Виды арта: Art: Виды арта

Содержание

Art: Виды арта

   Стикер-арт (англ. Sticker art) — одна из форм уличного искусства, в котором изображения несут наклейки. Содержание таких наклеек может быть разнообразным, и включает многие подкатегории граффити. Стикеры начали активно распространяться с начала 2000-х годов и часто появлялись в крупных городах, например, на мусорных баках, дорожных знаках и стенах домов. Первопроходцем этого вида искусства считается Шепард Фейри.

  
  Апт-арт — «квартирное искусство», название происходит от английских слов «apartment» (квартира) и «art» (искусство). Апт-арт — термин, изобретенный художником Никитой Алексеевым для домашней выставки, которая оформляется в начале 80-х годов в качестве особого экспозиционного жанра, ставшего ярким художественным явлением и оригинальным, чисто российским вкладом в развитие современного искусства. Апт-арт — искусство созданное именно с расчетом на такой способ демонстрации.


   Виженари арт (англ. 

Visionary art — визионерское искусство) — художественный стиль, имеющий в своей основе спонтанное изображение увиденного в изменённом состоянии сознания, религиозного, медитативного созерцания, транса, а также флешбэков, возникающих после так называемых «трипов».


 
    Концепт-арт — направление в искусстве, предназначенное для того, чтобы визуально передать идею произведения, но не форму или внешние атрибуты. Как правило создаётся на начальной стадии разработки проекта и предназначается для использования в фильмах, компьютерных играх, комиксах до создания финальной версии. Также называется «концепт-дизайном». Не следует путать с концептуальным искусством.

   
    Фурри-арт

(от англ. furry art), иначе фурри-искусство — художественные работы, темой которых являются антропоморфные (очеловеченные) животные. Фурри-артом называют художественные работы, созданные в контексте субкультуры фурри как главной целевой аудитории, реже так называют художественные работы, предназначеные для широкой аудитории, но содержащие антроморфных животных персонажей.

    Латте-арт (от итал. Latte art, «молоко» + «искусство») — это особый способ вливания вспененого молока в эспрессо, благодаря чему на поверхности кофе создаются различные узоры. Также узор может быть создан путём простого рисования на верхнем слое пены, например зубочисткой или другим острым предметом. Латте-арт требует чёткого соблюдения пропорций молока и кофе.

    Сёрф-арт (англ. Surf Art) — направление в искусстве, сформировавшееся в начале 20-го века. Отличается использованием элементов импрессионизма, постимпрессионизма, сюрреализма, абстрактных и парадоксальных сочетаний форм. Сёрф-арт включает в себя картины, скульптуры и различные элементы дизайна, в которых изображен подлинный сёрфинг, образ жизни и всё, что с этим может быть связано.

     
   
   Паблик-арт (Общественное искусство; искусство в общественном пространстве; англ. public art) — искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством.

     
   Лэнд-арт (от англ. land art — ландшафт-искусство), направление в искусстве, возникшее в США в конце 1960-х годов, в котором создаваемое художником произведение было неразрывно связано с природным ландшафтом. Работы лэнд-арта не были по отношению к ландшафту внешними или привнесёнными, последний использовался скорее как форма и средство создания произведения. Часто работы выполнялись на открытом и удалённом от населённых мест пространстве, в котором оказывались предоставленными самим себе и действию природных сил.

   Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art

) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

  • изменяются масштаб и материал;
  • обнажается приём или технический метод;
  • выявляются информационные помехи и др.
    Боди-арт (англ. body art — «искусство тела») — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело человека, а содержание раскрывается с помощью невербального языка: поз, жестов, мимики, нанесения на тело знаков, «украшений». Объектом Боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела.

   

   Мэйл-арт (англ. mail art) — вид современного изобразительного искусства, применяющий почтовые марки и другие почтовые материалы как изобразительные средства.

    

  Стрит-арт (англ. Street art — уличное искусство) — изобразительное искусство, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль.
Основной частью стрит арта является граффити (иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты, различные скульптурные инсталляции и т. п. В уличном искусстве важна каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой стилизованный логотип — «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте — не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу.


   Фан-арт (англ. fan art) — разновидность творчества поклонников популярных произведений искусства, производное рисованное произведение, основанное на каком-либо оригинальном произведении (как правило, литературном или кинематографическом), использующее его идеи сюжета и (или) персонажей. Также стало популярно рисовать фан-арты к играм. Авторские работы фанатов отдельного произведения или их сходной группы на тему доработки внешности персонажей, места действия и т. п. Фан-арт не включает самостоятельно придуманные доработки и их литературные описания.

   Фан-арт может представлять иллюстрацию, пародию, карикатуру, кроссовер («переплетение» нескольких произведений), и др.

Формы и виды арт-терапии — Арт-терапия в психологии

Существует две формы арт-терапии: пассивная и активная.

 При пассивной форме клиент «потребляет» художественные произведения, созданные другими людьми: рассматривает картины, читает книги, прослушивает музыкальные произведения.
При активной форме арт-терапии клиент сам создает продукты творчества: рисунки, скульптуры и т.д.

Занятия по арт-терапии могут быть структурированными и неструктурированными.


При структурированных занятиях тема жестко задается и материал предлагается психологом. Как правило, по окончании занятий обсуждаются тема, манера исполнения и т.д.
При неструктурированных занятиях клиенты самостоятельно выбирают тему для освещения, материал, инструменты.

 Существуют различные варианты использования метода арт-терапии:
• использование уже существующих произведений искусства через их анализ и интерпретацию клиентами;
• побуждение клиентов к самостоятельному творчеству;
• использование имеющегося произведения искусства и самостоятельное творчество клиентов;
• творчество самого психолога (лепка, рисование и др.), направленное на установление взаимодействия с клиентом.

Виды арт-терапии, представленные в психологии и медицине, отвечают существующим видам искусств. Кроме того, каждый из этих видов имеет множество арт-терапевтических техник, которые применяются для решения внутренних и межличностных конфликтов, кризисных ситуаций, вековых кризисов, травм, невротичных и психосоматических расстройств и тому подобное. Выделяют следующие виды:
1. Арт-терапия в узком смысле слова — рисуночная терапия, основанная на изобразительном искусстве.
2. Библиотерапия (в том числе сказкотерапия) — литературное сочинение и творческое прочтение литературных произведений.
3. Музыкотерапия
4. Танцевальная терапия

5. Куклотерапия
6. Цветотерапия
7. Песочная терапия 


Какие существуют виды арт-бизнес-идей?

Идеи арт-бизнеса могут включать создание произведений искусства для продажи частным или коммерческим клиентам; они также могут включать работу в качестве представителя или посредника для работы других людей. Если человек обладает художественным мастерством и хочет зарабатывать на жизнь этим талантом, то создание и продажа произведений искусства могут быть идеальным способом зарабатывать на жизнь. Для людей, которые увлекаются искусством и хотят работать с художниками, открытие галереи, кооператива или агентства может быть полезным путем. Уроки репетиторства или обучения искусству могут использоваться в качестве дополнения к художественному бизнесу, в то время как учебное заведение или студия могут быть самостоятельной бизнес-идеей.

Картины, скульптуры и другие предметы изобразительного искусства могут быть проданы непосредственно потребителям или проданы через галерею. Многие художники используют оба места, чтобы продавать свои произведения коллекционерам и покупателям. Другие бизнес-идеи изобразительного искусства включают продажу коммерческим клиентам, таким как издатели, отдельные предприятия и рекламные агентства. Большинство фрилансеров используют разнообразные художественные бизнес-идеи, чтобы представить свою работу потенциальным покупателям; популярные методы включают рекламу, показ в галереях и рассылку рекламных карт и материалов.

Другие художественные бизнес-идеи могут включать открытие бизнеса по росписи или искусственной живописи, компании по дизайну интерьеров или организации домашнего декорации. Отдельные художники могут работать вместе, чтобы создать галерею или кооперативную студию, что позволяет им коллективно продавать искусство потребителям. Совместное использование пространства студии и галереи с другими мастерами также позволяет разделить расходы.

Люди, которым просто нравится быть окруженными искусством, но не желающими заниматься созданием и продажей, могут рассмотреть несколько различных идей бизнес-представлений. Открытие публичной галереи — это один из способов погрузиться в мир искусства, не будучи художником. Представители талантов художников также занимаются маркетингом, созданным другими; Художественное представление может быть предложено мелким и коммерческим художникам.

Некоторые из лучших художественных бизнес-идей сочетают в себе талант человека к творчеству и талант к маркетингу. Люди, которым нравятся оба аспекта продажи искусства, обладают наибольшей гибкостью в отношении тех типов бизнес-идей, которые они могут рассмотреть. Интроверты, которые любят творить, могут предпочесть художественные бизнес-идеи, которые фокусируются на создании новых произведений и оставляют продажу другим. Экстраверты, которые любят встречаться с новыми людьми, могут предпочесть маркетинг искусства, созданного другими, одинокой жизни студийного художника.

ДРУГИЕ ЯЗЫКИ

Виды уличного искусства. Стрит-арт для свободных художников

Стрит-артом называют вид изобразительного искусства, характеризующийся ярко выраженным урбанистическим стилем. Многим знакомо одно из его направлений – граффити, но это не единственная форма самовыражения уличных художников. Есть еще трафаретная печать, создание постеров и инсталляций, рисование стикерами, монументальная живопись и другие формы уличного искусства.

Зарождаться стрит-арт начал еще в древнем мире. В принципе, и наскальную живопись можно отнести к его проявлениям. В современном виде такое творчество зародилось в Америке во второй половине XX века. Одним из основоположников граффити стал Taki-183 из Нью-Йорка, полное имя которого в историю не вошло. Работая курьером и перемещаясь по городу, он оставлял на стенах, заборах, в метро свою подпись, состоящую из имени и номера улицы, где он жил. Позже о нем написали газеты, и уже толпы его последователей стали оставлять свои метки (tags), все больше разрисовывая улицы города.

В качестве объектов для художеств выступали стены заброшенных зданий. Фото: thinkstockphotos.com Из Америки стрит-арт пока только в форме граффити распространяется дальше. В Европе это движение стало более «интеллектуальным». Художники стали призывать людей подумать, бороться за свои права, протестовать против несправедливости, быть активными. Изначально в качестве объектов для художеств выступали стены заброшенных зданий, основания мостов, станции метро. Позже художники переключились на стены исторических достопримечательностей, что и определило уличное искусство вне закона. Его стали считать вандализмом, и продолжалось так несколько десятилетий.

Благодаря стрит-арту стало популярно создание картин на стенах подъездов или даже квартир. Фото: thinkstockphotos.com Сейчас уличное искусство не всегда воспринимается окружающими именно как искусство. Некоторые направления стрит-арта до сих пор считаются вандализмом и незаконны во многих странах. Однако умные руководители пересмотрели отношение к такому проявлению творчества молодежи и решили направить ее энергию в нужное русло. Власти поручают группам художников разрисовывать безликие стены производственных зданий и жилых домов, устраивают конкурсы и дают гранты. Нередко крупные магазины, кафе или галереи прибегают к такому способу декорирования зданий. Благодаря стрит-арту стало популярно создание картин на стенах подъездов или даже квартир.

Постепенно этот вид творчества выбирается из подполья. Для уличных художников проводят вполне легальные фестивали, конкурсы, выставки и другие мероприятия, где молодежь может поучиться у мастеров или продемонстрировать свои работы.

Стрит-артом занимаются люди, которые хотят сделать город лучше и краше. Фото: thinkstockphotos.com Относительно новым течением в стрит-арте считается 3D-граффити. Художники умудряются создавать уникальные и реалистичные шедевры на асфальте, которые с определенной точки кажутся объемными. Создание объемной картины может занимать несколько дней, а жизнь ее довольно коротка: до первого дождя или уборки дорог. Здесь важно успеть запечатлеть свой шедевр на фото.

Стрит-артом занимаются люди, которые изначально не ищут признания или известности. Им важно сделать окружающий мир чуть лучше и красивее, затронуть какие-то важные социальные проблемы, показать скрытые грани современного города и свой взгляд на мир. Если человек может увидеть прелесть в трещине на асфальте, дефекте на стене здания или обычном бетонном заборе и украсить это место, стоит ли ему мешать?

Арт-терапия для детей и ее виды

«Девятый вал» и «Мона Лиза», «Времена года» и «Полет шмеля», «Лебединое озеро» и «Щелкунчик», «сказка о Царе Салтане», «Война и мир» — все это шедевры мирового искусства. Во времена, когда они были созданы, никто не задумывался о том, что искусством можно лечить. Но уже тогда люди стремились к прекрасному и хотели творить.

В середине 20 века ученые впервые задумались о том, что искусством и творчеством можно не только наслаждаться, но и лечить психологические расстройства. С тех пор, арт-терапия зарекомендовала себя как высокоэффективный метод диагностики, коррекции, лечения и развития детей. Эта методика решает огромное множество психологических проблем:

  • Социальная адаптация детей
  • Проблемы агрессивного поведения
  • Неврозы, логоневрозы
  • Нарушения поведения
  • Истерики и капризы
  • Страхи, ночные кошмары
  • Плаксивость
  • Энурез
  • Проблемы с речью
  • Лечение болезней психосоматического характера
  • Задержка умственного развития
  • Семейные проблемы
  • Сложные жизненные ситуации
  • Развитие мелкой моторики
  • Коррекция развития детей-инвалидов, детей с ДЦП, ОВЗ, аутизмом, синдромом Дауна

Детская арт-терапия помогает даже самым маленьким пациентам, ведь с ее помощью любой ребенок может выразить свои чувства, мысли и эмоции, выплеснуть агрессию мирным путем, самовыразиться и, тем самым, решить многие внутренние проблемы и конфликты. Арт-терапевтические занятия для детей проходят в легкой игровой форме, ребенок даже не замечает, что он решает какие-то свои проблемы или обучается, для него это просто интересное познавательное занятие.

Виды арт-терапии для детей

В настоящее время эта методика получила достаточно широкое распространение, занятия арт-терапией  для детей проводятся во многих детских садах, школах, развивающих центрах и даже в поликлиниках. Существует огромное множество  всевозможных техник арт-терапии для детей, которые основаны на разных видах искусства, что является неоспоримым преимуществом данной методики. Ведь каждый ребенок сможет выбрать именно то, что ему по душе.

Сказкотерапия — терапевтическая и развивающая методика одновременно. Сказкотерапия позволяет, с помощью правильно подобранной сказки, рассказа, притчи, проиграть проблему ребенка и подсказать выход  из проблемной ситуации. Развивающая сказкотерапия рассказывает ребенку о добре и зле, о мире и жизни, прививает нормы морали, учит разбираться в людях и взаимодействовать с ними.

Песочная терапия — прекрасный метод диагностики и решения многих проблем. Наблюдая за игрой ребенка, терапевт выявляет его проблемы, внутренние конфликты и помогает, с помощью игры, решать эти вопросы. Прекрасно развивает мелкую моторику рук, пространственное мышление, решает проблемы с речью и многие другие.

Танцевальная терапия – является отличной профилактикой детских комплексов, неврозов, помогает ребенку выразить мысли и эмоции через движения своего тела, снимает эмоциональное напряжение. Танцевальная терапия хорошо подходит для скромных и закомплексованных детей, они учатся владеть своим телом, осознавать его, что способствует повышению самооценки и приобретению уверенности в себе.

Цветотерапия  известна с древнейших времен, еще наши предки знали, что каждый цвет имеет свое влияние на организм человека. Голубой цвет — успокаивает, зеленый — расслабляет, красный — лечит простудные заболевания, оранжевый придает бодрости, желтый — улучшает настроение. Эти знания можно успешно использовать для того, чтобы гармонизировать состояние человека.

Игротерапия- является инструментом диагностики и лечения разнообразных психологических и социальных проблем ребенка. Игротерапевт, наблюдая за тем как играет ребенок, зачастую, может сделать больше выводов о состоянии ребенка, чем в ходе длительной беседы. И так же, через игру оказать ребенку серьезную  психологическую помощь.

Куклотерапия помогает бороться с детскими страхами, решает множество психологических проблем. С помощью театральной постановки, которая основывается на проблеме пациента, ребенок проигрывает свою жизненную ситуацию и находит выход из нее. Так же, ребенок может сделать собственную куклу, которая станет олицетворением его проблемы. Вложив свои переживания в куколку, ребенок высвобождает негативные эмоции и ему становится легче.

Изотерапия активно используется для коррекции невротических, психосоматических нарушений, при трудностях в обучении и социальной адаптации. В изотерапии используется: рисование, лепка, декоративно-прикладное искусство. Творчество помогает ребенку лучше понять себя, выразить свои мысли и чувства, освободиться от негативных эмоций. Рисование отлично развивает у ребенка  чувственно-двигательную координацию, конкретно-образное  и абстрактнологическое мышление.

В музыкотерапии, музыка используется в лечебных и коррекционных целях, это направление получило широкое применение, как в психологии, так и в медицине. Многочисленные  исследования показали, что музыкотерапия регулирует психовегетативные процессы организма, тем самым влияя на физиологическое состояние человека, регулирует эмоциональное состояние человека, способствует очищению от негативных эмоций, активизирует творческое полушарие мозга, повышает социальную активность.

Детскую арт-терапию активно используют в двух направлениях: для лечения психологических проблем у детей, начиная от раннего дошкольного возраста, и для всестороннего развития малышей (2-3 года), старших дошкольников, детей школьного возраста. Родители также могут использовать арт-терапию для развития своих малышей, даже, если что-то будет получаться не совсем верно, вреда это не прнесет. Но, для лечения ребенка средствами детской арт-терапии, обязательно нужно обращаться к квалифицированному специалисту.

Необходимо помнить, что арт-терапия — это не то же самое, что кружок умелые ручки: изотерапия не просто кружок по рисованию, а музыкотерапия, не обычные занятия музыкой для детей, обращайте на это внимание, когда отдаете своих детей заниматься по данной методике.

Ирина Лозицкая, семейный психолог, арт-терапевт

Сложный мир трёхмерного боди арта – самого современного вида татуировок

Двадцать первое столетие недаром называют веком 3-D технологий. Ведь именно XXI подарил человечеству фильмы и компьютерные игры с использованием трёхмерной графики. Добрались новые технологии и до тату салонов. Делать подобные образцы боди арта – настоящее искусство, доступное лишь профессиональным мастерам.

Основные нюансы

3-D тату невозможно сделать за один сеанс. Чаще всего на такой рисунок уходит от трёх до семи дней. При рисовании на тело контура изображения необходимо нанести большое количество:
  • теней;
  • полутеней;
  • бликов.

Так изображение становится более объёмным. Важно: рисунок при этом должен оставаться очень чётким! Основной плюс такого боди арта в его уникальности. Ни один самый лучший подражатель не сможет в точности воспроизвести 3D татуировку своего предшественника. Вот почему всё больше мужчин и женщин выбирают подобную нательную живопись. 

Виды трёхмерных татуировок

Cамыми популярными темами трёхмерного боди арта являются следующие мотивы:
  • биомеханика;
  • фантастика и фэнтези;
  • геометрические фигуры;
  • надписи;
  • животные и растения;
  • абстракция;
  • реализм.

Люди редко набивают надписи на русском. Чаще клиенты предпочитают английский, французский и испанский языки или же арабскую вязь. Реалистические 3-D рисунки по праву считаются самыми сложными. Это не что иное, как портреты, пейзажи и репродукции известных картин. Рисунки в жанре биомеханика показывают связь между человеком и различного рода механизмами. По другому такой боди арт называют оптическим обманом. Лучше всего наносить такой арт на предплечье. Так он будет выглядеть объёмнее. Да и мастерам с этим участком тела работать проще. 

Этот вид боди арта чаще выбирают мужчины с агрессивным складом характера. Им нравятся изображения разрезанных участков кожи с торчащими из ран проводами, частями механизмов и шурупами. Для этого вида тату используется большое количество краски. 

Меры предосторожности

Мастер обязан предупредить клиента о том, что за частью тела, на которую была нанесена татуировка, необходимо бережно ухаживать. Специальные косметические и обеззараживающие мази, пригодные для этой цели, есть в любой аптеке.

Кроме того, 3-D тату нуждается в периодической реставрации. Ведь кожа с течением лет меняется, а краски тускнеют. И, конечно же, как и в случаях с любым боди артом, необходима дезинфекция инструментов и рабочего места после каждого клиента. Желательно также кварцевать помещение хотя бы раз в сутки.

Некоторые клиенты наносят на тело надписи на незнакомых языках, не понимая их смысла. Это большая ошибка. Ведь из-за подобных тату люди могут попадать в нелепые или опасные ситуации при посещении иностранных государств. Мастер должен не только сам понимать смысл наносимых надписей или символов, но и растолковать их посетителям как можно подробнее.

На каких частях тела располагают трёхмерный боди арт?

Для набивания трёхмерных тату годится практически любая часть тела:
  • рука;
  • нога;
  • грудь;
  • живот;
  • шея;
  • предплечье;
  • запястье.

Так как кожа на запястьях тоньше и нежнее, лучше использовать тонкие иглы и работать самым кончиком. После сеанса нужно сразу же наложить обеззараживающую повязку.

Спина, плечо или грудь лучше всего подходит для объёмных трёхмерных тату. Рисунок с большим количеством деталей и смешением цветовой гаммы будет притягивать к его обладателю множество восхищённых взглядов.

Многие клиенты просят набить себе портреты близких людей. Умерших, тех, кто по каким-то причинам находится на другом конце земли или бывших возлюбленных. Так их лик никогда не сотрётся из памяти клиента. Если посетитель изъявил такое желание, нужно попросить у него чёткие цветные снимки того, кого он захочет увидеть на своём теле. Нередко фанаты просят набить на плечо или другую часть тело лицо знаменитости: певца, актёра или музыканта.

Так как нанесение 3D tattoo занимает много времени, это может оказаться довольно-таки болезненным процессом для клиента. Поэтому людям с низким болевым порогом лучше от них отказаться или же принять обезболивающее перед походом в салон.

Обо всех подобных нюансах мастер должен предупредить посетителя перед началом работы.

Заключение

Мастеру необходимо подготовить эскиз заранее. Нельзя делать такие тату, не проведя подготовительные мероприятия. Также желательно, чтобы клиент сделал аллергический тест, так как для этого вида боди арта понадобится большое количество ярких красок. Тогда рисунок принесёт клиенту радость и удовлетворение. 

Ответы на частые вопросы

Можно ли набивать трёхмерную татуировку на пальцах или ушных раковинах?

Делать это нежелательно, так как для таких наколок требуется простор, которого нет на небольших частях тела.

Нужно ли делать аллергический тест перед нанесением обеззараживающих или обезболивающих мазей?

Да, ведь не только чернила, но и мази могут вызывать нежелательные реакции организма.

Может ли начинающий тату мастер делать трёхмерные наколки?

Нет, для этого желательно окончить специализированные курсы и хотя бы несколько месяцев попрактиковаться.

Исцеление творчеством: виды арт-терапии

В творчестве человек демонстрирует скрытые эмоции и желания, что в обычной жизни им дается нелегко из-за внутренних запретов, пережитых травм и негативных установок.Арт-терапия — разновидность психотерапии, в которой используются творческие техники.

Цель этой методики — работа с собственным «Я», проработка травм и снятие блоков. Главное в такой терапии — процесс, а не результат. Пациент выражает себя в образах, а терапевт «считывает» его послание и помогает проработать проблему.

Если вам нужна пробная консультация психолога в Кировограде в режиме онлайн, переходите по ссылке https://www.qui.help/psychologists/city/ukraina_kirovograd — на сайте вы можете выбрать терапевта, практикующего эту и другие эффективные методики.

Самые популярные разновидности арт-терапии

  1. Музыкотерапия — в ходе сеанса терапевт с пациентом слушают музыкальное произведение. Задача — реагировать на него эмоционально, обсуждать возникшие чувства и образы с терапевтом.
  2. Сказкотерапия — рассказывание историй способствует полному раскрытию пациента. Эта методика подходит не только для детей, но и для взрослых, когда пациент обыгрывает свою жизненную ситуацию или проблему, рассказывая ее в формате сказки.
  3. Драматерапия — импровизация и проигрывание разных ролей для развития эмпатии, повышения коммуникативных навыков, выражения эмоций. Эту методику используют, чтобы наладить психосоматику, избавиться от зажимов и внутренних блоков.
  4. Изотерапия — лечение рисунком. Подходит для детей и взрослых. Терапевт отслеживает детали — выбор инструмента, работу с цветом и фактурой, построение композиции. Изотерапия помогает работать с ощущением личных границ, которые нередко нарушаются в детстве. Также эта методика помогает преодолеть стеснение и научиться самовыражению.
  5. Песочная терапия — впервые эта методика использовалась Карлом Юнгом. Суть в том, чтобы с помощью рисунков на песке обратиться к бессознательному пациента и извлечь его ранние переживания. Терапия помогает расслабиться, раскрыться и проработать глубинные эмоции.

Арт-терапия: кому подходит и как помогает

Эта методика эффективна при работе с детьми, в том числе, с расстройствами аутистического спектра, когда вербально выражать эмоции крайне сложно. Взрослым людям это направление психотерапии помогает понять себя и свои переживания, перестать запрещать себе эмоции, быть более открытым. Также это направление помогает людям, столкнувшимся с тяжелым заболеванием, принять случившееся и пройти через реабилитацию, не погрузившись в глубокую депрессию.

Подытожим. Арт-терапия эффективна и помогает:

  • снизить проявление тревожности;
  • разобраться в себе;
  • уменьшить последствия стресса;
  • повысить самооценку;
  • улучшить коммуникативные навыки;

Больше информации о разных видах психотерапии ищите на qui.help. На платформе собраны проверенные специалисты со всей Украины, консультирующие онлайн.

7 различных форм искусства: простое руководство

Определение искусства разнообразно, охватывая множество уникальных форм выражения. Однако существует семь форм искусства, которые подпадают под общее коллективное определение «искусства».

Определение искусства

Искусство в любой форме — это выражение или применение человеческого творчества, навыков и воображения. Многие виды искусства воспринимаются визуально, но их также можно услышать или насладиться через сенсорное прикосновение.Искусство традиционно ценилось в первую очередь за его красоту или эмоциональную силу, но теперь часто используется для политического выражения или социальных комментариев.

Большинство произведений искусства можно разделить на семь различных форм искусства, которые мы рассмотрим в этой статье. Признание и понимание каждой из отдельных категорий искусства не только позволяет нам больше получать удовольствие от искусства, но также жизненно важно, чтобы помочь нам понять роль искусства в нашей жизни и истории.

Какие 7 различных форм искусства?

Конкретные средства и формы художественного выражения менялись на протяжении всей истории человечества, но по большей части искусство относится к одной из следующих семи классических форм.Каждый вид искусства воспринимается по-разному и влияет на наши эмоции и чувства.

  • Живопись
  • Скульптура
  • Литература
  • Архитектура
  • Кино
  • Музыка
  • Театр

Мы узнаем, что охватывает каждый вид искусства, его историю и то, как оно обогащает нашу повседневную жизнь.

1. Живопись

Живопись — это то, к чему приходит большинство умов, когда мы думаем об искусстве. Живопись — это наиболее распространенная художественная среда в детском образовании.Многие из самых известных современных художников сегодня работают в этой среде, в том числе Алек Монополия, Дэвид Краков, Йоэль Бенхарруш, Анджело Аккарди и Кальман Шеми.


Живопись — это форма выражения вашего художественного видения с использованием краски в качестве основного средства. Художник, который работал преимущественно в этой среде, известен как живописец и развивает свою работу, нанося разноцветные краски на твердую поверхность, обычно холст, для создания произведения искусства. Краски обычно бывают масляными, акриловыми или акварельными, но вы также можете рисовать пигментами, красителями и чернилами или включать другие материалы.

Нанесение краски бывает разных форм; его можно растереть щеткой, намазать, промокнуть или забрызгать. Живопись — один из древних видов искусства, наскальные рисунки которого восходят к доисторическим временам.

Картины классифицируются как по тематике, так и по стилям и жанрам. Сюжеты живописи обычно относятся к натюрмортам, пейзажам, морским пейзажам, портретам или абстрактным. Существует множество стилей живописи, включая модерн, экспрессионизм, классический, сюрреалистический, кубистический, китайский стиль, абстракционизм, импрессионизм и многие другие.

2. Скульптура

Скульптура — еще один древний вид изобразительного искусства, восходящий к доисторическим временам. Скульптура создает трехмерные визуальные образы, традиционно используя такие материалы, как глина, камень, керамика, металлы или дерево.

Известные скульпторы-классики, такие как Микеланджело и Мирон, отдавали предпочтение технике резьбы и литья с использованием мрамора и бронзы. Эти материалы используются во многих самых известных скульптурах в мире, таких как «Давид», «Статуя Свободы» и «Писающий мальчик».

Однако современные скульпторы имеют в своем распоряжении практически любой объект для создания скульптуры, включая металл, пластик, стекло или найденные предметы. Современные скульпторы также имеют в своем распоряжении более широкий спектр техник, включая сварку, резьбу, сборку или моделирование.


Современные скульпторы, такие как Дорит Левинштейн, часто сочетают скульптуру с другими материалами, такими как акриловые и масляные краски. Новый художник галереи Eden, Гал Йосеф (Гали), занимается цифровой скульптурой с помощью программ 3D, прежде чем его видение станет физическим произведением искусства.

В 1917 году «Фонтан» Марселя Дюшана изменил общественное восприятие того, что такое искусство и скульптура, когда он представил скульптуру, состоящую из готового фарфорового писсуара. С тех пор определение того, что относится к категории скульптуры, продолжает расширяться.

Во многих культурах скульптуры были первой и самой старой формой общественного искусства. Часто слишком большие для частных домов, скульптуры заказывались королями или религиозными и политическими лидерами и выставлялись в общественных местах — обычно как выражение богатства, власти, религии или политики.Многие классические города древнего мира, такие как Афины, Иерусалим, Стамбул и Рим, являются домом для впечатляющих общественных собраний скульптур.

3. Литература

Литература — это искусство делиться историями. Это художественная форма языка, которую можно читать или говорить. Краткий Оксфордский словарь определяет литературу как «произведения, ценность которых заключается в красоте формы или эмоциональном воздействии».

Литература охватывает все письменные языки и включает в себя широкий спектр письменных произведений, включая стихи, эссе, пьесы, биографии, художественную литературу, научную литературу, сатиры и многое другое.

Писатели создают искусство с литературой, используя слова, доставляющие удовольствие, и хотя чтение доставляет удовольствие, эти слова часто являются критикой общества. Многие из самых известных авторов использовали язык и письменное слово для критики или предложения точки зрения на общество, в том числе Джордж Оруэлл, Шарлотта Бронте и Чарльз Диккенс.

Хотя литература стоит сама по себе как вид искусства и является одной из семи различных форм искусства, она также тесно связана с театром, поэзией, кино, музыкой и устным словом.

4. Архитектура

Архитектура — это искусство, которое вы проходите каждый день, не осознавая и не осознавая его как вид искусства. Архитектура — это искусство строить конструкции, и мы могли бы разумно датировать архитектуру тем временем, когда человек впервые создал убежище. Однако более распространенное восприятие архитектуры как вида искусства относится только к горстке зданий, которые особенно красивы или внушают благоговение.

Древние шедевры архитектурного дизайна включают такие достопримечательности, как Великие пирамиды, Римский Колизей, Тадж-Махал, Собор Святой Софии или Стоунхендж.Современные архитектурные чудеса включают Эйфелеву башню, Храм Святого Семейства, Сиднейский оперный театр, Лувр, небоскреб Бурдж-Халифа и музей Гуггенхайма.

Архитектура служит функциональному назначению, но является ранним и последовательным выражением желания человека строить значимые структуры на протяжении всей истории. Архитектура — это одновременно и практическая необходимость, и форма искусства, а как скульптура она общедоступна.

Многие из самых известных в мире архитектурных произведений можно легко увидеть в крупных городах мира.Однако известные современные архитекторы, такие как Фрэнк Ллйод Райт и Фрэнк Гери, также реализовали проекты частных домов. На вашей собственной улице вполне может быть какое-то искусство.

5. Кинотеатр

Кино — новейший из семи видов искусства. Созданный чуть более века назад, кино, возможно, не имеет такой долгой истории, как другие виды искусства в этом списке, но быстро стало одним из самых популярных.

Фильмы — это проекция трехмерного мира на двухмерный экран, форма искусства, которая задействует наши слуховые и визуальные чувства.Как и литература, фильмы рассказывают историю, но в них используется как устное слово, так и изобразительное искусство и многое другое.

Кино быстро развилось и превратилось в крупную индустрию, которую мы знаем сегодня. В киноиндустрии работают мастера по спецэффектам, анимации, макияжу, костюмам, сценариям, декорациям, саундтреку, актерскому мастерству, режиссуре и многому другому. Многие из этих профессионалов искусства подпадают под другие семь широких категорий искусства, перечисленных в этой статье. В каждую кинематографическую постановку входит широкий спектр творческого видения и навыков.

Хотя для создания кинематографического искусства требуется много квалифицированных мастеров, главный художник часто считается режиссером. Такие режиссеры, как Стэнли Кубрик, Альфред Хичкок, Джордж Лукас, Акира Куросава, считаются одними из самых известных режиссеров всех времен.

Хотя кино часто не воспринимается как высокое искусство, как некоторые из классических форм, это, несомненно, одна из самых доступных и популярных категорий искусства современной эпохи.

6. Музыка

Музыка — это искусство аранжировки звуков и вибраций для создания музыкальной композиции с использованием элементов мелодии, гармонии, ритма и тембра.Музыка может использовать человеческий голос, инструменты или и то, и другое.


Музыка — это универсальная в культурном отношении форма искусства, присутствующая во всех человеческих обществах по всему миру. Музыка также имеет сильные ассоциации с религией и является стандартной частью многих религиозных обрядов. Когда звуки, издаваемые голосовыми связками и различными инструментами, комбинируются, они могут выражать красоту эмоций.

. Музыку датировать сложнее, чем изобразительное искусство, но считается, что звуки голоса играли важную роль в раннем общении человечества до развития речи.Есть свидетельства того, что наши древние предки создавали музыкальные инструменты из дерева, костей, камней и других природных материалов.

В настоящее время современные музыканты имеют в своем распоряжении множество музыкальных инструментов, чтобы создавать музыку вместе со своими голосами. Музыка определяется по жанрам, и у нее слишком много жанров и стилей, чтобы их можно было назвать. Популярные западные музыкальные жанры включают все: от классики до госпела, рок, поп, хип-хоп, рэп, электронику, блюз, кантри, регги, инди, трэп, реггетон, фолк, металл, панк, соул, фанк, техно и многое другое. .

7. Театр

Театр — это вид искусства, в котором художник сочетает в себе визуальное искусство и драматическое искусство. Со временем определение театра расширилось, включив в него перформанс. Обычно это различные формы искусства, когда художник или художники представляют или исполняют свое искусство на сцене.

Театр был частью культуры еще со времен древних греков в VI веке до нашей эры. С тех пор театр стал одним из самых популярных источников развлечений. Более широкое исполнительское искусство включает театр и танец, музыку, оперу, цирковое искусство, мюзиклы, магию или иллюзию, пантомиму, устную речь, кукольный театр и исполнительское искусство.Традиционные греческие классификации театра: драма, трагедия и комедия, все еще применимы ко многим современным постановкам.

Театр часто включает другие семь различных форм искусства в свой общий пакет, с музыкой, сценографией и литературой, которые часто используются в качестве элементов театральной постановки. Другие формы декоративного искусства, такие как изготовление костюмов, также вносят свой вклад в общее впечатление. Театральные представления также устраивались в некоторых из самых впечатляющих архитектурных сооружений истории, таких как Помпеи и другие известные древнегреческие и римские амфитеатры.

Многие артисты внесли свой вклад в создание театральных постановок. Среди известных артистов театра — драматурги, такие как Уильям Шекспир, композиторы, такие как Эндрю Ллойд Уэббер, а также режиссеры и актеры, такие как Ли Страсберг, Лоуренс Оливье и Джули Эндрюс.

Заключение

На вопрос, какой вид искусства является наиболее популярным, очень сложно дать однозначный ответ. Ответ очень субъективен и все время меняется.Однако семь форм искусства , которые наиболее ясно показывают нам, как история и общество менялись с течением времени, несомненно, являются кино, живопись, архитектура, скульптура, литература, театр и музыка.

произведений искусства | Britannica

искусство , также называемое изобразительное искусство , способы выражения, которые используют навыки или воображение при создании эстетических объектов, окружающей среды или опыта, которыми можно поделиться с другими.

Традиционные категории в искусстве включают литературу (включая поэзию, драму, рассказ и т. Д.), Изобразительное искусство (живопись, рисунок, скульптура и т. Д.)), графики (живопись, рисунок, дизайн и другие формы, выраженные на плоских поверхностях), пластических искусств (скульптура, лепка), декоративно-прикладного искусства (эмаль, дизайн мебели, мозаика и т. д.), исполнительского искусства (театр , танец, музыка), музыка (как композиция) и архитектура (часто включая дизайн интерьера).

Британская викторина

Лучшая викторина по искусству

От символизма до скульптуры — эта викторина познакомит вас с вашей художественной стороной.

Искусство освещено в ряде статей. Для общих обсуждений основ, принципов, практики и характера искусств, см. эстетика. По техническим и теоретическим аспектам нескольких видов искусства, см. архитектура, каллиграфия, танец, рисунок, литература, кино, музыка, живопись, фотография, эстамп, скульптура и театр. См. Также исторические дискуссии в истории кино и истории фотографии.

Технические и исторические обсуждения декоративного искусства и меблировки можно найти в плетении, эмали, цветочном декоре, мебели, стеклянной посуде, дизайне интерьеров, лаке, металлических изделиях, мозаике, керамике, коврах и коврах, витражах и гобеленах.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишись сейчас

Относительно трактовки различных искусств, практикуемых конкретными народами и культурами, см. Африканская архитектура; Африканское искусство; Африканский танец; Африканская литература; Африканская музыка; Центральноазиатское искусство; Восточноазиатское искусство; Исламское искусство; Латиноамериканская архитектура; Латиноамериканское искусство; Латиноамериканский танец; Латиноамериканская литература; Латиноамериканская музыка; Искусство коренных американцев; Индейский танец; Индейская литература; Индейская музыка; Океаническое искусство; Океаническая литература; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии; Западная архитектура; Западный танец; Западная музыка; Западная живопись; и западная скульптура.Литература часто трактуется на том языке, на котором она написана. См. , например, словенская литература; Монгольская литература.

Поп-арт Направление: Художники и произведения искусства

Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелла», 1962 год. Предоставлено MoMA.

«Поп-артисты создали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы — все великие современные вещи, которые так старались абстрактные экспрессионисты. вообще не замечать.”

Энди Уорхол

Определение поп-арта: что такое поп-арт?

Первое определение поп-арта было дано британским куратором Лоуренсом Аллоуэем, который изобрел термин «поп-арт» в 1955 году для описания новой формы искусства, характеризующейся образами потребительства, новых медиа и массового воспроизведения; Одним словом: массовая культура. Благодаря смелым, простым, повседневным изображениям и ярким цветам, поп-арт был одним из первых художественных движений, сокративших разрыв между коммерческим и изобразительным искусством.

Художники поп-арта черпали вдохновение из рекламы, журналов, рекламных щитов, фильмов, телевидения, комиксов и витрин для своих юмористических, остроумных и ироничных работ, которые можно рассматривать как праздник и как критику поп-культуры. Но как появился поп-арт, кто был ключевыми игроками и каковы их художественные цели?

Ключевые даты: 1955-1965
Ключевые регионы: Великобритания и США
Ключевые слова: Популярная культура, СМИ, консьюмеризм
Ключевые художники: Энди Уорхол, Рой Лохтенштейн, Роберт Раушенберг, Клас Ольденбург, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, «Мы всегда видим на память».

Истоки поп-арта

Хотя поп-арт в основном ассоциируется с Соединенными Штатами, поп-арт рано получил признание в Великобритании как критическое и ироничное отражение послевоенной потребительской культуры конца 1950-х годов.
Фактически, в 1952 году в Великобритании группа художников, писателей и критиков, которая впоследствии стала известна как «Независимая группа» — или просто «IG» — начала регулярно встречаться, движимая общим восприятием разрыва между искусство и жизнь того времени, чтобы обсудить новые теории и методы включения в художественную практику тех аспектов визуальной культуры, которые традиционно не были ее частью, но которые неизбежно стали элементами повседневной жизни, от упаковки продуктов до знаменитостей кино.

Коллективная выставка группы This Is Tomorrow, , состоявшаяся в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, стала ключевой отправной точкой для поп-арта, представив беспрецедентный пример интеграции искусства и современной жизни.

За границей, в те же годы поп-арт возник как реакция на доминирующее художественное движение, абстрактный экспрессионизм. Развивая идею о том, что искусство — это индивидуальное выражение гения художника, поп-арт позволил художникам повторно ввести фрагменты реальности в искусство с помощью изображений и сочетаний повседневных предметов.
Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг были одними из первых художников в Америке, которые уловили силу обычного, положив начало движению. Первые исследовали границы между искусством и повседневным миром, буквально включив обычные предметы в окрашенные холсты; последний представляет то, что он определил как «вещи, которые уже знает разум», набор повторяющихся концепций и популярных образов.

Ключевые идеи поп-арта

Английский поп-художник Ричард Гамильтон в 1957 году перечислил характеристики поп-арта: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый. , Массовое производство, молодежное (направленное на молодежь), остроумное, сексуальное, бесподобное, гламурное, крупное.
Поп-арт, созданный из эстетики банальной его подписи, отражает времена массового производства и быстрых банальных развлечений, а также исследует превращение славы в товар. Предметы повседневного обихода, такие как консервные банки Кэмпбелла и знаменитости поп-культуры, такие как Мэрилин Монро, были превращены в искусство и стали иконами движения.

Элементы множественности и воспроизводства — типичные для культуры массового производства — также отражены в художественных средствах и процессах: в то время как акриловые краски позволяли художникам создавать яркие плоские поверхности, техника трафаретной печати создавала смелые цветные изображения в виде повторяющихся узоров, разрушающих идею живописи как средство самобытности.

Энди Уорхол и его коробки Brillo. Предоставлено HBO

Британский поп-арт против. Американский поп-арт

Хотя британский поп-арт в значительной степени вдохновлен американской поп-культурой, это было довольно игривое и ироничное исследование того, что представляют собой популярные американские образы и как они влияют на жизнь и образ жизни людей.
Для американских художников, с другой стороны, поп-арт означал возвращение к репрезентации: теперь царили резкие грани, четкие формы и узнаваемый сюжет, контрастируя со свободной абстракцией и символизмом абстрактных экспрессионистов.
Находясь под сильным влиянием практики коммерческого искусства, эти художники черпали вдохновение из того, что они видели и пережили напрямую. Неудивительно, что многие начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был иллюстратором журналов и графическим дизайнером, Эд Руша был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начинал как художник по оформлению рекламных щитов. Их опыт дал им отличный визуальный словарь массовой культуры, а также технические навыки, позволяющие легко переходить между высоким искусством и популярной культурой и объединять эти два мира.

Известные исполнители поп-арта

Среди ведущих британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2006), Ричард Гамильтон (р. 1922), Дэвид Хокни (р. 1937) и Аллен Джонс (р. 1937).

Среди известных представителей поп-арта в американском искусстве были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (род. 1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87). Среди других американских представителей были Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р.1928), Рэй Джонсон (1927-95), Алекс Кац (р. 1927), Клас Ольденбург (р. 1929), Эд Руша (р. 1937), Джеймс Розенквист (р. 1933-2017) и Том Вессельманн (р. 1931 г.).

Знаковые произведения поп-арта

Ричард Гамильтон, Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956 Ричард Гамильтон, «Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными?», 1956. С разрешения Phaidon

Коллаж Ричарда Гамильтона представляет собой пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились в послевоенном сознании.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих , 1962 Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962. Предоставлено Тейт.

Увлечение Уорхола популярной культурой и славой привело к тому, что он создал большое количество экранных снимков с портретами знаменитостей, экспериментируя с вариациями цветов и умножением.
Его Мэрилин Диптих содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.

Рой Лихтенштейн, Whaam! , 1963 Рой Лихтенштейн, Whaam !, 1963. Предоставлено Тейт.

Роя Лихтенштейна Whaam! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полосу комиксов о взрыве ракеты в небе.Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.

Кейт Харинг, Radiant Baby , 1982 Кейт Харинг, «Сияющее дитя», 1990. С любезного разрешения Тейт.

В Нью-Йорке 1980-х Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он выгравировал на стенах свои авторские рисунки. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов.На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.

Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ , 1967 Роберт Индиана, Любовь, 1967. Предоставлено MoMA.

Роберт Кларк родился в Индиане. Роберт Индиана взял имя своего родного штата, когда переехал в Нью-Йорк в 1954 году. Такое вдохновленное поп-музыкой восхищение силой обычных слов никогда не было более явным, чем в его работах LOVE . LOVE Индианы — одно из самых известных образов поп-арта. Первоначально он был задуман как рождественская открытка для Музея современного искусства в 1965 году. С тех пор LOVE принял форму гравюр, картин, скульптур, баннеров, колец, гобеленов и марок.

Прием критиков против публики

В то время как многие академики и критики были потрясены тем, как поп-артисты используют приземленные темы и их очевидно неизбирательное использование их, более образные и приземленные образы поп-арта понравились широкой публике и вскоре стали одним из них. самые популярные стили искусства, а также одно из первых проявлений постмодернизма.

Коллекционирование поп-арта

Поп-арт удалось добраться до широкой публики так, как это сделали — или сделали с тех пор немногие направления современного искусства, — и коллекционерам это тоже нравится. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959), проданная в 2006 году за 80 миллионов долларов, занимала 9-е место в рейтинге самых дорогих произведений искусства в истории того времени. Работа Энди Уорхола «Зеленая автомобильная авария» (1963) (синтетический полимер, шелкография, акрил на полотне) была продана на Christie’s, Нью-Йорк, в 2007 году за 71 доллар.7 миллионов, что делает его 14-м произведением искусства, проданным на тот момент по самой высокой цене. Неплохо для произведения неброского искусства.

Клас Ольденбург, Spoonbridge and Cherry, TK. Фото m01229, через Flickr.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь

Направление: Модерн. Стиль во всех дисциплинах

Истоки модерна

В 1884 году термин «модерн» впервые появился в бельгийском художественном журнале «L’Art Moderne», чтобы описать работы Ле Винта, группы из 20 художников, посвятивших себя объединению всех искусств.Под влиянием как движения искусств и ремесел Уильяма Морриса, так и движения эстетики, сторонники Les Vingt боролись с некачественной продукцией массового производства, порожденной промышленной революцией, и тяжелыми, загроможденными конструкциями искусства и архитектуры викторианской эпохи. Вместо этого они поощряли включение эстетического, функционального дизайна в объекты, архитектуру и дизайн повседневной жизни. Как объяснил английский дизайнер и бизнесмен Уильям Моррис, главные цели заключались в том, чтобы «доставить людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены использовать по своей воле, то есть одно прекрасное украшение офиса; доставлять людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены делать, — вот еще одно его применение.
Ар-нуво, тесно связанный с постимпрессионизмом и символизмом, также находился под сильным влиянием склонности к японскому искусству, которое распространилось среди европейских художников в 1880-х и 1890-х годах, в частности к гравюрам на деревянных блоках таких художников, как Хокусай. Эти принты содержали множество цветочных форм и изгибов органичной формы, которые стали ключевыми элементами ар-нуво.

Модерн в разных дисциплинах

Следуя идеалу Gesamtkunstwerk (буквально «полное произведение искусства»), миссия движения заключалась в достижении синтеза форм искусства, что привело к гармоничному и унифицированному дизайну в самых разных дисциплинах.Художники работали в этом стиле в изобразительном искусстве, графике и дизайне, архитектуре, мебели и дизайне интерьеров, стекле и ювелирных изделиях. Извилистые изгибы, высокий стиль, тонкая обработка стали и стекла, золотые элементы, органические формы и узоры характеризовали этот стиль.

Архитектура в стиле модерн

С его извилистыми линиями, модерн проявился в архитектуре как реакция на традиционные ценности разума и ясности структуры. Впервые появившись в Брюсселе, этот стиль вскоре распространился по Европе, но особенно в Париже, где он стал ритмичной альтернативой строгим правилам, наложенным на здания Жоржа-Эжена Османа с двумерными или скульптурными украшениями.

Стекло Art Nouveau Art

Ар-нуво нашло одно из самых ярких проявлений в искусстве стекла. Дизайнеры стекла работали в сотрудничестве с известными мастерскими, в конечном итоге разработав передовые методы производства, такие как гравировка на камее, двойные слои и кислотная гравировка, чтобы создать желанные эффекты прозрачности и непрозрачности, а также волнистые формы, вдохновленные естественными формами. В то время как в Европе город Нанси стал одним из важнейших центров стекольной промышленности, мастерские Louis Comfort Tiffany сделали себе имя за границей с помощью экспериментальных техник окрашивания витражей и производства легендарной лампы Tiffany.

Ключи в стиле модерн художников Густав Климт, Поцелуй, 1907 год. Предоставлено галереей Бельведер, Вена.

Густав Климт

Пожалуй, одним из первых художников, о которых все думают, когда упоминают модерн, является австрийский художник Густав Климт. Как первый президент Austrian Secession group, венской группы в стиле модерн, объединившей художников, дизайнеров и архитекторов, Климт работал над принципом Gesamtkunstwerk, сочетая красоту и практичность.Эротизм и сексуальность были важными элементами в творчестве Климта, элементами, которые пронизывали Вену в философии, психологии и искусстве примерно в 1900 году. Этот эротизм ярко просвечивает в самой культовой работе Климта, Поцелуй (1907), в которой двое влюбленных изображены страстно. объятие. Богатый золотой дизайн, уплощенные формы и чувственные изгибы являются образцами стиля модерн того времени.

Обри Бердсли, Кульминация, 1893 год. Предоставлено Музеем Виктории и Альберта.

Обри Бердсли

Обри Бердсли был талантливым молодым английским художником, не получившим формального образования.Благодаря смелому изображению провокационных эротических тем он стал одной из самых неоднозначных фигур движения модерн. Несмотря на его безвременную смерть в возрасте 25 лет, он создал множество важных произведений искусства, в том числе иллюстрации тушью для картины Оскара Уайльда «Саломе ». Кульминация (1893) изображает Саломею, целующую отрубленную голову Иоанна Крестителя, и наполнена эротической символикой.

Альфонс Муха, Жисмонда, 1894. Предоставлено Музеем Мухи.

Альфонс Муха

Чешский художник Альфонс Муха был известен прежде всего своими коммерческими плакатами и рекламой.Он был заинтересован в изображении «новой женщины», воспевающем женственность, сексуальность и наделенных полномочиями женщин современной эпохи. Его плакат Gismonda (1894), сделанный по одноименной пьесе Викториана Сарду, стал эмблемой стиля модерн и вдохновил многих художников после него. Он также известен своими изображениями разных сезонов в образе женщин.

Ян Тороп, Delftsche Slaolie, 1893. Предоставлено Rijksmuseum.

Ян Тороп

Ян Тороп — голландско-индонезийский художник, работавший в стилях символизма, пуантилизма и модерна.Его стилизованные фигуры и криволинейный дизайн символизируют художественное движение. В своем рекламном плакате «Делфтское масло для салатов» «Delftsche Slaolie» он без особых усилий объединил зарождающийся коммерческий мир рекламы потребительских товаров с изобразительным искусством, изобразив двух красивых, чувственных женщин в плавных изгибах и линиях, поливающих салат маслом. Этот влиятельный плакат является причиной того, что стиль голландского модерна часто называют «slaoliestijl», что означает «стиль салатного масла».

Анри де Тулуз-Лотрек, Джейн Аврил.Предоставлено Met Museum

Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек можно отнести к стилям постимпрессионизма и модерна. Он был особенно известен своими литографиями, изображающими сцены из богемной жизни Парижа. Он даже сделал серию плакатов для кабаре «Мулен Руж», которое он часто бывал.

Настольная лампа Tiffany Pond Lily, c. 1903. Предоставлено Tiffany Lamps and Christies.

Луи Комфорт Тиффани

Луи Комфорт Тиффани стало именем, наиболее ассоциирующимся с ар-нуво в Соединенных Штатах.Он был наследником Серебряной Империи Tiffany & Co., основанной его отцом в 1837 году. Тиффани начинал как художник, но стал наиболее известен своими декоративными произведениями искусства, в частности изготовлением свинцового стекла. Tiffany произвела витражи с тонко окрашенными деталями, создав революционный декоративный стиль, который до сих пор является синонимом названия компании, и придумал универсальный термин «лампа Тиффани», который используется даже для похожих на внешний вид продуктов, созданных конкурирующими дизайнерами той же эпохи. .

Антони Гауди, Casa Battlo i Casanovas. Предоставлено Casa Battlo i Casanovas

Антонио Гауди

Антони Гауди — один из самых известных архитекторов, связанных с модернизмом, каталонским вариантом архитектуры в стиле модерн. Каталонский архитектор, наиболее известный благодаря собору Саграда Фамилия и Парку Гуэля в Барселоне, работал с обильными изгибами, ярким плавным дизайном и яркими цветами в своих зданиях.

Виктор Орта, Лестница в отеле Tassel, Брюссель.Предоставлено Hotel Tassel

Виктор Орта

Бельгиец Виктор Орта был одним из основателей движения ар-нуво и одним из тех, кто расширил движение от визуального и декоративного искусства до области архитектуры. Он известен своим дизайном отеля Tassel (1894 г.) в Брюсселе, который считается первым зданием в стиле модерн.

Вход в парижское метро по проекту Гектора Гимара.

Наследие модерна

Примерно в период Первой мировой войны ар-нуво подвергся критике за чрезмерно продуманную и роскошную отделку.Более того, интенсивное мастерство сделало его практически недоступным для массовой аудитории. Хотя движение не пережило Первую мировую войну, оно продолжало жить в различных движениях, появившихся позже, таких как ар-деко, модернизм и даже некоторые элементы Баухауза. Ар-нуво был определяющим визуальным языком короткого периода времени, и остатки этого прекрасного стиля все еще можно увидеть во многих городах по всему миру, например, в Париже, где входы в станции метро, ​​спроектированные Гектором Гимаром между 1890 и 1930 годы остаются в первоначальном стиле.

Концептуальное искусство: развитие и эволюция

Истоки концептуального искусства

Хотя концептуальное искусство было впервые определено в 1960-х годах, его истоки восходят к 1917 году, когда Марсель Дюшан, как известно, купил писсуар в магазине сантехника и представил его как скульптуру на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, где он участвовал. приемная комиссия. Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство. Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

Марсель Дюшан, Фонтан , 1917. Фотография Альфреда Штиглица.

Флюксус

В начале 1960-х термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт. Fluxus — это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США. Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия.Среди известных художников Fluxus — Йоко Оно, которая активно участвовала в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда , а именно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его влияний. Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

Черные картины Фрэнка Стеллы

В конце 1950-х — начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал свою серию Черных картин , которая обозначила решающий момент разрыва между модернизмом и контрмодернистскими практиками.Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство. Это была атака на модернизм, которая породила нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизм действительно подошел к концу.

Sol LeWitt’s Paragraphs on Conceptual Art

Статья Сола Левитта 1967 года «Параграфы о концептуальном искусстве» в журнале Artforum была одной из самых важных статей по концептуализму. В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы.Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное. Идея превращается в машину, создающую искусство ».

F amous Художники концептуального искусства

Джозеф Кошут

Концептуальное искусство как четкое направление начало формироваться в конце 1960-х годов. В 1967 году Джозеф Кошут организовал выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art в Нью-Йорке, где были показаны работы самого Кошута и Кристины Козловой.В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут написал: «Настоящие произведения искусства — это идеи». В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дискуссии о статусе современного искусства — «значение», «объект», «репрезентация» и «теория» и другие.

Джозеф Кошут, «Четыре цвета, четыре слова (синий, красный, желтый, зеленый)», 1966 г. Фотография любезно предоставлена ​​Widewalls

Art & Language Group

Тем временем в Англии Art & Language Group исследовала последствия предложения все более и более сложных объектов в качестве произведений искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Люси Липпард Шесть лет

Книга Люси Липпард Six Years , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966–1972), вышла в 1973 году.Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, — даже самим художникам.

Концептуализм в Европе

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко изучался и развивался в других частях мира, где работа часто была гораздо более политизированной.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бурен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его целью было не привлечь внимание к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым контекстом искусства, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сосредоточившись на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

Концептуализм в

Латинской Америке

В Латинской Америке художники выбирали в своей работе более прямой политический отклик, чем художники-концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш повторно представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и таким образом возвращая их в систему.

Концептуализм в

Советском Союзе

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-х, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Современное концептуальное искусство и концептуализм

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Деталь установки Барбары Крюгер в Мельбурне

Когда мы исследовали сложную и обширную историю концептуального искусства и его присутствие, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон заключалась в том, что она взяла на себя ответственность по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их кладут в коробку с концептуальным искусством, как и в любую коробку.Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые какое-то время вращались по одной и той же орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.


Концептуальное искусство FAQ


Что означает концептуальное в искусстве?

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а выполнение — более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем законченное произведение искусства.


Каковы характеристики концептуального искусства?

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Для него характерно использование различных носителей и опор, а также различных временных повседневных материалов и «готовых предметов».


Кто отец концептуального искусства?

Марсель Дюшан известен как основоположник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.

Соответствующие источников, чтобы узнать больше

Подробнее о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь
Пьеро Манцони и его Merda d’Artista: Может ли дерьмо быть искусством и кто решает?
Узнайте больше о концептуализме до, во время и после концептуального искусства Терри Смита
Узнайте больше о Art Term на сайте Tate Publishing

Что такое дадаизм, дадаизм или дадаизм?

Статьи и особенности

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 год.

Словом, нонсенс. Однако как движение искусство дада оказалось одним из революционных художественных движений начала двадцатого века. Первоначально задуманный группой авангардных модернистов в преддверии Первой мировой войны, но более полно принятый после нее, дадаизм прославлял удачу вместо логики и иррациональности вместо расчетливого намерения.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Ключевые даты: 1916-1924
Ключевые регионы: Швейцария, Париж, Нью-Йорк
Ключевые слова: Случайность, удача, ерунда, анти-искусство, readymade
Ключевые художники: Хьюго Болл, Марсель Дюшан, Ганс (Жан) Арп, Софи Таубер-Арп, Ханна Хёх, Ман Рэй, Франсуа Пикабиа
Ключевые характеристики: Юмористический, склонный к абсурду, сатирический подход к власти

Дадаизм: истоки и ключевые идеи художественного движения

Во время Первой мировой войны бесчисленное количество художников, писателей и интеллектуалов, выступавших против войны, искали убежища в Швейцарии.Цюрих, в частности, был центром для людей в изгнании, и именно здесь Хьюго Болл и Эмми Хеммингс открыли 5 февраля 1916 года Cabaret Voltaire. Кабаре было местом встречи для более радикальных художников-авангардистов. Это нечто среднее между ночным клубом и центром искусств, художники могли выставлять здесь свои работы среди ультрасовременной поэзии, музыки и танцев. Ганс (Жан) Арп, Тристан Цара, Марсель Янко и Ричард Хюльзенбек были среди первых авторов Кабаре Вольтер. По мере того как бушевала война, их искусство и выступления становились все более экспериментальными, диссидентскими и анархичными.Вместе они протестовали против бессмысленности и ужасов войны под боевым кличем DADA.

Центральная предпосылка движения искусства Дада (Дада — разговорный французский термин для обозначения лошади-хобби) была ответом на современную эпоху. Реагируя на рост капиталистической культуры, войну и сопутствующую деградацию искусства, художники в начале 1910-х годов начали исследовать новое искусство или «антиискусство», как описал Марсель Дюшан. Они хотели обдумать определение искусства, и для этого они экспериментировали с законами случая и с найденным объектом.Это была форма искусства, в основе которой лежал юмор и умные повороты, но в самом ее основании дадаисты задавали очень серьезный вопрос о роли искусства в современную эпоху. Этот вопрос стал еще более актуальным по мере распространения искусства Дада — к 1915 году его идеалы были приняты художниками в Нью-Йорке, Париже и за его пределами — и когда мир погрузился в зверства Первой мировой войны.

Жан Арп, Созвездие с пятью белыми формами и двумя черными, вариация III, 1932 год, любезно предоставлено Гуггенхаймом

Пришествие готовой продукции

Одной из самых знаковых форм, появившихся среди этого расцвета дадаистского самовыражения, был реди-мейд, скульптурная форма, усовершенствованная Марселем Дюшаном.Это были работы, в которых Дюшан перепрофилировал найденные или фабричные объекты в инсталляции. Сломанная рука впереди (1964), например, включал подвешивание лопаты для снега к опоре на галерее; Fountain (1917), возможно, самый узнаваемый из готовых изделий Дюшана, включал в себя керамический писсуар массового производства. Вынимая эти предметы из предполагаемого функционального пространства и возводя их на уровень «искусства», Дюшан высмеивал художественный истеблишмент, а также просил зрителя серьезно задуматься о том, как мы ценим искусство.

Различные формы дадаизма

Как показывают реди-мейды Дюшана, дадаисты не уклонялись от экспериментов с новыми медиа. Например, Жан Арп — скульптор, который был пионером дадаизма, — исследовал искусство коллажа и потенциал случайности в его создании. Ман Рэй также играл с искусством фотографии и аэрографии как с практиками, которые отделяли руки художника и, таким образом, предполагали сотрудничество с шансом. Помимо этих художественных средств массовой информации, дадаисты также исследовали литературное и исполнительское искусство.Хьюго Болл, например, человек, написавший объединяющий манифест дадаизма в 1916 году, исследовал освобождение письменного слова. Освобождая текст от обычных ограничений публикуемой страницы, Болл играл силой бессмысленных слогов, представленных как новая форма поэзии. Эти дадаистские стихи часто превращались в перформансы, что позволяло этой сети художников легко перемещаться между медиа.

Хьюго Болл, Кабаре Вольтер, 1916 год.

Примеры известных произведений дадаизма

Движение принесло много известных произведений искусства.Вот несколько избранных примеров работ дадаизма:

  1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)
  2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)
  3. Скрипка Энгра Ман Рэя (1924)
  4. Звуковая поэма Хьюго Болла Караване (1916)
  5. Механическая голова Рауля Хаусмана (Дух нашего времени) ( 1920)

1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)

В 1917 году Марсель Дюшан представил Обществу независимых художников писсуар.Общество отказалось от предложения Fountain , поскольку считало, что это не может считаться произведением искусства. Фонтан Дюшана поднял бесчисленные важные вопросы о том, что делает искусство искусством и считается главной достопримечательностью искусства 20-го века.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г.

2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)

«В 1913 году у меня возникла счастливая идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и посмотреть, как оно вращается», — сказал Марсель Дюшан о своей знаменитой работе « Велосипедное колесо ». Велосипедное колесо — первый из готовых объектов Дюшана. Readymades были отдельными объектами, которые Дюшан перепозиционировал или подписывал и называл искусством. Он назвал Bicycle Wheel «ассистируемым реди-мейдом», созданным путем объединения более чем одного утилитарного предмета в произведение искусства.

Марсель Дюшан, Велосипедное колесо, 1913 г.

3. Скрипка Энгра Ман Рэя (1924)

Нарисовав f -отверстия струнного инструмента на фотопринте своей обнаженной модели Кики де Монпарнас и перефотографировав снимок, Ман Рэй изменил то, что изначально было классическим обнаженным телом.Женское тело теперь превратилось в музыкальный инструмент. Он также добавил название Le Violin d’Ingres , французское идиомы, означающее «хобби».

Ман Рэй, скрипка Энгра, 1924 г.

4. Звуковая поэма Хьюго Болла Karawane (1916)

Основатель Cabaret Voltaire и автор первого дадаистского манифеста в 1916 году, большая часть работ Болла была в жанре саунд-поэзии. В 1916 году, в том же году, когда был опубликован первый дадаистский манифест, Болл исполнил звуковое стихотворение , Karawane .Стартовые строки были:

«jolifanto bambla o falli bambla
großiga m’pfa habla horem»

Остальная часть стихотворения во многом повторяет те же строки. Хотя стихотворение можно было спутать со случайным безумным бредом, саунд-поэзия действительно была глубоко изученным методом в экспериментальной литературе. Идея заключалась в том, чтобы вывести на передний план звуки человеческой вокализации, убрав все остальное.

Хьюго Болл, Караване, 1916 год.

5. Механическая голова Рауля Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

Рауль Хаусманн был поэтом, коллажистом и художником-перформансом, который наиболее известен своей скульптурой под названием Механическая голова (Дух нашего времени) .Голова манекена, сделанная из цельного деревянного бруска, является противоположностью утверждения Гегеля о том, что «все есть разум». По мнению Хаусмана, человек пустоголовый, «у него не больше возможностей, чем те, которые случайность приклеила к внешней стороне его черепа». Поднимая эти темы, Хаусманн хотел создать образ, который разрушит господствующие западные представления о голове как о вместилище разума.

Рауль Хаусманн, Механическая голова (Дух нашего времени), 1920 г.

Принятие, падение и распространение дадаистских идеалов

Смелые новые подходы дадаистов вызвали споры в современной культуре.Их стремительный отход от традиций, их страстное стремление к новому способу самовыражения и их готовность вернуть почитаемый мир «изобразительного искусства» на более высокий уровень и равноправное игровое поле с помощью юмора и пытливого исследования позволили художникам Дада привлечь обоих фанаты и враги их творчества. Некоторые видели в дадаистском самовыражении следующий шаг вперед в авангардном марше; другие упускали из виду значение и вместо этого видели в произведениях, таких как реди-мейды Дюшана, не искусство, а просто составляющие их объекты (что привело к тому, что некоторые оригиналы были отправлены в кучу мусора).

Дадаизм охватил публику в 1920-е годы, но движению в целом было суждено рухнуть. Некоторые, как Ман Рэй, обнаружили, что их склонности переходят в подсознательную сферу сюрреализма; другие сочли давление на современного европейского художника слишком тяжелым, чтобы его выдержать. Приход к власти Адольфа Гитлера в 1930-х годах нанес мощный удар по миру современного искусства, поскольку маниакальный деспот стремился искоренить корни современного искусства, область, которую он считал «дегенеративной». В результате художники Дада стали свидетелями того, как их работы высмеивают или уничтожают, и поэтому предпочли сбежать из душного воздуха Европы в более свободный художественный климат Соединенных Штатов и за их пределами.

Думали, что многие из этих первоначальных членов разошлись, идеалы дадаизма остались живы и процветают среди современных художников. Во многих отношениях можно увидеть возродившиеся нити Дадаизма. Например, в эпоху поп-арта неодадаизм представлял мотивы и культурные комментарии, интерпретированные с намеком на дадаистские интриги. Но в полной мере влияние дадаистского момента было осознано во второй половине двадцатого века. В дополнение к двум крупным международным ретроспективам, анализирующим творчество дадаистов (одна в 1967 году в Париже, а другая в 2006 году на различных международных площадках), было уделено больше внимания пониманию и сохранению их наследия.

Ханна Хёх, Да-Денди, 1919 год.

Коллекционирование Дадаского искусства

Работы дадаистов, хотя и имеют универсальную привлекательность, могут оказаться сложной задачей для коллекционирования. Помимо вопросов аутентичности, трудно составить график или спрогнозировать цены, которых могут достичь такие работы, — проблема связана с огромным разнообразием средств массовой информации. При этом можно отметить постоянство, с которым работы дадаистов на аукционах превзошли ожидания. Знаменитая продажа картины Марселя Дюшана Nu sur nu (1910-1911) более чем за 1 доллар.4 миллиона долларов в июне 2016 года увеличили предполагаемую цену продажи в два раза с 555 000 до 775 000 долларов. Модель Ventilateur (1928) Франсуа Пикабиа была продана на Sotheby’s в феврале 2016 года за более чем 3,1 миллиона долларов, что соответствует верхней границе прогнозируемого диапазона продаж. Эта тенденция, кажется, предполагает, что интерес к художественному выражению дадаизма и движению дада все еще жив и здоров, и коллекционеры осведомлены о выгодных сделках, которые могут появиться на аукционах.

FAQ
Что такое дадаизм?

Дадаизм — это художественное направление начала 20 века, предшествовавшее сюрреализму и уходящее корнями в ряд крупных европейских столиц искусства.Развившееся в ответ на ужасы Первой мировой войны, движение дадаистов отвергало разум, рациональность и порядок зарождающегося капиталистического общества, вместо этого отдавая предпочтение хаосу, бессмыслице и антибуржуазным настроениям.


Кто основные художники-дадаисты?

Самыми известными художниками Дада являются Марсель Дюшан, Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй в Париже, Джордж Гросс, Отто Дикс, Джон Хартфилд, Ханна Хёх, Макс Эрнст и Курт Швиттерс в Германии, а также Тристан Цара, Ричард Хюльзенбек, Марсель Янко. и Жан Арп в Цюрихе.


Откуда зародился дадаизм?

Есть некоторые разногласия относительно того, где был основан Дадаизм. Многие считают, что это движение впервые появилось в Cabaret Voltaire, авангардном ночном клубе в Цюрихе, другие утверждают, что оно имеет румынское происхождение. Ясно то, что во время Первой мировой войны, особенно в 1916 году, возникла общеевропейская чувствительность, и что явных приверженцев основных тем можно выделить в Цюрихе, Берлине, Париже, Ганновере, Кельне, Нидерландах и даже в Нью-Йорке. .


Каковы основные характеристики дадаизма?

Дадаизм часто характеризуется юмором и причудой, склонной к абсурду. Такое доброе отношение использовалось в качестве сатирической критики преобладающих социальных и политических систем, которым в значительной степени приписывали натиск Первой мировой войны.


Что означает дадаизм?

Название «Дада» произошло от вздора и абсурда. На некоторых языках это означало «да, да» как пародия на бессмысленное подчинение населения властям, тогда как на других оно имело совершенно другие значения и коннотации.Имя приписывают Ричарду Хуэльзенбеку и Хьюго Боллу, хотя Тристан Цара также заявлял о своем авторстве — идея заключалась в том, что оно могло иметь несколько бессмысленных значений.


Как дадаизм — реакция на Первую мировую войну?

Дадаизм был движением с явно политическим подтекстом — реакцией на бессмысленную бойню в окопах Первой мировой войны. По сути, он объявил войну войне, противопоставив абсурдности погружения истеблишмента в хаос своей собственной чуши.


Какой композитор был наиболее тесно связан с дадаизмом?

Dada ideal также распространился на область звука. Среди прочих, Фрэнсис Пикабиа и Жорж Рибемон-Дессен придумали музыку дада, которая будет исполнена на фестивале Дада в 1920 году, но также известный композитор Эрик Сати также погрузился в эксперименты со звуком дадаизма.

Узнайте больше о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Виды изобразительного искусства — Изобразительное — Абстрактное

Существует три основных типа визуального искусства.Подкатегории существуют в каждом из этих типов. Часто эти типы искажаются или, чаще, неправильно понимаются. Независимо от того, является ли работа трехмерной скульптурой или двухмерной, она все равно относится к одному из этих трех основных типов. Эти типы бывают репрезентативными, абстрактными или необъективными. Намерение художника часто указывает нам на вид искусства, которое мы смотрим. Помимо этого, применение материала также может повлиять на тип произведения искусства.

Репрезентативное искусство

Репрезентативные произведения искусства предназначены для представления реальных объектов или предметов из реальности.Подкатегории изобразительного искусства включают реализм, импрессионизм, идеализм и стилизацию. Все эти формы репрезентации представляют реальных субъектов из реальности. Хотя некоторые из этих форм делают шаги в сторону абстракции, они по-прежнему подпадают под категорию репрезентации. Изобразительное искусство, пожалуй, старейшее из трех видов искусства. Его можно проследить до палеолитической статуэтки Венера Виллендорфская . Кроме того, его легче всего усвоить с точки зрения зрителя.


Пьер Огюст Ренуар. Две сестры (на террасе ), 1881

Мы можем легко идентифицировать себя с узнаваемыми объектами на картинах, рисунках или скульптурах. Это делает изобразительное искусство широко распространенным в массах. Изобразительное искусство также представляет собой самую большую коллекцию произведений искусства. Учитывая, что два других типа, абстрактный и беспредметный, являются относительно новыми видами искусства, это имеет смысл. Изобразительное искусство прошло через множество фаз и движений, но принцип представления зрителю узнаваемого предмета остался прежним.Стоит отметить, что некоторые изобразительное искусство заигрывает с абстракцией. Можно сказать, что некоторые изобразительные произведения искусства оказываются более реалистичными, в то время как другие формы фокусируются на восприятии художником предмета.

Абстрактное искусство


Жорж Брак. Женщина с гитарой , 1913

Часто неправильно понимаемый вид искусства, известный как абстракция, направлен на то, чтобы брать предметы из реальности, но представлять их способом, отличным от того, как они рассматриваются в нашей реальности.Это может выражаться в подчеркивании линий, форм или цветов, преобразующих объект. Абстрактное искусство включает подкатегории минимализма, кубизма и прецизионизма. Абстракция также может возникнуть, когда художник решает рассматривать предметы нетрадиционным способом. Абстракция — относительно новое явление в мире искусства, корни ее уходят в отклонения от реальности импрессионистов. Он начал набирать популярность в различных формах по всему миру в конце 19 века.Художники стали более интеллектуально подходить к живописи.


Рене Магритт. Предательство изображений , 1928-1929

Об этом новом подходе к искусству свидетельствует картина Магритта «Предательство образов», 1928–1929. На французском языке под изображением трубки написана фраза: «Это не трубка». Дело в том, что картина действительно не трубка, а картина трубки. Художники того времени теперь подходят к картинам как к картинам, позволяя найти новую форму интеллектуального самовыражения.Многие люди с трудом понимают разницу между абстрактным искусством и беспредметным искусством.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Авторское право © 2022 Es picture - Картинки
top