроводительном письме, объяснив, как ваши навыки изобразительного искусства могут помочь вам в выполнении должностных задач, которые компания перечисляет в описании должности.

Собеседование

Во время собеседования менеджер по найму может задавать вам вопросы, которые определяют, насколько вы квалифицированы в изобразительном искусстве.Вы можете отвечать на ситуационные вопросы, требующие развернутого ответа, полезно практиковать свои ответы. Придумывая ответы на эти вопросы, подумайте, как вы можете включить в свои ответы свои навыки изобразительного искусства.

Например, если вы проводите собеседование на должность художника-монументалиста, интервьюер может спросить, что вы будете делать, если погода помешает вашей работе. Отвечая на вопрос, вы можете упомянуть, как вы используете свои навыки управления временем, чтобы держать проект в нужном русле даже после задержек.

Искусство творить: почему искусство важно для развития детей в раннем возрасте

Изучение искусства — это не только развлечение и развлечение, но и познавательная деятельность. Вот несколько советов, как вырастить начинающего художника.

Дети от природы любопытны. С того момента, как они обретают контроль над своими конечностями, они работают, чтобы выйти в мир, чтобы увидеть, как все это работает. Они исследуют, наблюдают и имитируют, пытаясь понять, как работают вещи и как контролировать себя и свое окружение.Это неограниченное исследование помогает детям формировать связи в своем мозгу, помогает им учиться, а также весело.

Искусство — это естественное занятие, поддерживающее эту свободную игру детей. Свобода манипулировать различными материалами органичным и неструктурированным способом позволяет исследовать и экспериментировать. Эти художественные начинания и самостоятельные исследования не только веселые, но и познавательные. Искусство позволяет молодежи практиковать широкий спектр навыков, полезных не только для жизни, но и для обучения.

Навыки, которые практикует молодежь при участии в художественных мероприятиях, включают:

  • Мелкая моторика . Карандаши, мелки, мел и кисти помогают детям развивать мелкую моторику. Эта разработка поможет вашему ребенку писать, застегивать пальто и выполнять другие задания, требующие контролируемых движений.
  • Познавательное развитие . Искусство может помочь детям научиться и практиковать такие навыки, как формирование рисунка и причинно-следственная связь (например, «Если я очень сильно нажимаю мелком, цвет становится темнее».»). Они также могут практиковать навыки критического мышления, составляя мысленный план или картину того, что они намереваются создать, и следуя своему плану.
  • Математические навыки. Дети могут учиться, создавать и понимать такие понятия, как размер, форма, сравнение, счет и пространственное мышление.
  • Знание языков. По мере того, как дети описывают и делятся своими произведениями искусства, а также своим процессом, они развивают языковые навыки. Вы можете стимулировать это развитие, активно выслушивая и задавая в ответ открытые вопросы.Это также отличная возможность выучить новые словарные слова, касающиеся их проекта (например, текстуры).

Свобода выражения не только помогает молодежи развить важные навыки, но и полезна для общего здоровья и благополучия. Предоставление ребенку возможности творчества поможет снять стресс и проработать все, что происходит в его жизни. Поощряя художественное самовыражение, вы можете облегчить обучение.

Хотите поддержать творческий путь вашего ребенка? Вот несколько советов от Отделения Университета штата Мичиган:

Расскажите ребенку об его работе. Часто бывает трудно расшифровать детские рисунки, даже если ребенок точно знает, что это такое. Когда мы спрашиваем: «Что это?» мы говорим, что он должен выглядеть как то, что мы узнаем. Вместо этого задавайте открытые вопросы, например «Расскажите мне о своей фотографии». Вы также можете описать конкретные вещи, которые делает ваш ребенок, например: «Вы делаете короткие линии, я вижу, вы используете красный, зеленый и синий». Вы также можете описать действия вашего ребенка или материалы, которые он использует, сказав такие вещи, как: «Вы используете мягкую кисть, я заметил, что вы делаете маленькие кружочки, вы используете два карандаша одновременно!»

  • Подражайте своему ребенку .Вместо того, чтобы рисовать свою картинку, сядьте с ребенком и подражайте его действиям. Нарисуйте большие каракули, маленькие линии или потренируйтесь рисовать круги. Если ваш ребенок сосредоточен на том, что вы рисуете, или на том, насколько «хороша» ваша картинка, у него меньше шансов проявить творческое воображение самостоятельно.
  • Предлагаем варианты . Подберите для своего ребенка самые разные материалы, такие как краски, цветные карандаши, мел, пластилин, маркеры, мелки, масляную пастель, ножницы и штампы. Смешайте его, добавив неожиданные материалы, такие как ватные палочки, динозавров, сухие макароны или бобы.
  • Поддержите, а не ведите. Вы когда-нибудь замечали, что занятия становятся намного менее увлекательными, когда их кто-то продиктовал? То же самое и с детьми — пусть они сами решают, какие материалы они хотят использовать и как и когда их использовать. Может быть, они захотят отделить бумагу от мелка и использовать ее вдоль бумаги вместо того, чтобы писать кончиком.
  • Оставить открытым. Вместо того, чтобы сидеть и обдумывать конкретный план или результат, позвольте вашему ребенку исследовать, экспериментировать и использовать свое воображение.Они могут устроить большой беспорядок или несколько раз передумать — все это часть творческого процесса.
  • Сосредоточьтесь на процессе, а не на продукте . Поощрение вашего ребенка к действию неструктурированного искусства помогает ему работать с внутренней мотивацией. Он учит их свободно выражать свои мысли, не беспокоясь о том, что думают другие. Если конечному продукту уделяется много внимания или мы тратим много энергии на восхваление конечного результата, ребенок с большей вероятностью будет делать что-то, чтобы получить ваше одобрение, вместо того, чтобы делать то, что он хочет.Часть сосредоточения на процессе включает в себя поощрение усилий; исследование и усилия важнее конечного продукта. Обратите внимание на их упорный труд!
  • Давай. Пока ребенок в безопасности (т. Е. Не бегает с ножницами), позвольте ему исследовать. Они могут тратить большую часть времени на то, чтобы затачивать цветные карандаши, вместо того, чтобы рисовать ими. Дети учатся, играя, исследуя, методом проб и ошибок. Когда мы даем им свободу открывать, они учатся создавать и экспериментировать новыми и новаторскими способами.

Заставьте вашего ребенка творить и учиться. Все, что вам нужно, — это кисть и непредвзятость.

Другие статьи о развитии ребенка, воспитании детей и многом другом можно найти на веб-сайте MSU Extension.

Вы нашли эту статью полезной?