Рисунки стилизация: 4. Граф.дизайн. Стилизация предметов. — База знаний

Photoshop стилизация под рисунок. Стилизация портрета под коллодионный процесс в Photoshop. ⇡ Почти настоящая живопись в Photoshop

В этом пошаговом уроке показана обработка портрета в фотошопе при помощи кистей и корректирующих слоев.

Примечание: стилизация фото в этом уроке производилась в программе Phоtoshop СS6, поэтому некоторые скриншоты могут отличаться, если вы используете более раннюю версию. Некоторые примененные кисти имеются только в Phоtoshop СS6.

Конечный результат

Дополнительные материалы

Материалы, которые мы будем использовать в работе:

Набор кистей »Debris Brush»

Шаг 1 — Делаем фон

Добавляем текстуру

Создайте документ размером 1000×1000рx с белым фоном.

Откройте текстуру «Каменная стена» в Phоtoshop — (Ctrl+O).

С помощью инструмента Rectangular Marquee Tool (Прямоугольная область) выделите часть текстуры, как изображено ниже:

Скопируйте выделение на новый слой (Ctrl+J) и, с помощью инструмента Move Tool (Перемещение), перенесите в основной документ.

Измените размеры текстуры таким образом, чтобы изображение помещалось на холст (Ctrl+T), не забывайте зажимать Shift, чтобы сохранять пропорции:

Откройте палитру слоев — F7.

Выделите слой с текстурой.

На палитре инструментов выберите ластик Eraser Tool(E).

Настройте параметры ластика в верхней панели настроек инструмента. Я буду работать с ластиком большого диаметра с 50%-ным нажимом (Flow) и непрозрачностью (Opacity).

Ластиком с указанными выше настройками удалите следующие области слоя с текстурой:

Работаем с корректирующими слоями

Щелкните по круглому черно-белому значку внизу палитры слоев, чтобы добавить новый корректирующий слой.

Всего нам нужно будет добавить три корректирующие слоя поверх слоя с текстурой:

1. Корректирующий слой »Blаck аnd White» (»Чёрно-белое»):

2. Корректирующий слой »Lеvels» (»Уровни»):

3. Корректирующий слой »Curvеs» (»Кривые»)

Изображение после этого шага должно выглядеть так:

Шаг 2 — Добавляем портрет

Отделяем девушку от фона

Загрузите изображение с моделью в Photoshop — (Ctrl+O).

Выделяем фон, окружающий модель, например, при помощи инструмента «Быстрое выделение»(W) — Quick Selection Tool (доступен только начиная с версии CS3).

На верхней панели инструментов вы можете выбрать два вспомогательных вида этого инструмента: «Добавить к выделенной области» и «Вычитание из выделенной области». Используйте эти инструменты, чтобы точнее сделать выделение.

Вы также можете использовать любой другой способ выделения, например, при помощи инструмента Pen Tool(P) — самый точный, но самый медленный.

После того, как выделили фон, нажимаем «Delete», чтобы его удалить.

Нажмите сочетание клавиш (Ctrl+T), затем щелкните правой кнопкой и в выпадающем меню выберите пункт «Отразить по горизонтали»(Flip horizontal):

Трансформируйте изображение так, как показано ниже:

Работаем на слое с девушкой.

Заходим в меню Filter — Blur — Surface Blur (Фильтр — Размытие — Размытие по поверхности):

Ставим радиус 5 px, изогелия 20 lvl.

Шаг 3 — Стилизация портрета

Так как стилизация фото в данном уроке будет происходить с применением слоев-масок, воспользуемся ими.

Щелкаем по иконке маски внизу палитры слоев. К слою добавится маска, а основной цвет и цвет заднего фона изменятся на черный и белый.

Рисуем кистью с черным цветом по маске, стирая части изображения, чтобы восстанавить удаленные участки, переключаемся на белый цвет (X).

Комбинируя стандартные мягкую и жесткую кисти, а также кисти из набора »Debris Brush», играя прозрачностью и нажимом кистей, примените следующую маску для слоя с моделью (розовым цветом показаны стертые области):

Вот что должно получиться:

Добавляем новый корректирующий слой для слоя с девушкой.

Корректирующий слой »Blаck аnd White» (»Чёрно-белое»):

Поставьте курсор между слоем с девушкой и корректирующим слоем «Черно-белое», зажмите Alt, и, когда курсор изменит вид, щелкните между слоями. В этом случае корректирующий слой применится только ко слою с девушкой.

Рисуем по маске корректирующего слоя «Черно-белое» мягкой кистью черным цветом, стирая следующие области:

Добавляем следующий корректирующий слой для слоя с девушкой — »Lеvels» (»Уровни»):

Слой- маска на корректирующем слое »Lеvels» (»Уровни»):

Добавляем следующий корректирующий слой »Curvеs» (»Кривые»):

На данном этапе изображение выглядит так:

Шаг 4 — Добавляем мазки кисти

На панели инструментов выбираем кисть Brush Tool (B).

Выбираем из стандартных кистей CS6 «Круглую веерную с густой щетиной»(«Rоund Fаn Stiff Thin Bristlеs»).

Создаем новый слой — (Ctrl+Shift+N) и выбранной кистью оставляем мазки, регулируя непрозрачность и нажим кисти, ластиком с такой же кистью стираем ненужные участки.

Должно получиться как на картинке ниже:

Можно также взять кисть «Круглую с заостренной жесткой щетиной»(«Rоund Pаint Stiff») и сделать ей на новом слое несколько штрихов:

Используйте фильтр »Liquify» (»Пластика»), чтобы деформировать последний созданный слой примерно так:

Переместите деформированный слой к правому глазу, как изображено ниже:

Шаг 5 — Работаем над волосами

Выделяем слой с девушкой в палитре слоев.

Немного преобразим волосы девушки. Для этого опять используем инструмент «Быстрое выделение»W (»Quiсk Sеlection Tооl») размером 10px:

Выделите волосы, как показано ниже:

На новом слое залейте выделение белым цветом. Снимите выделение -Ctrl+D.

Затем мягким ластиком удалите верхнюю часть заливки, как изображено ниже:

Смените режим смешивания на «Перекрытие» («Оverlay») в палитре слоев, уменьшите непрозрачность слоя (Opacity) до 90%:

Вот что получилось на этом этапе:

Дублируйте этот слой — Ctrl+J, установите режим смешивания также на «Оverlay», сместите немного вниз, как изображено ниже:

Шаг 6 — Добавляем детали

Стилизация фото подходит к завершению.

Добавим последние штрихи: кистью из набора »Debris brush » нарисуйте мелкие частицы вокруг девушки (не забудьте уменьшить размер кисти):

Чтобы добавить красок изображению, добавляем корректирующий слой «Вибрация»(»Vibrаnce») со следующими настройками:

Готово! Вот что у нас получилось в результате урока:

Стилизованный портрет в фотошопе готов. Надеюсь, мой урок понравился вам и принес пользу.

Стилизация фотографий в Фотошопе

С помощью фильтров группы

«Stylize» — «Стилизация» вы сможете создавать в выделенной области изображения эффект живописи или импрессионизма. Фильтры данной группы работают по принципу смещения пикселей, находя и усиливая контраст в изображении. Рассмотрим некоторые эффекты стилизации более подробно.

Для перехода к эффектам стилизации раскройте меню «Filter» — «Фильтр» и перейдите к группе эффектов «Stylize» — «Стилизация» .

Первым фильтром в списке является «Diffuse» — «Диффузия», он позволяет слегка размыть изображение, делая его похожим на рисунок, выполненный красками на фактурной бумаге. В диалоговом окне данного фильтра находится только настройка способа размытия. При установке параметра «Normal»

— «Нормальный» все пиксели будут размыты. Если выбран параметр «Darken Only» — «Только замена темными» или параметр «Lighten Only» — «Только осветление», то размытое изображение будет накладываться на оригинальное в режиме затемнения или осветления. И, наконец, в режиме «Anisotropic» — «Анизотропный» происходит перестановка пикселей в направлении наименьшего изменения цвета.

Теперь перейдите к фильтру «Emboss» — «Тиснение». В результате применения этого фильтра выделенная область кажется приподнятой или штампованной. Это достигается сменой цвета заливки на серый цвет и подчеркиванием краев с использованием цвета исходной заливки.

Угол падения света задается значением параметра «Angle» — «Угол». С помощью параметра «Height» — «Высота» вы сможете установить глубину тиснения, а параметр «Amount» — «Эффект» определяет четкость краев. Стоит отметить, что данный фильтр часто применяется для создания уже рассмотренных ранее эффектов текстуры, так как обработанные с помощью этого эффекта изображения рассматриваются программой «Adobe Photoshop» как карты высот. Поэтому, используя обработку данным фильтром совместно с различными режимами наложения, вы сможете добиться рельефности изображения.

Рассмотрим эффект «Extrude» — «Экструзия», который применяется для создания эффекта изображения, рассыпающегося на фрагменты. Переключатели группы «Туре» — «Тип» позволяют задать тип фрагментов. Если выбран параметр «Blocks» — «Блоки», то фрагменты изображения формируются из кубиков, а при выборе параметра «Pyramids» — «Пирамиды» — из пирамид.

Размер блоков задается в поле «Size» — «Размер», их высота регулируется при помощи параметра «Depth» — «Глубина». Глубина зависит также от выбора настройки «Random» — «Случайная» или «Level-based» — «По яркости». В первом случае высота каждого блока будет величиной случайной, во втором — будет зависеть от яркости пикселей в данной части изображения. Иными словами, чем ярче пиксели в изображении, тем больше высота блоков.

При активации параметра «Solid FrontFaces» — «Закрасить лицевые грани» промежутки между блоками окрашиваются цветом изображения. Если установлен параметр «Mask Incomplete Blocks» — «Маскировать неполные блоки», то блоки, изображение которых полностью не помещается в пределы заданной области, будут замаскированы.

В диалоговом окне фильтра не предусмотрена функция предварительного просмотра, поэтому результаты действия фильтра можно увидеть только после закрытия окна. Для применения фильтра нажмите кнопку «ОК».

Фильтр «Tiles» — «Разбиение» разбивает изображение на фрагменты, создавая смещение между изображением и его первоначальным положением. Количество фрагментов, расположенных по горизонтали, указывается в поле «Numberof Tiles» — «Количество фрагментов», а максимальный промежуток между ними устанавливается с помощью параметра «Maximum Offset» — «Максимальное смещение».

Параметры в разделе «Fill Empty Area With» — «Использовать для заполнения интервалов» позволяют выбрать один из способов заполнения промежутков между кусочками изображения. Заполнение фоновым или основным цветом осуществляется после выбора параметров

«Background Color» — «Цвет фона» или «Foreground Color» — «Основной цвет», соответственно.

Вы можете заполнить промежутки инвертированным изображением, для этого необходимо установить параметр «InverseImage» — «Инверсное изображение». А чтобы заполнить обычным изображением выберите параметр «Unaltered Image» — «Оригинал». При использовании последнего варианта фрагменты изображения накладываются на основное изображение. Для применения эффекта нажмите на кнопку «ОК».

Таким образом, используя фильтры группы «Stylize» — «Стилизация»

вы сможете создавать интересные эффекты, преображающие ваши изображения, обработав их различными художественными способами.

(0)

	1.	Обзор галереи фильтров	4:33	1	20942
	2.	Фильтр Extract	6:36	0	24182
	3.	Коррекция дисторсии	3:38	0	9816
	4.	Пластика	4:15	0	5857
	5.	Фильтр Pattern Marker	3:39	0	7026
	6.	Исправление перспективы	3:16	0	9542
	7.	Фильтры размытия	8:03	0	6950
	8.	Фильтры усиления резкости	4:45	0	8069
	9.	Имитация художественных рисунков	4:00	0	10056
	10.	Фильтры искажения	4:32	0	7472
	11.	Удаление дефектов с помощью фильтров	2:28	0	11281
	12.	Удаление цветового шума	2:48	0	16271
	13.

Превращение фотографии в картину — это одна из самых востребованных тем уроков по работе с графическими редакторами. Современные 2D-приложения столь совершенны, что дают возможность попробовать себя в роли настоящего художника даже тем, кто никогда не умел хорошо рисовать. Ползунки, флажки и прочие варианты настроек работают не хуже, чем палитра с красками и холст.

Одно из подтверждений высокого интереса пользователей к теме рисования — появление в арсенале последней версии Photoshop фильтра Oil Paint («Масляная краска»), при помощи которого можно превратить изображение в картину за считаные секунды. А при наличии современного графического адаптера — в режиме реального времени наблюдать за вносимыми изменениями в окне предпросмотра. Однако, как и любой другой инструмент, фильтр Oil Paint несовершенен. В частности, он не дает возможности по отдельности управлять величиной и характером мазков в разных частях изображения. Поэтому другие методы для получения картины из фотографии остаются актуальными. В этом обзоре мы рассмотрим как Oil Paint, так и еще три способа получения этого эффекта.

⇡ Использование фильтра Oil Paint

Oil Paint — один из новых фильтров Photoshop CS6, задействующих движок Mercury Graphics Engine (MGE). Последний использует технологии OpenGL и OpenCL и дает возможность заметно ускорить получение результата, перекладывая часть работы на GPU. Впрочем, в отличие от некоторых других новых фильтров CS6, Oil Paint работает и со старыми видеокартами, однако в этом случае для вычислений используются только ресурсы процессора.

Для удобства команда для вызова фильтра Oil Paint вынесена прямо в меню Filter («Фильтр»).

Фильтр содержит шесть ползунков: четыре из них имеют отношение к параметрам кисти, а два — к настройке освещения. Ползунки Stylization («Стилизация») и Bristle Detail («Сведения о щетине») предназначены для добавления контрастности на имитируемые мазки кисти. Они создают световые границы между каждой кривой или завихрением и тем самым делают эффект более выраженным. Разница между этими двумя настройками в том, что первая добавляет дополнительный эффект хаотичности в рисунок, создаваемый мазками кисти, а вторая влияет в основном на контрастность.

Ползунок Cleanliness («Чистота») дает возможность изменять детализацию каждого мазка кисти. Высокие значения этого параметра соответствуют рисованию новой мягкой кистью, а при низких значениях можно получить эффект рисования уже загрязненной кистью со слипшимися щетинками — на изображении будет больше «зерна».

При помощи параметра Scale («Масштаб») можно, по сути, изменить размер кисти.

Что касается настроек, имеющих отношение к освещению, то Angular Direction («Под углом») определяет угол, под которым имитируемый свет достигает поверхности холста, что, в свою очередь, влияет на контраст между мазками. При изменении освещения мазки могут выглядеть яркими или, наоборот, темными. Параметр Shine («Блеск») задает общую выраженность эффекта.

⇡ Превращение фотографии в картину при помощи фильтров

Этот способ создания картины из фотографии интересен тем, что позволяет получить вполне приемлемый результат без использования виртуальной кисти. Секрет кроется в последовательном применении фильтров, которых в Photoshop великое множество.

Отметим, что настройки фильтров будут отличаться для изображений с разным разрешением, поэтому, возможно, вам нужно будет их корректировать. Мы приводим настройки для разрешения 1024×768.

Итак, после загрузки исходной картинки в Photoshop воспользуйтесь сочетанием клавиш CTRL+U, чтобы открыть окно Hue/Saturation («Цветовой тон/Насыщенность»). Увеличьте насыщенность изображения до сорока пяти.

Откройте галерею фильтров, выбрав ее в меню Filter («Фильтр»). Перейдите к фильтру Glass («Стекло»). Поскольку мы хотим получить такое изображение, будто бы оно помещено на холсте, установите в его настройках тип текстуры, напоминающей холст (Canvas). Другие параметры стоит подбирать в зависимости от разрешения изображения. Уменьшите искажения, задав более низкое значение параметра Distortion («Искажение»), и выберите небольшое значение параметра Smoothness («Смягчение»).

Нажмите на кнопку New effect layer («Новый слой эффектов») в нижней части окна галереи фильтров, чтобы добавить дополнительный слой для применения фильтра.

Назначьте фильтр Angled Strokes («Наклонные штрихи»). Он имитирует мазки кисти, нанесенные под определенным углом. Для параметра длины штриха (Stroke Length) установите значение 3, а значение параметра Sharpness («Резкость»), определяющего, насколько резким будет изображение, уменьшите до единицы.

Добавьте еще один слой эффекта с помощью той же кнопки New effect layer. Назначьте фильтр Paint Daubs («Масляная живопись»). Ключевой параметр настройки тут — тип кисти (Brush Type). В данном случае нужно выбрать тип Simple («Простая»), а затем уменьшить размер кисти до четырех и понизить значение Sharpness («Резкость»), чтобы мазки были менее четкими.

Создайте последний слой эффекта. Назначьте фильтр Texturizer («Текстуризатор»). Он добавляет на изображение текстуру холста. В его настройках выберите подходящий тип текстуры — Canvas («Холст»). Затем подберите масштаб текстуры (параметр Scaling) и ее рельефность (параметр Relief).

Основная работа завершена. Чтобы применить фильтры к изображению, нажмите на кнопку OK. Осталось сделать мазки более четкими. Создайте копию слоя, воспользовавшись командой CTRL+J. Выберите команду обесцвечивания слоя Image → Adjustments → Desaturate («Изображение» → «Коррекция» → «Обесцветить»).

Теперь примените к верхнему слою фильтр Filter → Stylize → Emboss («Фильтр» → «Стилизация» → «Тиснение»). В его настройках уменьшите значение параметра Height («Высота») до единицы, а значение параметра Amount («Эффект»), наоборот, увеличьте до 500.

Для текущего слоя измените тип смешивания на Overlay («Перекрытие»). Готово!

⇡ «Нарисованная» картина маслом

А вот еще один интересный способ превращения любой фотографии в картину, написанную маслом. Он более трудоемкий, чем использование нового фильтра Oil Paint («Масляная краска»), но зато дает больше возможностей для творчества.

Откройте изображение.

Создайте новый слой и, выбрав инструмент Fill («Заливка»), залейте его белым цветом. Выберите инструмент Art History Brush («Архивная художественная кисть»). На палитре History («История») установите отметку Set the Source for History Brush («Определяет источник для архивной кисти»).

В настройках инструмента выберите кисть для рисования маслом 63 Oil Pastel («Широкий мазок масляной пастелью») и в поле Area («Диаметр») задайте для нее область распространения, равную тридцати.

Щелкните по изображению правой кнопкой мыши и уменьшите размер кисти и раскрасьте слой. Чем меньше размер, тем меньше будет размер мазка и тем более детальной будет картина.

Примените фильтр Filter → Sharpen → Unsharp Mask («Фильтр» → «Усиление резкости» → «Контурная резкость»), чтобы сделать мазки более выразительными. Увеличьте значение параметра Amount («Эффект»). Наконец, примените фильтр Texturizer («Текстуризатор»), чтобы создать иллюзию холста. В Photoshop CS6 этого фильтра в меню Filter («Фильтр») по умолчанию нет, и он вызывается через Filter Gallery («Галерею фильтров»). Выберите в списке Texture («Текстура») — Canvas («Холст») и, ориентируясь на окно предварительного просмотра, подберите значения параметров Scaling («Масштаб») и Relief («Рельеф»).

Теперь изображение выглядит как картина, написанная маслом.

⇡ Почти настоящая живопись в Photoshop

Большинство методов имитации живописи в Photoshop основано на применении определенной последовательности фильтров. Эти способы имеют один серьезный недостаток — они часто лишены индивидуальности художника. В этом уроке мы расскажем об одном методе имитации живописи, который позволит создать уникальную, единственную в своем роде картину на базе любой фотографии.

Секрет оригинальности изображений, получаемых с помощью данного метода, состоит в том, что пользователь сам наносит мазки произвольным образом. Но, чтобы нарисовать таким образом картину, совсем не обязательно обладать талантом художника.

Итак, откройте изображение, которое послужит основой картины. Немного увеличьте размер холста. Для этого выполните команду Image → Canvas Size («Изображение» → «Размер холста»).

Выполните команду Edit → Define pattern («Определить узор»). Создайте новый слой и залейте его белым цветом, используя инструмент Fill («Заливка»). Сделайте его чуть-чуть прозрачным, уменьшив значение параметра Opacity («Непрозрачность») до 80%, чтобы сквозь верхний слой проглядывало исходное изображение.

Создайте новый слой и вооружитесь инструментом Pattern Stamp («Узорный штамп»). В списке образцов на панели инструментов выберите вариант, сохраненный ранее при помощи команды Define pattern («Определить узор»). Установите флажок Aligned («Выравн.») для правильного позиционирования мазков и флажок Impressionist (Effect) для придания им стиля импрессионизма.

Выберите одну из кистей в настройках инструмента Pattern Stamp («Узорный штамп»). Настройте ее профиль, используя настройки на палитре Brush («Кисть»). Желательно, чтобы профиль был похож на мазок настоящей кисти — в нем должен проглядываться след от ворсинок и должна быть видна текстура холста. Начните рисовать прямо на изображении, короткими маленькими мазками. Их можно накладывать совершенно произвольным образом, стараясь, чтобы на каждом мазке просматривался профиль кисти.

В процессе рисования картины размер кисти можно и даже нужно изменять. В тех участках изображения, где детализация низкая, например там, где небо или море, можно использовать кисти большего размера. В тех же участках, где много мелких деталей, лучше уменьшить размер используемой кисти, чтобы элементы картины были лучше обозначены на полотне.

Процесс создания картины занимает достаточно много времени, поскольку приходится уделять внимание каждой узнаваемой детали на изображении. Однако именно эта «ручная работа» и делает картину реалистичной. Положение мазков не поддается описанию каким-то алгоритмом, это исключительно работа художника. Когда светлых пятен на изображении не останется, можно сохранять результат.

⇡ Заключение

В этой статье было рассмотрено несколько способов получения картины из фотографии в Adobe Photoshop, но существует и множество других программ, в которых можно достичь похожего эффекта. Среди них немало и бесплатных, например FotoSketcher . Эта программа предлагает более двадцати стилей рисования, от акварельных красок и карандашного рисунка до создания мультяшного изображения. Каждый стиль имеет несколько настроек, при помощи которых можно влиять на внешний вид готовой «картины».

Несмотря на то, что средствами FotoSketcher можно быстро получить ряд интересных художественных эффектов, все-таки в программах такого рода не хватает свободы для реализации творческих идей. Многие операции делаются по шаблону, и поэтому результат в большей или меньшей степени повторяет полученные ранее картины. Так что Photoshop был, есть и остается главным инструментом для художника, работающего с цифровой живописью.

Чтобы достичь мастерства в искусстве рисования, требуются годы. Но вы легко можете создать свой шедевр в программе Photoshop. В этом уроке вы узнаете, как создать рисунок из фотографии с помощью кистей в сочетании с графическим планшетом или использовать их по отдельности, это ваш выбор. Итак, давайте приступим!

Итоговый результат:

1. Настраиваем Изображение

Шаг 1

Откройте исходное изображение в программе Photoshop. Для создания эффекта карандашного рисунка, я использую красивое изображение тигра. Дважды щёлкните по слою Задний фон (background layer), чтобы разблокировать его, назовите этот слой Слой 1 (Layer 1). Установите цвет переднего плана на белый оттенок, а затем с помощью инструмента Заливка (Paint Bucket Tool (G)), выполните заливку белым цветом. Убедитесь, чтобы слой с белой заливкой был расположен ниже слоя с исходным изображением.

Если ваше исходное изображение цветное, то преобразуйте его в чёрно-белое. Для этого, перейдите на слой с фотографией, а затем идём Изображение — Коррекция — Цветовой тон / Насыщенность (Image > Adjustments > Hue & Saturation) и в появившемся окне настроек данной коррекции уменьшите значение Насыщенности (Saturation) до -100.

2. Создаём Эффект Рисунка

Шаг 1

Теперь пришло время создать эффект рисунка! К слою с фотографией добавьте слой-маску. Щёлкните по миниатюре слой-маски, а затем залейте слой-маску чёрным цветом с помощью инструмента Заливка (Paint Bucket Tool (G)).

Далее, установите цвет переднего плана на белый оттенок, а цвет заднего плана на чёрный оттенок. Используя свой графический планшет, выберите инструмент Кисть (Brush Tool (B)). Начните наносить штрихи белой кистью поверх чёрной слой-маски. Для традиционного рисунка, используйте кисть, имитирующую карандаш или штрихи кисти. В данном случае, мы используем кисть Плоская тупая с короткой жёсткой щетиной (Flat Blunt Short Stiff Brush) из набора кистей Photoshop.

Шаг 2

Продолжайте наносить мазки кистью белого цвета на маске слоя. С помощью белой кисти, вы восстановите изображение, которое расположено ниже, придавая ему текстуру рисунка. Постарайтесь, чтобы мазки кисти напоминали штриховку или пересекающую штриховку, имитируя традиционную технику рисунка. При необходимости, изучите карандашные рисунки, чтобы воссоздать их в своей работе.

Шаг 3

Почистите отдельные участки с помощью инструмента Ластик (Eraser (E)). Вы можете нанести штрихи по всему холсту или оставить белые участки на изображении для получения нужного эффекта. Расположите изображение тигра по центру с помощью инструмента Перемещение (Move Tool (V)). Продолжайте добавлять штрихи, пока вас не устроит результат. Когда вы завершите работу, нажмите клавиши (Ctrl+J), чтобы продублировать слой.

Шаг 4

Давайте усилим рисунок. Идём Изображение — Коррекция — Уровни (Image > Adjustments > Levels), установите настройки для RGB канала (RGB Channel), которые указаны ниже для усиления контраста и выделения штрихов. Теперь объедините все слои вместе.

Примечание переводчика: чтобы объединить все слои, нажмите клавиши (Ctrl+ Alt+ Shift+ E).

Входные значения (Input Level) для:

• Теней (Shadow): 0
• Средних тонов (Mid tone): 0.79
• Световых бликов (Highlight): 255

Шаг 5

На данном этапе, если хотите, то можете оставить рисунок как он есть или сделать рисунок немного похожим на рисунок, сделанным на бумаге. Для этого мы добавим лёгкий эффект градиента, чтобы картина выглядела, как фотография рисунка.

Щёлкните правой кнопкой по объединённому слою с рисунком и в появившемся меню выберите опцию Параметры наложения (Blending Options). Далее, выберите стиль слоя Наложение градиента (Gradient Overlay), установите Линейный градиент (Linear Gradient), цвет градиента от тёмно-синего до светло-синего, режим наложения Исключение (Exclusion), Непрозрачность (Opacity) 40%, Масштаб (Scale) 150%.

Результат должен быть, как на скриншоте ниже.

Шаг 6

В заключение, добавьте ещё одну коррекцию Уровни (Levels). На этот раз для RGB канала (RGB Channel), установите следующие настройки 18, 0.73, и 248. Поставьте подпись и ваш рисунок завершён!

Если вы никогда не думали, что вы могли бы сделать это раньше, то подумайте еще раз! Надеюсь, что вам понравился этот урок, и вы получите массу удовольствия, превращая свои фотографии в рисунки! До новых встреч!

Итоговый результат:

Подборка замечательнейших плагинов от различных компаний которыми я пользуюсь при обработке фото. В двух словах о каждом из них:

Цветокоррекция и стилизация:

Alien Skin Exposure 3.
(Входит в комплект Alien Skin Software Suite)

Плагин с большим набором стилизаций под цветную и черно-белую пленку, фильтры и многое другое.

Nik Software Color Efex Pro 3
(Входит в комплект Nik Software Suite )

Плагин с большим количеством всяческих стилизаций, контрастных, яркостных и цветовых коррекций.

Борьба с шумом:
Imagenomic Noiseware Professional 4.2

Мощный Инструмент для коррекции шумов на цифровых фото. Очень полезный плагин. Ибо всегда и у всех есть фото которые испортили шумы в следствии плохого освещения. Этот инструмент ваше спасение.

Повышение резкости:

Sharpener Pro 3.0

Мощнее и удобнее инструмента никогда не встречал. Рекомендую всем.

Стилизация:

Alien Skin Bokeh 2
Продвинутый плагин для имитации Боке(размытия)

Red Giant Knoll Light Factory
Плагин для Имитации бликов!

Imagenomic Portraiture
Удобнейший инструмент для быстрой ретуши портретных фото.

Как вы заметили. Все эти плагины относятся к целым пакетам плагинов. Стоит кратко упомянуть и о них.

Alien Skin Software Suite
● Blow Up — о беспечиват высококачественное изменение размеров изображений
● Bokeh — Позволит добиться превосходного эффекта размытия для концентрации внимания зрителя на выделенном объекте.
● Exposure — мощная Программа, а также плагин для Adobe Photoshop, созданный для цветокоррекции и стилизации изображений под пленочную цветную и ч/б фотографию. Но, кроме стилизации под пленку, в плагине также есть инструменты для общей обработки фотографий: Shadow/Highlights, Curves, Sharpen и многие другие.
● Eye Candy сможете создать самые замысловатые природные эффекты за считанные минуты
● Image Doctor набор простых в использовании «плагинов» для Photoshop, которые дозволят спасти откровенно неудачные снимки, и помогут придать дополнительный блеск качественным цифровым изображениям.
● Snap Art позволит Вам одним щелчком мыши, использовать большую библиотеку предварительных заготовок имитирующих различные стили, превратить любое фото в картину написанную маслом или акварелью, в рисунок нарисованный карандашами, пастелью, углем и др.
● Splat! набор в который входят 6 фильтров для создания имитации живописи и графики.
● Xenofex это коллекция из 14-и специальных эффектов, которые придадут новую энергию любому графическому проекту. Еще никогда нельзя было так легко делать натуральные эффекты и сложные искажения. Интерфейс прост и интуитивен, он включает в себя полностью масштабируемое окно предпросмотра, которое позволяет вам видеть накладываемый эффект для любой части вашего изображения. Xenofex также включает в себя 160 предустановленных настроек, которые помогут вам быстро делать сложные эффекты.

Nik Software Suite
● Color Efex Pro комплект c обширной базой из 52 фильтров и 250 эффектов
● Dfine помогает избавиться от шума цифровых фотоаппаратов любого типа.
● HDR Efex Pro Создан в помощь фотографам профессионалам и любителям для быстрого и легкого улучшения полного спектра HDR.
● Sharpener Pro для настройки четкости изображения на цифровых фотографиях.
● Silver Efex Pro плагин для Adobe Photoshop позволяющий фотохудожникам выполнять стилизацию современных цифровых изображений под стильные черно-белые снимки.
● Viveza является самым мощным инструментом для выборочного контроля цвета и света в ваших фотографиях.

Читать «Основы рисунка для учащихся 5-8 классов» — Сокольникова Наталья Михайловна — Страница 6

Каркас рисунка круглого предмета состоит из средней линии (оси вращения), кругов вращения и из линий, соединяющих эти круги и образующих контур предмета. Эти линии так и называются – образующие.

Элементы формообразования в дизайне и архитектуре

Современный уровень техники помогает художникам придумывать новые формы. Посмотрите, какие удивительные рисунки можно сделать с помощью компьютерной графики.

52. Компьютерная графика

Не правда ли, иногда архитектурное сооружение напоминает шар, а в конструкции дома можно увидеть подобие многим геометрическим телам (ил. 53, 54).

Здания могут выглядеть как комбинации сфер, цилиндров, конусов, призм и пирамид. Купола соборов – обычно полусферы, крыши некоторых домов напоминают трехгранные призмы или невысокие пирамиды.

Конструировать объекты можно не только из геометрических тел, но и на основе соединения предметов, созданных человеком, и природных форм.

Например, новый образ можно создать на основе уже известных объектов, произвольно соединяя части и детали.

53. Жилой дом

54. Б. ФУЛЛЕР. Павильон США на ЭКСПО-67

55. Работа учащегося. Таксотигрорыбокрылоход

56. Подобные формы предметов

57. Пример переноса природных форм в промышленное изделие

58. Проектирование самолета на основе формы птицы

59. Пример переноса природной формы в архитектуру

Дизайнеры подсмотрели много интересных форм в природе, на основе которых они сконструировали предметы и машины, отличающиеся красотой и целесообразностью формы.

Например, современный самолет похож на птицу. Его обтекаемая форма наилучшим образом подходит для полета.

Природная форма тыквы подсказала художнику форму бутылки (ил. 56).

Такой перенос формы, найденной природой, в искусство или технику – частое явление.

В дизайне, народном и декоративно-прикладном искусстве форма должна соответствовать назначению вещи. Так, холодильник должен олицетворять своей формой функцию сохранения продуктов при низкой температуре и идею чистоты. Ложка должна быть удобна для того, чтобы брать ее в руки и есть ею. Форма зависит от функции предметов, которую они выполняют.

Однако в формообразовании учитывается не только назначение предмета, но и характер его функционирования, то есть условий, в которых будет использоваться предмет человеком; так, холодильники бывают напольные, настенные, встроенные в мебель и др. Назначение всех этих типов холодильников одно и то же, а форма разная. Обеспечение через соответствующую форму удобства и безопасности пользования изделием, учет связи с человеком называют в дизайне эргономикой.

Можно привести длинный ряд характерных примеров учета эргономических требований: ручки управления, клавиши приборов, форма кресел в самолете и др. Все эти объекты сконструированы таким образом, чтобы было ими удобно пользоваться, чтобы человек не тратил лишнюю энергию, не утомлялся, чтобы эти предметы были соразмерны телу человека.

Украшение этих вещей несет дополнительную нагрузку в том смысле, что они могут еще создавать настроение своим внешнем видом. Например, красивая расписная посуда может радовать гостей, приглашенных к столу.

Стилизация формы

Стилизация означает декоративное обобщение и подчеркивание особенностей формы предметов с помощью ряда условных приемов. Можно упростить или усложнить форму, цвет, детали объекта, а также отказаться от передачи объема.

60. Принципы стилизации: а – превращение объемной формы в плоскостную и упрощение конструкции, б – обобщение формы с изменением абриса, в – обобщение формы в ее границах, г – обобщение и усложнение формы, добавление деталей, отсутствующих в натуре

Однако упростить форму вовсе не значит обеднить ее, упростить – лишь подчеркнуть выразительные стороны, опустив малозначащие детали.

В основе любого художественного произведения лежит органическая связь между его составными элементами. Принципы стилизации имеют свои особенности в народном и декоративно-прикладном искусстве, в живописи и графике.

Народные орнаменты создаются, как правило, на основе стилизации реальных природных форм. Беря основное, мастер преобразует предмет, подчиняя его форму и цвет ритмическому строю орнамента. Народный мастер творит на основе эмо- ционально-ассоциативного восприятия (ил. 61-62).

61. Конец полотенца. Браное узорное ткачество. XIX в.

62. Орнамент цветного коклюшечного кружева конца XVIII-XIX вв.

63. Элементы построения орнамента: а – крито-микенский орнамент, б – орнамент эпохи модерн, в – листья и цветы орнамента северодвинской росписи

Общее стилевое решение орнамента, его линейная и цветовая композиции подскажут творческое переосмысление натуры. Мотив для орнамента можно найти, изучая формы и раскраску насекомых, ящериц, минералов, морских раковин и др.

64. Объекты природы

65. Обобщение формы живописными средствами: а – реалистическое изображение, б – декоративное изображение, в – абстрактное изображение

Чтобы не допускать слепого копирования натуры, полезно поработать на основе сохранившихся у вас впечатлений или ассоциаций. Самостоятельное восприятие, его изучение помогут сложиться определенному отношению к натуре, которое создает основу для фантазии.

В станковом (живопись, графика) и декоративном искусстве процесс обобщения формы имеет много общего. Художник, сохраняя ее пластическую выразительность, выделяет главное и типичное, отказываясь от второстепенных деталей. Все наблюдаемые в реальной форме оттенки, как правило, приводятся к нескольким цветам. Возможен и полный отказ от реального цвета. Поиски образа подсказывают то или иное решение.

Художник может изменять предмет в любой степени, отход от натуры бывает очень значительным. Цветок, лист, ветку можно трактовать почти как геометрические формы или сохранить природные плавные очертания. Например, преобразовать живописными средствами реальный образ цветка в декоративный и даже абстрактный можно так, как на ил. 65.

Выставка уникальных бурятских кукол открывается в Дальневосточном художественном музее — Новости — События

Выставочный проект «Ульгер. Куклы семьи Намдаковых» со 2 октября начинает работать в Дальневосточном художественном музее. Уникальная коллекция из 27 авторских изделий художников из Республики Бурятия привезена в Хабаровск в рамках национального проекта «Культура». Накануне открытия представителям СМИ о проекте рассказали создатели кукол Доржима Эрдынеева, Сырма Базаржапова, а также искусствовед арт-фонда Даши Намдакова Надежда Комарова.

Выставочный проект «Ульгер» возник в 2016 году. Автором идеи и создателем эскизов является Даши Намдаков – легендарный бурятский скульптор, лауреат премии Правительства России в области искусства. В течение последних лет проект был показан в ряде российских и зарубежных галерей и музеев искусств.

Авторские куклы, созданные семьей автора по эскизам Даши Намдакова, выполнены как скульптуры – в стилизованных национальных одеждах и с историческими атрибутами. Экспозиция дает возможность воссоздать целостный образ бурятской культуры, раскрыть связь этнографических памятников и художественных произведений, в которых отражена душа народа.

– Каждая рукотворная кукла неповторима, наполнена этнической самобытностью и глубоким духовным содержанием, восходящим к многовековым традициям бурятского народа. Во всех куклах, представленных на выставке, сочетаются декоративная стилизация и этнографическая достоверность. Стилизованные костюмы сохраняют национальное своеобразие, содержат многие этнографически точные детали, выражающиеся в покрое одежды, цветовой гамме, орнаментике, символике, – рассказала Доржима Эрдынеева.

Выставка будет работать до 8 ноября. Посетителей музея просят соблюдать масочный режим и социальную дистанцию.

Отметим, ежегодно в рамках нацпроекта «Культура» на территории Хабаровского края реализуется не менее семи выставочных проектов из ведущих федеральных и региональных музеев России. В 2021 году уже реализовано пять проектов. В декабре на базе Дальневосточного художественного музея состоится открытие седьмой выставки из собрания Арт-центра Санкт-Петербурга.

Пресс-служба губернатора и правительства Хабаровского края
При использовании материалов ссылка на сайт www. khabkrai.ru обязательна

Что есть истина

«Зодчество», уже второй год подряд, объединено с относительно новым фестивалем интерьеров BIF. Куратор второго в этом году – Борис Левянт, тема – «Точка на i», что обозначает «финишную» суть интерьерных проектов, без которых здание, как правило не готово к функционированию.

Куратор первого, собственно «Зодчества», Алексей Комов, предложил тему «Истина» – по его собственным словам, после «Вечности», рассмотренной куратором прошлого года Эдуардом Кубенским, ничего кроме Истины предложить было невозможно.

Слева Алексей Комов, куратор Зодчества, справа Борис Левянт, куратор BIF. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Мы, таким образом, имеем дело со своего рода максимальной «точкой кипения» философичной метафоричности, и что будет темой следующего фестиваля, на этом фоне сложно предугадать. По традиции, истина фигурировала не только в кураторской программе, но и на других стендах и во многих речах, – получилось очень обязывающе, я бы даже сказала, несколько по-масонски: архитекторы такие зодчие, что должны искать истину для всех. Единственное утешение, что фестивальные темы они, все-таки, как правило немного невсерьез, особенно в наше постмодернистское время.

Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи. ру

Так возникли названия частей программы, реализованные приглашенными кураторами: Истина в себе (Стас Кулиш, черный внутри павильон справа от входа с зеркалом внутри), Истина в свободе (Евгения Микулина, посвящено даче, много фотографий самой Евгении), Истина в космосе (проект калужского Музея космонавтики, представлены проекты бумажного конкурса на лунную станцию), Истина в форме (Владимир Фролов, фотографии ленинградского модернизма и постмодернизма от хороших фотографов), и так далее. Страшно даже предлагать «истину в вине», наверное, ее отсутствие вызвано банальной известностью фразы. 

Истина в себе. Куратор: Станислав Кулиш, архитектор. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Истина в Севере. Кураторы: Елизавета Сорокина, Елена Хмара, Виктория Богинская, архитекторы. Дизайнер: Елизавета Сорокина, художник. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Истина в Космосе. Кураторы: Наталья Абакумова, директор Государственного музея истории космонавтики им. К.Э.Циолковского, Ольга Баннова, профессор Международного центра космической архитектуры Сасакава (SICSA), Университет Хьюстон, США. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Самый обаятельный проект – Истина в любви, посвящен памяти главного архитектора Москвы Александра Кузьмина (кураторы Мария Нарышкина и Наталия Климова). Это кафе, ножки столиков в котором решены как увеличенные изображения потушенной сигареты, что отлично воспринимается в наше чересчур политкорректное время. На стенах – афоризмы и рисунки Кузьмина.  

Истина в любви. Кураторы: Мария Нарышкина, декоратор, Наталия Климова, советник президента РААСН. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Истина в любви. Кураторы: Мария Нарышкина, декоратор, Наталия Климова, советник президента РААСН. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Проект Истина в юности, расположившийся справа перед сценой, оказался самым насыщенным, поскольку здесь разные молодежные объединения представили свои инсталляции в виде «башен», и этих башен довольно много, можно заблудиться. В частности, молодые архитекторы из Самары в своей «Башне терпения» исследуют утраты исторической застройки в центре города, как совершившиеся, так и планируемые; а фестиваль АрхБухта, проходящий ежегодно на Байкале, соорудил деревянную конструкцию со стулом, сев на который, человек может сам поднять себя вверх.   

• Башня терпения. Команда молодых архитекторов Самары. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Башня терпения. Команда молодых архитекторов Самары. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Башня терпения. Команда молодых архитекторов Самары. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Башня терпения. Команда молодых архитекторов Самары. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Башня терпения. Команда молодых архитекторов Самары. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Башня московских архитекторов. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Башня КМА || АМК. Куратор Валентина Синчурина, студентка 5 курса ИНИТУ, Иркутск. Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

• Истина в юности. Куратор: Анастасия Успенская, член президиума САР, куратор молодежной секции Союза архитекторов России. Фестиваль Зодчество 2021

  Фотография: Архи.ру

Сам Алексей Комов в инсталляции Истина в призвании изобразил увеличенную модель главной премии главного архитектурного фестиваля страны, Хрустального Дедала. Заостренный красный нос постамента что-то напоминает из недавних выставок, и на нем тоже можно сидеть, что плюс. 

Истина в призвании. «Алтарь архитектурной правды». Куратор: Алексей Комов, архитектор. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Прямо за инсталляцией Комова, перед большим амфитеатром, расположилась металлическая конструкция Петра Виноградова, которой в программе нет, под названием Истина ХЗ, составленная из двух металлических тетраподов, похожих на формы для бетонных волнорезов.

Истина ХЗ, объект Петра Виноградова. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Истина ХЗ, объект Петра Виноградова. Авторский комментарий. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Кураторские проекты выстроены по главной оси Гостиного двора, вдоль которой раньше собирали планшеты смотра-конкурса, и составляют главную аллею, ведущую к большому амфитеатру в конце. На пересечении этой, длинной оси и поперечной, по центру установлен кураторский проект Лары Копыловой Истина в городе, собравший четыре графических высказывания архитекторов-классиков о городе, в котором они хотели бы жить. Все авторы имеют отношение к Петербургу, это Михаил Филиппов, Максим Атаянц, Артём Никифоров и Степан Липгарт, куратор называет свой перекресток пересечением кардо и декумануса, а все вместе заставляет задуматься о том, почему в самый центр поместили не просто город, а именно город классический.

Истина в городе. Куратор: Лариса Копылова, архитектурный критик, искусствовед. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Хотя, как справедливо заметил в своем фейсбуке Александр Антонов, судя по программе фестиваля, «архитекторы <…> переключились на градостроительство и урбанизм во всех проявлениях», и этот город, во всяком случае пока, либеральный. На фестивале действительно много градостроительных обсуждений разного уровня, в том числе посвященных КРТ и мастер-планам, – по словам Алексея Муратова, КБ Стрелка разрабатывает стандарт мастер-плана, который, конечно, не будет в прямом смысле типовым проектом мастер-плана, а будет набором рекомендаций для разработки таковых. Но понятие мастер-плана, по его же словам, необходимо включить в ФЗ-172 о стратегическом планировании. Помимо обсуждений, на Зодчестве много градостроительных проектов разного масштаба, особенно от Института Градплана Москвы, Гипрогора и ГлавАПУ. Однако, тут не соглашусь с Александром Антоновым, про закон об архитектурной деятельности здесь тоже помнят, хотя про его доработку речи вроде бы не было, но президент двух союзов архитекторов Николай Шумаков на открытии не преминул напомнить, обращаясь к Минстрою, что комиссия создана и закон необходимо бы принять. 

Фестиваль, названный «предъюбилейным», открылся вчера на высшем уровне, с видеоприветствия Марата Хуснуллина, выступлений нескольких «первых замов» разных министерств и ведомств, также как и главных архитекторов Москвы и области Сергея Кузнецова и Александры Кузьминой, – что говорит о его стабильном и разностороннем официальном признании. 

Сам фестиваль успешно оправился от последствий пандемии и выглядит, определенно, цветущим. По словам президента двух союзов архитекторов, в прошлые годы в «Зодчестве» участвовали 7-8 регионов, а в этом году целых 16 – президент здесь же со сцены предположил, что в следующем году их должно быть 30, поставив себе, надо сказать, непростую планку роста. Но несложно заметить, что именно сейчас внушительнее всего выступили стенды регионов. 

Дело не только в том, что их много, существенно еще и то, что как будто ощутимо больше эффектных дизайнерских экспозиций, а некоторые из них отличаются и отменным содержанием. Выставок, скажем так, традиционного образца со шпалерной развеской мелких картинок, представляющих не всегда удачные варианты высокоплотной застройки, все меньше. В ходу QR-коды, книги «для ознакомления», темные или, наоборот, ярко освещенные пространства и интерактив. Самарская область запустила на стенд воду, которая капает с потолка павильона на решетки и камни, развесив на леске миниатюрные распечатанные на 3D-принтере макеты зданий разных периодов – похожее решение вспоминается в одной из экспозиций павильона Венеции на биеннале. На лесках также укреплены коды, ведущие на страницы новых проектов области.

Самарская область. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Расположенный рядом стенд республики Якутия / Саха, напротив, совершенно белый и по контрасту кажется особенно сухим. Сочетание белизны и лаконичного дизайна с минимумом национальной символики дает хороший эффект, пространство внутри напоминает почему-то не зимние льды иглу, а, скорее, качественный космический корабль, который собрался на освоение новых планет, не забыв прихватить с собой на память пару ковриков – рискну предположить, что это отражает настроение региона, направленного на радикальное обновление с сохранением национального колорита в русле современных тенденций. Из представленной на стенде книги, освещающей работу Центра компетенций по вопросам городской среды республики, видно, как много в республике проектов разного масштаба, от дизайн-кода поселка до туристических центров и площадей, и насколько все они соответствуют современным стандартам визуального восприятия – иначе говоря, модно выглядят.  

Республика Саха. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Расположенный напротив стенд Нижегородской области светится еще более ярким светом и проекты – связанные с празднованием 800-летия города – представляет лишь мельком. Он скорее посвящен юбилею в целом. Зато укрупненный рисунок Кати Гущиной на светящемся столе можно с удовольствием рассматривать и читать. 

Нижний Новгород. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Самый интерактивный – стенд Москомархитектуры. Сейчас в городе проходит серия экскурсий по современной архитектуре, посвященных 30-летию ведомства, тому же событию посвящен и стенд, на котором проводят викторину по знанию современной Москвы. Мне достался вопрос на тему экономической полицентричности, о трех очень крупных центрах притяжения, которые должны в обозримое время появиться в Москве. Ответ: район Южного порта (конкурс на который еще, насколько мне известно, не завершен), Большой Сити и «существующий центр в пределах Садового кольца» в целом. За ответы дают чай и кофе. Избранные проекты последних 8 лет представлены ​в виде буклетов на стенах, в видео-инсталляции над головой и в виде QR-кодов, ведущих вот на эту карту, сделанную специально к Зодчеству; мне, впрочем, показалось, что на карте объектов меньше, чем на столе. На стене рядом написано – занимаемся градостроительством сотни лет. Это утверждение восходит к плану Ивана Мичурина 1739 года. 

Москомархитектура. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Стенд Омской области представляет генплан города, принятый осенью 2020 года и рассчитанный до 2040 года, на позитивной ноте сообщая: все идет по плану. Как мне рассказала на Зодчестве основатель омского Института территориального планирования «Град» Анна Береговских, мастер-план города, рассчитанный на полицентричное развитие города и улучшение связности его территории, причем прежде всего через выход к набережным рек, разработан ее Институтом как инициативный проект в 2016–2019 годах; затем «Граду» был заказан мастер-план города, созданный и принятый в рекордные сроки – всего за год, причем чуть раньше генплана удалось принять схемы территориального планирования для объектов регионального значения, и достичь, таким образом, почти что гармонии – за исключением федеральных объектов, к примеру, пока не удалось решить судьбу пороховых складов и аэропорта, расположенных в центральной части города. На стенде демонстрируется также внушительная книга, изданная специалистами «Градо» и нацеленная на разъяснение положений генплана.

Омская область. Основатель омского Института территориального планирования «Град» Анна Береговских. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Что наименее заметно в экспозиционной расстановке Зодчества-2021 – так это планшеты участников смотра-конкурса.

Они оказались на периферии, и их еще надо поискать; они даже на плане выставки не очень очевидны, как мне показалось, поэтому скажу сразу – постройки во внешнем контуре, если смотреть от входа, справа, проекты слева, а в длину – примерно посередине. Традиционно хорошо представлен Петербург, в значительной степени проектами и постройками «Студии 44» Никиты Явейна, который почти единственный проиллюстрировал свои работы макетами. Но и другие архитекторы Петербурга – Евгений Герасимов, Михаил Кондиайн, Михаил Мамошин, Сергей Орешкин, – представлены хорошо. Сергей Чобан показывает петербургский Veren place и московские Искру Парк и складчатый кирпичный дом в «Садовых кварталах». Москва также представлена Вадимом Грековым и Моспроектом-4 со стартовыми домами в Головинском районе, которые, прямо скажем, выпадают из привычного ряда стартовых домов, и новой очередью ЖК Береговой, и, конечно, главой союзов и Метрогипротранса Николаем Шумаковым со станциями метро БКЛ Электрозаводской, Лефортово и Авиамоторной.  

Экспозиция смотра-конкурса: постройки. Фестиваль Зодчество 2021

Фотография: Архи.ру

Стас Горшунов из Нижнего Новгорода показал свой белый павильон №1 с Нижегородской ярмарки и очень любопытный дом из панелей с кирпичной облицовкой. Заслуживает внимания БЦ Corner Place от АПМ «Проспект», тоже из Нижнего. Очень красивый детский сад в Белоярском, спроектированный по логике современных образовательных учреждений, выставило бюро «Сити-Арх». Сергей Гикало и Александр Купцов показывают группу загородных домов, которыми занимаются достаточно давно на Камчатке, и проект музея рыбопромышленной компании там же; кажется, мы их видели на «Золотом сечении». Заслуживает внимания дом «Парус» от Archinform в Екатеринбурге и, для меня достаточно неожиданное произведение – Ледовый дворец в Самаре от Волгатрансстрой, чистая стилизация под 1960-е.  

Ну и так далее. Награждение разделено на две части, основную – с «Дедалом» и «Татлиным» – вручают завтра, в воскресенье, вечером. 

Что делать со старой одеждой

Во всем мире активно пропагандируют осознанное потребление. Людей призывают покупать исключительно нужные вещи — и для долгосрочного пользования. Пока экоактивисты говорят о грядущей экологической катастрофе, к которой ведет, в том числе, и производство одежды, большинство продолжают ежесезонно покупать новые вещи, чтобы подстроиться под быстро меняющуюся моду. В результате в гардеробе с годами скапливается огромное количество ненужных вещей.

Виктор Нурдаев, психиатр медицинского онлайн-сервиса СберЗдоровье, связывает склонность к накоплению вещей с несколькими факторами — это и особенности русского менталитета, и воспоминания, связанные с определенными предметами, и неосознанная попытка что-то или кого-то удержать в жизни.

Врач отмечает, что это может быть как и абсолютно безобидной сентиментальностью, так и силлогоманией (патологическим накопительством). В последнем случае необходима помощь специалиста.

«Такое расстройство сопровождается и другими симптомами, например нарушениями восприятия, внимания, памяти и другими», — уточняет Виктор Нурдаев в разговоре с «Газетой.Ru».

От старых вещей не обязательно избавляться, тем более, если это для вас тяжело. Благодаря стилистическим приемам им можно дать новую жизнь в гардеробе, тем более что мода циклична и то, что было в тренде раньше, обязательно вернется вновь.

Специалист по истории моды и стилист Яна Демченко советует доставать с дальних полок стеганые «ромбиком» куртки и юбки, широкие кожаные брюки, пальто с мягкой линией плеча, брючные костюмы свободного кроя, свитеры с гипертрофированно длинными рукавами, а еще комбинезоны, лоферы на толстой подошве, остроносые сапоги на умеренном каблуке и сумки из 2000-х.

Стилист Анастасия Андреянова напоминает, что не стоит забывать про всеми любимые джинсы Levi’s. «Модели из 70-90-х стоят невозможных денег, поэтому, если они есть у вас в закромах, это вам значительно сэкономит бюджет», — говорит модный эксперт «Газете.Ru».

Также Анастасия Андреянова посоветовала обратить внимание на немного нелепые, с ироничными надписями, детские футболки, которые еще называется baby tee. Их стилист предлагает сочетать с классическими дорогими костюмами, например, Bottega Veneta.

Чтобы винтажный образ смотрелся выигрышно, а не с «бабушкиного плеча», важно не переборщить. Стилисты говорят, что полностью в винтажные вещи одеваться крайне рискованно. «Носить бабушкины или мамины вещи на самом деле круто, но старайтесь выстроить контраст», — говорит Яна Демченко.

Профессионалы предлагают сочетать винтажный жакет с современными джинсами и трендовой сумкой, а если выбирать «бабушкино» платье, то стилизовать с актуальной обувью. Чтобы точно не ошибиться, следует внедрять в свой гардероб по одной вещи.

Если грамотно стилизовать не получается или не хочется, то можно отнести вещи в магазины, где занимаются созданием новых вещей из старых. Процесс уже успел получить модное название — апсайклинг. В России огромное количество локальных брендов, которые стали сторонниками этого типа производства. Это и Rigraiser, и Vina, и Pijmak, и «Мятка», и Re/Marka, и Wollenberg, и Jeans Revision.

«Мы преобразуем одежду техникой пэчворк (лоскутное шитье — «Газета.Ru»), полностью меняем крой, добавляем нашивки, соединяем разные предметы одежды вместе, меняем изначальную функцию вещи, — рассказывают «Газете.Ru» создательницы бренда Vina Виктория Пирогова и Анастасия Липяговская. — Например, мы делаем юбку из галстуков, платье из рубашек, куртки из джинсов».

Бренд Rigraiser проводит мастер-классы по апсайклингу вещей, на которых желающие могут прийти со своей одеждой и научиться разным техникам пошива. «Мы делаем из старых вещей предметы искусства, которые можно носить на себе: пиджаки, пальто, тренчи, рубашки, свитера, брюки и многое другое», — говорит основательница марки Анна Леконцева.

Также старые вещи можно сдать в пункты сбора вещей в отделах социальной защиты граждан или контейнеры «Добрые ящики», «Зеленая капля», «Лепта» или пожертвовать храмам или благотворительным организациям. Если вещи в очень хорошем состоянии, их можно продать на ресейл-платформах, например, Second Friend Store, Oskelly или Relove. Если в плохом — отнести в магазины, где принимают на переработку (H&M, Monki, Uniqlo), и получить скидку или бонусы.

Лишней одежды, которая затем с большой вероятностью превратится в старую и ненужную, в гардеробе может стать меньше при ее правильном выборе.

А вот покупать вещи в масс-маркете и товары из дешевых тканей не стоит, советует стилист Анастасия Андреянова. Одежда из тонких тканей и без хорошо держащего форму каркаса по определению не может служить долго, добавляет Яна Демченко. В первую очередь это касается трикотажа.

«Относитесь к вещам бережно. Когда заканчивается сезон, пакуйте их в чехлы и коробки и убирайте подальше, чтобы не цеплялись и не пылились. Они ответят вам благодарностью и избавят от поиска дублей на замену», — резюмирует стилист.

Cервисный центр GPDA- профессиональный ремонт Apple

GPDA – это профессиональный сервис-центр Apple, который предоставляет своим клиентам широкий спектр услуг по ремонту iPhone и другой продукции Apple и его моддингу. Как известно, техника Apple является высококлассными изделиями. Их сервисное обслуживание требует к себе максимально серьезного подхода, поэтому ремонт должен выполняться исключительно опытными специалистами. Мы ведем свою деятельность с 2007 года, и наши специалисты обладают необходимой квалификацией, а также современным программно-диагностическим оборудованием.

 

Если ваш любимый MacBook или iPhone перестал работать так же хорошо как раньше, мы советуем без промедления обращаться к нам. В штате нашей компании действует слаженная команда опытных специалистов, которым не составит труда быстро обнаружить причину неполадки и произвести качественный ремонт любого изделия Apple. Наличие современного оборудования для диагностики и ремонта – это далеко не весь список преимуществ сервис-центра GPDA. На нашем складе имеется полный комплект оригинальных комплектующих для всех современных моделей Mac, iPhone, iPad или iPod, что полностью исключает возможность будущих поломок из-за несовместимости деталей.

 

 

Благодаря опытным специалистам и современной техники мы без труда можем произвести даже самые сложные работы по ремонту iPhone, iPad, iPod, Macbook, iMac и прочих гаджетов от Apple.

 

Мы знаем как выглядят все устройства Apple изнутри, знаем абсолютно все их тонкости и нюансы, наши специалиста с закрытыми глазами могут запросто полностью разобрать и собрать любой гаджет яблочной продукции.

 

 

Ремонт продукции Apple – это еще не всё, чем занимается наш сервисный центр. Так же мы предоставляем широкий выбор возможностей по стилизации – моддингу любого изделия компании Apple. Моддинг iPhone и прочих мультимедийных устройств позволит вам сделать свою технику индивидуальной и эксклюзивной, обеспечить ей стильный дизайн и оригинально выделить ее на фоне других подобных изделий. Вы можете заказать нанесение любого рисунка при помощи аэрографии, гравировку узора или надписи, инкрустацию стразами, установку золотой рамки и многое другое. Опытные мастера сделают всё возможное для того, чтобы выполнить стилизацию вашего iPhone, iPad или Macbook максимально необычно, качественно и в сжатые сроки.

Стилизация Модной Фигуры — Рисунок Фигуры

Под термином стилизация понимается преувеличение строения тела, сводящее его к нескольким существенным чертам.

Существуют различные способы стилизации фигуры, и один из них — увеличить высоту модели на одну или две единицы измерения.

Первый способ

Как вы увидите на двух диаграммах, пропорции остались неизменными во всех случаях, то есть анатомия фигуры осталась прежней, в то время как длина конечностей и основных частей тела была изменена,

Диаграмма выше была увеличена на полторы единицы измерения, а диаграмма на противоположной странице увеличена на две.

Голова примерно таких же размеров, плечи немного шире по отношению к тазу, шея слегка удлинена. Грудь также была расширена, а область таза была укорочена.

Талия уменьшена в размерах, конечности удлинены, сохранены пропорции верхней части тела. Стопы явно повторяют длину тела.

Второй метод

Здесь, ниже, поза стала еще более абстрактной, уменьшив фигуру до нескольких основных линий, которые преувеличивают структуру.

Полученный рисунок очень похож на контур, но представляет больше энергии и жизненной силы.

Третий способ

Еще одна система для получения убедительной модной тарелки — это уменьшение реальной фигуры без увеличения ее роста с сохранением ее основных пропорций.

На диаграмме четко показаны вариации, которые есть у wc.

duced. Мы сделали талию тоньше, а также бок, лобок был приподнят, ноги и руки стали одинаковыми по длине, но стали тоньше, шея стала тоньше, а голова и ступни остались прежними по сравнению с первоначальным размером.

как не должна выглядеть модная тарелка

Теперь, когда мы установили правильную основу для создания модной тарелки, давайте подробно проанализируем ошибки, которые могут быть сделаны, когда дело доходит до личной интерпретации

В этом отношении уместно вести подборку поз, используемых профессиональными модельерами; это будет чрезвычайно полезно для практики копирования и для примеров интерпретации.

Когда ноги слишком длинные по сравнению с остальным телом, трудно определить точную высоту головы.Короткая или узкая верхняя часть тела мешает четкости линии.

Когда шея очень длинная, а голова слишком мала по сравнению с остальным телом, получается эффект жирафа.

Большие и неуклюжие ступни отягощают фигуру, но если вы все же хотите их нарисовать, ограничьтесь только стилем casual.

Слишком широкие или слишком узкие плечи мешают носке.

Слишком узкая талия мешает четкости линии талии.

Слишком статичные, расслабленные или обычные позы делают модную тарелку деревянной и тусклой. Слишком наглядные художественные приемы бесполезны на этапе планирования, даже если они приятны в исполнении. Помните, что вы модельеры, а не иллюстраторы, поэтому ваша задача — максимально подробно и быстро продумать коллекцию.

Несколько поз с фиксированной верхней частью тела

Предложите вам использовать только несколько ключевых поз и трансформировать их, как мы показываем вам на иллюстрациях в этой главе.Примите простую и яркую модную позу, такую ​​как изображенная на схеме.

Часто модельер, отправляясь в путь, думает, что он должен запомнить столько позиций, которые он может использовать в своих проектах, и это создает у некоторых людей настоящий кризис памяти. Для упрощения первоначальной работы мы

Удерживая верхнюю часть тела неподвижной, двигайте только руками и ногами модели. Если вы хотите, вы можете двигать головой: вы получите из одного положения различные модные пластинки, изображенные в разных положениях.

Используя эту технику множественных поз с фиксированной верхней частью тела, вы получите различные модные пластинки из нескольких основных исходных положений.

Читать дальше: Focus Techniques

Была ли эта статья полезной?

Как найти свой собственный стиль рисования для произведения искусства

Wangs Lok / EyeEm / Getty Images / EyeEm

---

Если вы хотите стать художником следующего уровня, обучение технике — это только начало.Ваши рисунки должны отражать ваш личный стиль и говорить: «Привет, это Я».

Чтобы разработать свой фирменный стиль, вам нужно будет смотреть на множество произведений искусства и как сумасшедшие экспериментировать. Хорошие новости: заниматься этими делами весело, увлекательно и дает огромный импульс творчеству.

Вот как добавить индивидуальности всему, что вы рисуете.

1. Займитесь просмотром произведений искусства.

Эдгар Чапарро / Unsplash

---

Возьмите все, а не только рисунки: книги, музейные экспонаты, веб-сайты, посвященные изобразительному искусству, поп-арт, мультипликационные ленты — все, что вы можете найти.Обратите внимание на то, что заставляет вас говорить: «Еще, пожалуйста». Это ваш первый ключ к тому, какие произведения искусства могут в конечном итоге вдохновить вас на индивидуальный стиль.

2. Основные сведения

Поймите правила, чтобы их нарушить. Изучение основ рисования, таких как методы рисования пером, затенение и рисование с перспективой, поможет вам встать на правильный путь. Таким образом, когда ваш собственный стиль начнет проявляться, у вас будут навыки, чтобы его подкрепить.

3.Стиль экспертов

Давайте проясним: никогда не стоит заниматься плагиатом искусства. Но особенно когда вы только начинаете, копирование других художников просто для практики расширяет ваши навыки, поскольку вы исследуете собственные способы самовыражения. То, что могло начаться с подражания, может развиться в ваш уникальный стиль.

4. Посетите спортзал

Обучение рисованию похоже на тренировку: если вы хотите быть в форме, вам нужно регулярно заниматься спортом.Ежедневная практика рисования укрепит ваши навыки и раскроет ваш стиль.

5. Выйдите из зоны комфорта

mediaphotos / Getty Images / iStockphoto

---

Попробуйте рисовать в стиле, который вас пугает или пугает. Останься со мной здесь. Изучение стилей, которые кажутся неестественными, может научить вас тому, что вы действительно хотите рисовать, и что делает естественным.

Допустим, вы бросаете себе вызов нарисовать реалистичный цветок, но все, о чем вы можете думать, — это то, как вам не терпится рисовать мандалы.Это ваши естественные инстинкты, взывающие к вам. Слушай внимательно.

6. Дудл

Серьезно. Когда дело доходит до оттачивания навыков и выработки индивидуального стиля, ничто не сравнится с рисованием. Рисуя, вы не только улучшаете зрительно-моторную координацию. Вы также работаете в свободной форме и решаете проблемы творчески, даже если вы этого не осознаёте.

Рисуете ли вы сердца и звезды, повторяете узор или просто рисуете, ваши каракули могут превратиться в стилизованные элементы.Они могут найти свое место в более «законченном» искусстве и превратиться в подписи вашего стиля.

7. Промыть и повторить

Хорошо, вам не нужно «полоскать», но вам обязательно стоит повторить — например, рисовать одно и то же снова и снова. Независимо от того, рисуете ли вы полевые цветы или какого-то персонажа, которым вы одержимы (мой — «Посыпьте единорога»), ваш личный стиль начнет бросаться в глаза.

Вы когда-нибудь смотрели старые серии The Simpsons и думали, как забавно выглядят персонажи — почти как бета-версии самих себя? Чтобы персонажи превратились в знаковых фигур, которых теперь все знают, требовалось постоянное рисование и перерисовка.Даже если вы не Мэтт Грёнинг (пока), вам будет полезно повторение.

8. Слушайте свой внутренний голос

Даже если вы начинаете рисовать с определенной идеей, дайте себе свободу изменить курс. Сделайте паузу на минуту и ​​честно скажите, что работает, а что нет. Часто тот голосок, который говорит «Стой» или «Нарисуй здесь букет цветов», — это ваш личный стиль, который пытается быть услышанным. Прибавь громкости.

9. Остановить рисование

Нет, это не шутка.Вы знаете, как люди говорят, что лучшие идеи приходят в голову в душе? Направьте это спонтанное творчество и отложите перо и чернила на секунду.

Прогуляйтесь, примите ванну или займитесь чем угодно, чтобы избавиться от рутины. В это время ваш мозг обрабатывает идеи, и перерыв может сделать вас лучшим художником.

10. Развитие

Иногда, когда вы находите что-то, что работает художественно, вы испытываете искушение придерживаться этого навсегда.Это может быть здорово для некоторых художников, но многие другие со временем развивают свой стиль. Посмотрите, куда вас ведут ваши инстинкты.

Например, я всегда рисовал персонажей. Раньше мне нравилось работать пером, тушью и акварелью, но теперь я люблю раскрашивать предметы в цифровом виде и использовать фотографии. Работа с персонажами по-прежнему определенно мой стиль, но он развивался на основе новых техник, которые я изучаю, и всего того, что мне нравится в то время.

11. Держись

Вы можете расстроиться и захотите сдаться — это совершенно нормально, но, пожалуйста, не делайте этого.Для некоторых людей развитие личного стиля происходит быстро и естественно; для других это может занять много времени и экспериментов. И эй, у тебя может быть больше одного стиля. Придерживайтесь процесса. Со временем вы увидите результаты. Обещать.

Изображение через CakeSpy

Ар-деко — концепции и стили

Начало ар-деко

К концу 19 ^{-х годов} века во Франции многие известные художники, архитекторы и дизайнеры, сыгравшие важную роль в развитии стиля модерн style признал, что он становился все более и более passé .В конце столетия, когда наступила промышленная революция, современная жизнь стала сильно отличаться от нескольких десятилетий назад. Пришло время для чего-то нового, чего-то, что кричало бы «20 ^-е век» со со вкусом оформленных модернистских крыш.

Общество художников-декораторов во Франции

Из этого желания двигаться в новый век в ногу с инновациями, а не сдерживаться ностальгией, группа французских художников-новаторов сформировала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs (Общество художников-декораторов).В группу входили как известные фигуры, такие как дизайнер и гравер в стиле модерн Эжен Грассе, так и архитектор в стиле модерн Эктор Гимар, а также начинающие художники-декораторы и дизайнеры, такие как Пьер Шаро и Фрэнсис Журден. Французское государство поддерживало и поощряло это направление художественной деятельности.

Одна из основных целей новой группы состояла в том, чтобы бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая низводила художников-декораторов до более низкого статуса, чем более классические средства живописи и скульптуры.Известная цитата Журдена гласит: «Мы, следовательно, решили вернуть декоративное искусство, которое небрежно относилось к золушке или бедным родственникам, которым разрешено есть вместе со слугами, на важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во всех странах. стран мира «. План крупной выставки, представляющей новый вид декоративного искусства, изначально был задуман на 1914 год, но его пришлось отложить до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам отложить до 1925 года.

Выставка, на которой официально был запущен механизм

Правительство Франции, разместившее выставку между эспланадой Дома Инвалидов с золотым куполом и входами в Малый дворец и Большой дворец по обе стороны реки Сены, стремилось продемонстрировать новый стиль. Свои работы на выставке представили более 15 000 художников, архитекторов и дизайнеров. За семь месяцев работы выставки многочисленные отдельные экспонаты посетили более 16 миллионов человек.Эта выставка стала катализатором начала движения.

Ар-нуво и ар-деко

Ар-деко было прямым эстетическим и философским ответом на стиль ар-нуво и более широкий культурный феномен модернизма. Ар-нуво начал выходить из моды во время Первой мировой войны, поскольку многие критики считали, что продуманные детали, тонкий дизайн, часто дорогие материалы и методы производства этого стиля плохо подходят для сложного, нестабильного и все более механизированного современного мира.В то время как движение в стиле ар-нуво заимствовало свои замысловатые стилизованные формы от природы и превозносило достоинства ручной работы, эстетика ар-деко подчеркивала обтекаемость машинного века и гладкую геометрию.

Ар-деко и модернизм

Международная выставка собрала не только работы в стиле ар-деко, но и выставила изделия ручной работы рядом с образцами авангардных картин и скульптур в таких стилях, как кубизм, конструктивизм, баухаус, де Стиджл и футуризм. . К 1920-м годам ар-деко был ярким, но в значительной степени мейнстримным контрапунктом более интеллектуальной эстетики Баухауса и Де Стиджа.Все трое разделяли акцент на чистых, сильных линиях как на организационном принципе дизайна. Практики ар-деко приняли технологические инновации, современные материалы и механизацию и попытались подчеркнуть их в общей эстетике самого стиля. Практики также заимствовали и учились у других модернистских движений. Ар-деко стал популярным среди поклонников, идущих в ногу с дальновидными перспективами современных авангардных движений. По иронии судьбы, модернистская живопись и скульптура играли второстепенную роль на выставке, за редким исключением советского павильона и павильона Ле Корбюзье Esprit Nouveau .

Ар-деко после Великой депрессии

Начало второй фазы ар-деко совпало с началом Великой депрессии. Фактически, строгость могла быть основной эстетикой как по прагматическим, так и по концептуальным причинам этого второго развития ар-деко. В то время как архитектура ар-деко, например, была ориентирована вертикально с небоскребами, поднимавшимися на высокие высоты, более поздние здания в стиле ар-деко с их в основном безукраинными экстерьерами, изящными изгибами и горизонтальными акцентами символизировали прочность, спокойное достоинство и устойчивость.В самые тяжелые годы экономической катастрофы, с 1929 по 1931 год, американское ар-деко перешло от следования тенденциям к их установлению.

Streamline Moderne

Streamline Moderne стал американским продолжением европейского движения ар-деко. Помимо серьезных экономических и философских влияний, эстетическим вдохновением для первых структур Streamline Moderne были здания, спроектированные сторонниками движения Новой Объективности в Германии, которые возникли в результате неформального объединения немецких архитекторов, дизайнеров и художников, сформировавшегося в ранние годы. -20 ^-е век.Художники и архитекторы New Objectivity были вдохновлены тем же трезвым прагматизмом, который заставлял сторонников Streamline Moderne устранять излишества, в том числе эмоциональность экспрессионистского искусства. Архитекторы New Objectivity сконцентрировались на создании структур, которые можно было бы рассматривать как практичные, как отражающие требования реальной жизни. Они предпочитали, чтобы их дизайн адаптировался к реальному миру, а не заставлял других приспосабливаться к эстетике, которая была непрактичной. С этой целью архитекторы New Objectivity даже первыми внедрили технологию сборных конструкций (помогая быстро и эффективно размещать бедных в Германии).

Лишенная орнамента архитектура Streamline Moderne отличалась чистыми изгибами, длинными горизонтальными линиями (включая полосы окон), стеклянными кирпичами, окнами в виде иллюминаторов и цилиндрическими, а иногда и морскими формами. Больше, чем когда-либо, особое внимание уделялось аэродинамике и другим проявлениям современных технологий. Более дорогие и часто экзотические материалы ар-деко были заменены бетоном, стеклом и хромированной фурнитурой в Streamline Moderne. Цвет использовался умеренно, так как не совсем белые, бежевые и землистые тона заменили более яркие цвета ар-деко.Стиль сначала был введен в архитектуру, а затем распространился на другие объекты, аналогично традиционному стилю ар-деко.

Ар-деко имеет ретроактивное название

Первоначально термин «ар-деко» использовался уничижительно известным критиком, модернистским архитектором Ле Корбюзье, в статьях, в которых он критиковал стиль за его орнамент, что он считал ненужным. в современной архитектуре. В то время как сторонники стиля приветствовали его как урезанный модернистский ответ на чрезмерный орнамент, особенно по сравнению с его непосредственным предшественником, ар-нуво, поскольку любое украшение было излишним для Ле Корбюзье.Только в конце 1960-х годов, когда интерес к этому стилю возродился, термин «ар-деко» использовался в положительной форме британским историком искусства и критиком Бевисом Хиллиером.

Ар-деко и США

В США восприятие движения ар-деко развивалось по другой траектории. Герберт Гувер, в то время министр торговли США, постановил, что американские дизайнеры и архитекторы не могут выставлять свои работы на Международной выставке, поскольку он утверждал, что в стране еще не возник отчетливо американский стиль искусства, который был бы удовлетворительно «достаточно новым». .»В качестве альтернативы он отправил делегацию во Францию, чтобы оценить предложения на выставке, а затем применить то, что они увидели, к современному американскому художественному и архитектурному стилю. В контингент эстетических эмиссаров, присланных Гувером, были важные фигуры из Американский институт архитектуры, Метрополитен-музей и The New York Times . Миссия почти сразу вызвала бум художественных инноваций в США.

К 1926 году уменьшенная версия французской ярмарки под названием «Избранная коллекция предметов» из Международной выставки «Современное, промышленное и декоративное искусство» »путешествовал по многим У.Южные города, такие как Нью-Йорк, Кливленд, Чикаго, Детройт, Сент-Луис, Бостон, Миннеаполис и Филадельфия. Американские всемирные ярмарки в Чикаго (1933) и Нью-Йорке (1939) заметно показали дизайн ар-деко, в то время как Голливуд принял эстетику и сделал ее гламурной по всей стране. Даже американские корпорации, такие как General Motors и Ford, построили павильоны на Всемирной выставке в Нью-Йорке.

Среди наиболее известных примеров американского стиля ар-деко — небоскребы и другие масштабные постройки.Фактически, американская итерация ар-деко в строительных конструкциях была названа зигзагообразным модерном из-за ее угловатых и геометрических узоров как сложных архитектурных фасадов. Однако в целом американский ар-деко зачастую менее декоративен, чем его европейский предшественник. Помимо чистых линий и сильных изгибов, смелых геометрических форм, богатого цвета и иногда щедрого орнамента, американская версия выглядит более урезанной. Поскольку важные влияния, такие как новая объективность и международный стиль архитектуры, а также серьезные экономические неудачи конца 1920-х и начала 1930-х годов начали оказывать влияние на эстетику ар-деко, стиль стал гораздо менее щедрым.Например, это преобразование может быть символизировано заменой золота на хром, перламутра на бакелит, гранита на бетон и т. Д.

Американский стиль ар-деко развился как праздник технологического прогресса, включая массовое производство, и восстановленная вера в социальный прогресс. По сути, эти достижения можно было считать отражением национальной гордости. В 1930-х годах при Управлении прогресса работ Рузвельта (WPA) многие из произведений, которые были созданы, были в стиле ар-деко, от муниципальных структур, таких как библиотеки и школы, до массивных общественных фресок.WPA был призван дать толчок послевоенной экономике США, создав рабочие места в общественных работах, и был направлен на служение обществу, создавая рабочие места и привнося американские ценности в дизайн. Таким образом, использование американского ар-деко явилось выражением демократии через дизайн. Некоторые материалы, которые часто использовались при создании ар-деко, были дорогими и, следовательно, недоступными для среднего человека. Однако использование недорогих или новых материалов позволило производить широкий спектр доступных продуктов и, таким образом, по-новому привнесло красоту в общественную сферу.Ар-деко вдохновил дизайн и производство множества предметов — от обложек журналов и красочной рекламы до функциональных предметов, таких как столовые приборы, мебель, часы, автомобили и даже океанские лайнеры.

Глобальный рост ар-деко

Стиль ар-деко утвердился в самых разных мировых столицах, таких как Гавана, Куба, Мумбаи и Джакарта. Гавана может похвастаться целым кварталом, построенным в стиле ар-деко. Железнодорожная система лондонского метрополитена в значительной степени воплощает этот стиль. В порту Шанхая находится более пятидесяти построек в стиле ар-деко, большинство из которых было спроектировано венгром Ласло Худеком.От военных памятников до больниц, такие далеко идущие города, как Сидней и Мельбурн в Австралии, также впитали феноменальный стиль.

Ар-деко: концепции, стили и тенденции

Основные визуальные характеристики ар-деко основаны на повторяющемся использовании линейных и геометрических форм, включая треугольные, зигзагообразные, трапециевидные и шевронные формы. Подобно своему предшественнику, ар-нуво, когда представлены такие объекты, как цветы, животные или человеческие фигуры, они сильно стилизованы и упрощены, чтобы сохранить общую эстетику ар-деко.Характер и степень стилизации и упрощения или урезания варьируются в зависимости от региональной итерации стиля. Например, фигура «Жар-птица » (1922) французского дизайнера Рене Лалика элегантно тонкая и утонченная, в то время как модель Atlas (1937 г.) Ли Лори за пределами Рокфеллер-центра крепкая и крепкая, с подчеркнуто линейной мускулатурой, хотя и то, и другое. считается прекрасным воплощением стиля деко.

В соответствии с акцентом движения на современные технологии, художники и дизайнеры ар-деко использовали современные материалы, такие как пластик, бакелит и нержавеющая сталь.Но когда потребовался всплеск богатства и изысканности, дизайнеры использовали более экзотические материалы, такие как слоновая кость, рог и кожа зебры. Как и в случае с движениями ар-нуво и искусства и ремесла, стиль ар-деко гораздо меньше применялся к традиционно высокопоставленным формам выражения изобразительного искусства: живописи и скульптуре.

Дизайн

Стиль ар-деко оказал влияние на графическое искусство таким образом, что обнаружилось влияние итальянского футуризма с его любовью к скорости и обожанием машины.Художники-футуристы использовали линии для обозначения движения, известные как «усы скорости», которые выделялись из колес быстро движущихся автомобилей и поездов. Кроме того, приверженцы ар-деко использовали параллельные линии и сужающиеся формы, которые предполагают симметрию и обтекаемость. На типографику повлияло международное влияние ар-деко, и гарнитуры Bifur, Broadway и Peignot сразу же вызывают в памяти этот стиль.

С точки зрения образов, простые формы и большие области сплошного цвета напоминают японские гравюры на дереве, которые стали основным источником влияния для западных художников, особенно во Франции, после окончания изоляционистского периода Эдо в 1868 году.Последующий приток искусства из Японии в Европу оказал огромное влияние. В частности, художники нашли в формальной простоте ксилографии образец для создания своих собственных, отчетливо современных стилей, начиная с импрессионистов.

Мебель

До конца 1920-х годов во Франции авангардный дизайн мебели в основном представлял собой вариации стиля модерн, но упрощенные и менее криволинейные. В течение десятилетия Эмиль-Жак Рульманн стал ведущим дизайнером мебели (у Рульмана был собственный павильон на выставке 1925 года).В то время как его проекты были в основном вдохновлены изделиями 18 90–160-х годов века, выполненными в неоклассическом стиле, он устранил большую часть орнамента, но по-прежнему использовал экзотические материалы, которые предпочитали дизайнеры в стиле модерн, такие как красное дерево, черное дерево, палисандр, слоновая кость и панцири черепахи. . Конечно, его работы часто были слишком дорогими для приобретения кем-либо, кроме самых богатых.

В отличие от роскошного дизайна Рульмана, который, казалось, смешивал стили ар-нуво и ар-деко, более определенно дизайнером мебели в стиле ар-деко во Франции был Жюль Леле.Он был традиционным дизайнером до тех пор, пока новый стиль не вытеснил модерн. Он известен дизайном большой столовой Елисейского дворца в Париже и роскошными каютами на первоклассной палубе элегантного парохода Normandie.

В отличие от Леле и Рульмана, Ле Корбюзье был сторонником очень урезанной версии стиля ар-деко без орнаментов, часто создавая мебель, подходящую для строгих интерьеров, своих собственных архитектурных сооружений. Его намерением было разработать прототипы, в частности стульев, которые можно было бы производить массово и, следовательно, доступными для более широкого рынка.Также следует отметить, что дизайн интерьера известной достопримечательности Нью-Йорка Radio City Music Hall, созданный Дональдом Дески, является прекрасным примером американского дизайна мебели в стиле ар-деко, который до сих пор сохранился в своем первоначальном виде.

Архитектура

Архитектура ар-деко характеризуется строгими, часто богато украшенными рисунками, подчеркнутыми блестящими металлическими акцентами. Многие из этих зданий имеют вертикальный акцент, построенный таким образом, чтобы обращать внимание наверх. Прямоугольные, часто блочные формы расположены геометрически с добавлением шпилей на крышах и / или изогнутых декоративных элементов для обеспечения обтекаемого эффекта.Небоскребы Нью-Йорка и здания в пастельных тонах Майами входят в число самых известных американских примеров, хотя этот стиль использовался во множестве структур по всему миру.

В Соединенных Штатах Управление прогресса работ помогло архитектуре ар-деко стать мейнстримом. Интересно, что слияние ар-деко и классицизма изящного искусства, наблюдаемое во многих общественных работах эпохи депрессии, стало известно как PWA Moderne или Depression Moderne.

Дальнейшие события — после ар-деко

Ар-деко вышло из моды в годы Второй мировой войны в Европе и Северной Америке, когда из-за суровости военного времени этот стиль казался неизменно ярким и декадентским.Металлы использовались для изготовления оружия, а не для украшения зданий или внутренних помещений. Мебель больше не считалась статусным объектом. Дальнейшие технологические достижения позволили удешевить производство основных потребительских товаров, устраняя потребность и популярность дизайнеров ар-деко.

Механизм, который во многих отношениях стремился оторваться от прошлого, теперь стал классикой, которую вспоминают с любовью и ностальгией. С 1960-х годов наблюдается постоянный постоянный интерес к этому стилю.Отголоски ар-деко можно увидеть в дизайне «модерн середины века», который воплощает в себе обтекаемую эстетику деко и пересматривает чистую простоту Баухауса. Деко также помогло вдохновить Memphis Group, дизайнерское и архитектурное движение, сосредоточенное в Милане в 1980-х годах. Мемфис также опирался на поп-арт и китч в качестве источников для создания своих красочных, сознательно постмодернистских дизайнов.

Стилизованные линейные рисунки для изображения формы

ПОКАЗЫВАЕТ 1-10 ИЗ 38 ССЫЛОК

СОРТИРОВАТЬ ПО РелевантностиСамые популярные статьиНедавность

Изображение 3D-формы с помощью линий

• D.ДеКарло
• Информатика, инженерия
• Электронная обработка изображений
• 2012

Рассматривается то, что известно о математике и восприятии компьютерных линейных чертежей формы, и проводится текущая программа исследований, чтобы лучше охарактеризовать формы, которые люди видят, когда они смотрят на такие рисунки. Развернуть

Насколько хорошо линейные рисунки отображают форму

Результаты показывают, что люди интерпретируют определенные формы почти так же хорошо, как из линейного рисунка, так и из закрашенного изображения, что современные методы рисования линий компьютерной графики могут эффективно отображать форму и даже соответствовать эффективности рисунков художника , и что ошибки в изображении часто локализованы и могут быть связаны с конкретными свойствами используемых линий.Развернуть

• Просмотреть 1 отрывок, справочная информация

Насколько хорошо штриховые рисунки отображают форму?

Результаты показывают, что люди интерпретируют определенные формы почти так же хорошо, как из рисования линий, так и из закрашенного изображения, что современные методы рисования линий компьютерной графики могут эффективно отображать форму и даже соответствовать эффективности рисунков художника, и что ошибки в изображении часто локализованы. и можно проследить до определенных свойств используемых линий. Развернуть

• Просмотр 1 отрывок, справочная информация

Где люди рисуют линии

Исследование было разработано таким образом, чтобы рисунки могли быть зарегистрированы с визуализированными изображениями 3D-моделей, что поддерживает анализ того, насколько хорошо расположение линий художников соотносится с других художников, с текущими определениями линий компьютерной графики и с лежащими в основе дифференциальными свойствами трехмерной поверхности.Развернуть

• Просмотреть 1 отрывок, справочная информация

Где люди рисуют линии?

Исследование было разработано таким образом, чтобы рисунки можно было зарегистрировать с визуализированными изображениями 3D-моделей, поддерживая анализ того, насколько хорошо расположение линий художников коррелирует с линиями других художников, с текущими определениями линий компьютерной графики и с лежащими в основе дифференциальными свойствами. 3D-поверхности. Развернуть

• Вид 1 отрывок, справочная информация

Штриховые рисунки через абстрактное затенение

Мы описываем алгоритм на основе графического процессора для визуализации 3D-модели в виде рисунка линий, основываясь на понимании того, что рисунок линии можно понимать как абстракцию затененного изображения.Таким образом, мы визуализируем линии… Развернуть

• Вид 1 отрывок, ссылки на методы

Видимые выступы для рисования линий

Новое определение характерных линий представлено на основе двух перцепционных наблюдений, зависимая от вида кривизна как изменение нормали поверхности с относительно плоскости экрана просмотра, и видимые выступы как места точек, которые максимизируют зависящую от обзора кривизну. Развернуть

• Просмотреть 2 отрывка, справочные материалы, фон и методы

Изофотное расстояние: подход с использованием штриховки для художественной толщины обводки

В этой статье представлен подход для определения толщины обводки в компьютерных иллюстрациях гладких поверхностей с использованием простой формулы, которая зависит от глубины , радиальная кривизна и направление света таким образом, чтобы воспроизводить аспекты толщины, наблюдаемые на чертежах, сделанных вручную.Развернуть

• Просмотр 1 отрывок, ссылки на методы

Подсказки контуров для передачи формы

Не фотореалистичная система рендеринга, которая передает форму с помощью линий и показывает, что наводящие контуры могут быть нарисованы согласованно с истинными контурами, поскольку они предвосхищают и удлиняют их. Развернуть

• Просмотреть 1 отрывок, ссылки на методы

Чертежи и образцы как требования к применению

Чертеж и образец — не одно и то же. На рисунке показано, что такое товарный знак.Образец показывает, как вы на самом деле используете свой товарный знак в своих товарах или услугах. Убедитесь, что способ отображения вашего товарного знака на образце соответствует типу вашего рисунка.

Тип чертежа и его влияние на ваши требования к подаче

Ваша заявка должна включать изображение товарного знака, который вы хотите зарегистрировать, известное как «рисунок». На рисунке ваш товарный знак может быть изображен как стандартными символами, так и в специальной форме. Стандартные рисунки персонажей представляют собой только текст без стилизации, цвета или дизайна.Рисунки особой формы стилизованы, содержат цвет или имеют рисунок.

Вы сами решаете, какая версия вашего товарного знака будет отображаться на чертеже. Выбранный тип рисунка влияет на вид защиты, которую вы получаете. Если формулировка является наиболее важной частью вашего товарного знака, подумайте о стандартном рисунке символов. Если важнее элемент дизайна или стилизация, рассмотрите рисунок особой формы. Как правило, регистрация товарного знака с использованием стандартных символов обеспечивает самую широкую защиту.

Узнайте больше о типах чертежей, защите, которую они обеспечивают, и различиях между их требованиями.

Один товарный знак на заявку

Заявка ограничена одним товарным знаком. Если у вас есть один товарный знак с несколькими вариантами, вы можете подать только один вариант этого товарного знака для каждой заявки. Следовательно, если вы хотите зарегистрировать все варианты своего товарного знака, вы должны подать отдельную заявку для каждого варианта.

Например, если ваш товарный знак — Nike, вы можете подать четыре отдельных заявки:

• Стандартный рисунок символа для термина «Nike.»
• Рисунок специальной формы для термина« Nike », выполненный стилизованным шрифтом.
• Чертеж особой формы для дизайна галочки.
• Рисунок особой формы для комбинированного дизайна «галочка» и термина «Nike» стилизованным шрифтом.

Вы сами выбираете, подавать ли один или несколько вариантов вашего товарного знака. Все зависит от вашей конкретной ситуации и от того, какой товарный знак или варианты вашего товарного знака наиболее важны для вас. Малые предприятия, не располагающие значительными финансовыми ресурсами, часто предпочитают подавать только стандартный рисунок своего товарного знака, поскольку он обеспечивает широкую защиту текста в любом изображении или цвете.Более крупные компании с большим количеством ресурсов могут подавать заявки на все возможные варианты. Выберите тип чертежа, который соответствует вашим потребностям и ресурсам.

Образцы в качестве доказательства использования товарного знака

Вы должны предоставить образец для регистрации своего товарного знака с основанием для подачи заявки на использование в коммерческих целях. Образец показывает, как вы на самом деле используете свой товарный знак в торговле с товарами или услугами, которые вы указали в своем заявлении. Это доказательство того, что потребители видят на рынке.

Например, для регистрации вашего товарного знака для товаров вашим образцом может быть фотография с изображением вашего товарного знака на этикетке или бирке, прикрепленной к вашим товарам.Это также может быть фотография вашего товарного знака на упаковке вашего товара или на самом товаре. Клиенты должны напрямую связывать ваш товарный знак с вашими товарами.

Для регистрации вашего товарного знака для услуг вашим образцом может быть фотография рекламы или брошюры, на которой изображен ваш товарный знак, используемый для этих услуг. Вы также можете предоставить снимок экрана своего веб-сайта, если ваш товарный знак появляется на веб-сайте, рекламируя или предоставляя ваши услуги. Если вы используете снимок экрана веб-сайта, вы должны указать URL-адрес и дату посещения веб-сайта.Клиенты должны напрямую связывать ваш товарный знак с вашими услугами.

Помните, рисунок и образец — разные вещи. Узнайте, что требуется для получения приемлемого образца.

ОТКАЗ ОТ ОТВЕТСТВЕННОСТИ: Ссылки на определенные товарные знаки, знаки обслуживания, сертификационные знаки, продукты, услуги, компании или организации, представленные на этой странице, предназначены только для иллюстративных и образовательных целей и не представляют собой и не подразумевают одобрение со стороны правительства США, Департамента США Торговля, U.S. Бюро по патентам и товарным знакам или любое другое федеральное агентство.

Как рисовать стилизованные буквы

Рисование букв в собственном стиле

Несколько недель назад мы посмотрели на буквы чертежа. Сегодняшний урок — это следующий шаг к тому, чтобы научиться рисовать буквы в собственном стиле. Техники, которые вы изучите сегодня, можно применить к буквам любого стиля, которые вы хотите нарисовать.

Это то, что поможет вам в вашем путешествии по рисованию надписей в стиле граффити или просто чего-то более яркого, чем ваш средний стиль надписи.

Давайте начнем с рассмотрения художественных принадлежностей, использованных в этом уроке рисования.

* Некоторые ссылки в этом сообщении могут быть партнерскими. Это означает, что я получаю небольшие комиссионные за покупки, сделанные по этим ссылкам, без каких-либо дополнительных затрат для вас.

Товары для творчества

Бумага или альбом для рисования

Карандаш

Ластик

Черный контурный карандаш

Графитовые ручки Derwent

Ручки для рисования Posca

БЕСПЛАТНЫЙ гайд по граффити скачать внизу сообщения

С засечками и без засечек

Давайте начнем с двух основных типов типографики.Они бывают с засечками и без засечек. Засечка — это дополнительный штрих в конце основного буквенного штриха. Его основная цель — украшение. Узнайте больше о типографике на странице Serif vs. Sans Serif.

Когда мы научимся рисовать стилизованные буквы, мы будем работать как с шрифтами с засечками, так и с шрифтами с засечками. При рисовании вам нужно будет решить, какой из способов вам больше нравится.

SerifSans Serif

Выбор слова

Первое, что вам нужно сделать, это выбрать слово или имя, которое вы хотите нарисовать.Что бы вы ни решили нарисовать, это должно иметь для вас какое-то значение. Поскольку мы использовали ИСКУССТВО при рисовании печатных букв, сегодня мы снова будем использовать это слово. Что может быть лучше словесного искусства, чем слово ART, верно?

Как рисовать буквы на свой вкус

Давайте начнем с практических писем. Я собираюсь начать с рисования буквы А. Сначала вы можете поработать над любой буквой, которую захотите, выбор за вами. Цель состоит в том, чтобы поиграть с буквами, чтобы они выглядели интереснее.

Сегодня я использую белый картон для рисования. Эта бумага очень хорошо подходит для маркеров.

Используйте ту же технику, что описана в уроке «Как рисовать печатные буквы». За исключением этого раза, добавьте немного стиля вашим буквам. Хороший способ сделать это — добавить засечки на концах букв. Еще один способ добавить стиля — изогнуть линию.

И не рисуйте линии симметрично. Если сделать буквы неровными, это добавит им стиля.

Увеличение толщины стилизованных букв

Опять же, следуйте той же технике, которую мы использовали в уроке по написанию букв, чтобы добавить немного толщины вашим буквам.

Однако на этот раз у вас должно получиться несколько перекрывающихся линий. Мы очистим их позже, поэтому не стоит об этом беспокоиться.

Продолжайте практиковать свои стилизованные буквы

Продолжайте упражняться в письме, пока не нарисуете тот, который вам действительно нравится. Чем больше вариантов вы нарисуете, тем лучше. По мере того, как вы продолжите рисовать больше, вы начнете более творчески подходить к своему стилю.

Это то, что мы хотим, и цель состоит в том, чтобы нарисовать одну и ту же букву несколько раз.Испытайте себя, чтобы увидеть, сколько разных стилей одной и той же буквы вы можете придумать.

Рисование букв

После того, как вы нарисуете стиль, который вам нравится и который вы хотите использовать в своей окончательной работе, нарисуйте другие буквы вашего слова в том же стиле.

Используйте ту же технику, которую мы использовали для этого. Не пытайтесь сокращать путь. Не торопитесь и вытащите их. Если требуется несколько попыток, чтобы сделать это правильно, не беспокойтесь об этом. Больше практики всегда пойдет вам на пользу.

Рисование слов со стилем

Теперь пришло время собрать все воедино и нарисовать окончательное произведение искусства со словом, которое вы выбрали для рисования.

Как упоминалось ранее, для этой демонстрации я буду использовать слово ART.

Нарисуйте свое слово в том стиле, который вы придумали из своего практического рисования. Держите письма близко друг к другу. Это позволит некоторым частям ваших букв перекрываться.

Продолжайте работать над буквами, используя ту же технику, что и при выполнении тренировочных рисунков.Выделите области вокруг руководящих указаний, чтобы придать буквам некоторую толщину.

Изменение ширины букв сделает их более интересными. Но будьте последовательны в том, как вы рисуете каждую из букв, чтобы они выглядели одинаково по сравнению друг с другом.

Очистка линий

Я подхожу к очистке строк, когда вхожу и стираю сначала все исходные правила письма.После этого вам нужно принять некоторые решения.

Вам нужно решить, какие строки оставить, а от каких избавиться. Ваши буквы будут перекрываться? И если они это сделают, то какие из них вы хотите разместить за другими буквами?

Мы узнали об этом в статье «Как рисовать буквы в стиле граффити для начинающих». Если вы не уверены, о чем я говорю, вернитесь и повторите этот урок.

На этот раз я нарисовал свой пример немного по-другому, и буквы были соединены, а не накладывались друг на друга.

То, как вы рисуете буквы, зависит от вашего собственного художественного стиля. Здесь действительно нет правильного или неправильного.

Рисование ваших стилизованных букв

После того, как вы довольны тем, как выглядит ваш рисунок, пора нарисовать контур. Мне нравятся толстые черные линии для надписей. Но вам может понравиться что-то другое. И это нормально. Вы всегда должны позволять вашему личному художественному стилю проявляться в вашей работе. Я почти всегда использую перо Pitt Artist Pen для рисования всех своих работ.

Раскраска Стилизованные буквы

А теперь самое интересное. Пришло время оживить ваш рисунок и по-настоящему выделить его. Прежде чем выбирать цвета, следует определиться с какой-то цветовой схемой.

Для моего рисунка я выбрал синий цвет букв и серый цвет фона.

Вам также необходимо выбрать носитель для вашего рисунка. Я люблю использовать маркеры Bic Intensity в своей работе. Они прекрасно выглядят и по разумной цене.

Вы можете прочитать мой полный обзор на Bic Intensity Marker Review — Fine Point.

Как видите, внизу букв я нарисовал городской пейзаж, который я залил темно-синим цветом. А затем смешал топы с более светлыми оттенками синего. Я использовал следующие цвета: Oceanview Blue , Blue Skies Blue и Deep Sea Blue .

Я также сделал несколько подтеков с нижнего края моей надписи.

Если вам нужна помощь в смешивании маркеров, посмотрите, как смешивать маркеры для начинающих.

Рисование фона

Теперь осталось только нарисовать какой-то фон для ваших стилизованных букв. Кирпичные стены довольно часто используются для набросков типа граффити, поэтому я сделал это для этого примера. У нас есть руководство по рисованию кирпичных стен здесь, Как рисовать кирпичные стены.

Я хотел, чтобы буквы выделялись на моем фоне, поэтому я использовал серые карандаши Prismacolor для кирпичей, потому что они мягче маркеров.

Чтобы нарисовать детали моих кирпичей, я использовал графитовые ручки Derwent.Я получил этот набор ручек вместе с январской поставкой Sketchbox, и с тех пор я искал проект, в котором можно было бы их использовать. Они отлично подошли для рисования на стене.

Ручки

Posca использовались для добавления белых бликов к буквам и для контура городского пейзажа и окон. Вот и все, мои стилизованные буквы готовы. Осталось только добавить подпись и дату.

Как рисовать стилизованные буквы

Спасибо, что заглянули сегодня и научились рисовать буквы в своем собственном стиле.Надеемся, вам понравился этот урок. И не забудьте остановиться и поделиться с нами своими работами. Нам бы очень хотелось это увидеть. До скорого.

Не забудьте прихватить граффити Халява!

Публикации, связанные с буквами чертежей

Рошанда — блогер по художественному образованию, цель которой — обучать и поощрять как можно больше начинающих художников с помощью своего блога. Узнайте больше о ней на странице «Обо мне» и свяжитесь с ней в Facebook, Twitter и Instagram.

Как рисовать картинки: Стиль. Вычислительные модели… | автор: Аарон Хертцманн

Вычислительные модели репрезентативного искусства, часть 3

В двух предыдущих сообщениях блога я описал простые модели для рисования. Пока эти рисунки были относительно простыми. Но мы можем расширить базовые методы, чтобы получить действительно широкий и выразительный диапазон стилей художественной визуализации.

Как уже было показано, мы можем использовать разные стили обводки контуров, включая рисование текстур кисти, а также изменение формы контуров.Мы даже можем их оживить. Вот пример применения различных видов штрихов к анимации 3D-моделей:

Анимированные 3D-модели с разными стилями штрихов (переходите к 4:15 в видео).

Конечно, мы можем рисовать внутри фигур. Самым популярным и известным алгоритмом нефотореалистичного затенения является toon shading , который широко используется в играх и анимации:

Toon shading в классической видеоигре Jet Set Radio. Во многих играх и анимациях используется toon shading, чтобы придать вид традиционной анимации cel.

Но есть много других способов рисовать объекты. Например, штриховка широко используется в иллюстрациях карандашом и пером. Вот результаты алгоритма, который мы разработали для рисования иллюстраций штриховки:

3D штриховки, автоматически сгенерированной из 3D модели слева.

Чтобы заштриховать поверхность, нам нужно определить направления штриховки, а также их плотность. На приведенном выше рисунке плотность основана на затенении: более темные области заштрихованы. Чтобы определить направления, мы замечаем, глядя на реальные рисунки, что люди часто рисуют линии вдоль направлений, в которых поверхность изгибается больше всего и меньше всего (формально они называются основными направлениями кривизны ) .Психологи восприятия также обнаружили, что люди склонны воспринимать линии штриховки как направления кривизны.

Мы также можем позволить пользователю создавать стиль рендеринга. Вот метод анимации, который применяет подход аналогий изображений к 3D-анимации:

Есть много других способов рисования объектов, будь то акварель или масло; более или менее «импрессионистский» и т. д.

Большинство компьютерной анимации и игр, основанных на этих методах, по сути, создают новые визуальные художественные стили, объединяя обычные рисования линий и рисование с помощью алгоритмов компьютерной графики.Примером может служить прекрасная анимация Paperman, которая сочетает в себе отслеживание контуров и штриховку мультяшек, за счет огромного количества авторских разработок и творчества профессиональных аниматоров:

Все эти стили визуализации до сих пор все еще относительно «жесткие»: они тщательно прорисовывают каждый линия именно там, где должна быть линейная перспективная проекция. Однако художники рисуют разными способами, используя обычную линейную перспективу или игнорируя все это вместе. Даже в кажущихся реалистичными изображениях художники часто манипулируют перспективой, чтобы улучшить изображения и улучшить портреты.Кроме того, они иногда играют с перспективой, чтобы преувеличить эффект. Вот картина Джорджо де Кирико 1914 года, в которой используются различные точки зрения, чтобы создать ощущение диссонанса и меланхолии, и вдохновленный ею трехмерный рендеринг:

Слева: картина Джорджо де Кирико 1914 года. Справа: 3D-рендеринг Маниша Агравала и др.

В 3D-рендеринге справа используются разные проекции камеры для трех отдельных объектов, что нарушает обычную линейную перспективу.

Многие другие элементы рисования и рендеринга зависят от их внешнего вида на изображении.Например, этот метод рендеринга в стиле доктора Сьюза адаптирует плотность элементов изображения к пространству изображения и гарантирует, что они всегда обращены лицом к зрителю:

Рендеринг в стиле доктора Сьюза (справа) на основе трехмерной модели слева Ковальски и др.

Вот видео этой системы в действии (хотя и с низким разрешением и с артефактами передачи видео).

Основной мотивацией этого исследования было создание новых инструментов для художников. Однако алгоритмы, которые я описал в этих сообщениях в блоге, также обеспечивают генеративную теорию изобразительного искусства.Чем больше разных стилей они могут создать, начиная с относительно небольшого набора концепций, таких как контуры, стили обводки и стили затенения, тем больше они потенциально могут предоставить научное описание того, как мы рисуем и раскрашиваем. Кроме того, эти строительные блоки штрихов, затенения и графических стилей обеспечивают полезный способ категоризации и понимания художественного стиля.

Несмотря на все эти успехи, остается много открытых исследовательских проблем. Как мы программно определяем пространство стилей, а все еще необходимы важные новые технологии? Какие пользовательские интерфейсы мы можем использовать для создания стилей? Можем ли мы совместить эти методы с машинным обучением и передачей стилей?

Более подробное обсуждение того, как эти модели могут помочь в создании науки об искусстве, см. В моей статье NPAR 2004 года, а также о том, как они могут помочь нам классифицировать и определять стиль, см.