Готический портрет – Портрет Средневековья — Википедия

Содержание

Готический стиль в живописи: история художники картины

Средневековье – время крестовых походов, доминирования религии над светской жизнью, переломный период в развитии европейских стран. На фоне политических и военных преобразований сформировался узнаваемый, яркий стиль – готика, оказавший влияние на развитие живописи, архитектуры, музыки, скульптуры.

Зарождение и развитие стиля

Периодом формирования стиля стало развитое Средневековье, XII века в странах Западной Европы, в XIII – XVI веках — в Центральной Европе. Грандиозность стиля граничит с устрашением, которое способны вызывать работы живописцев и архитекторов этого периода.

Готическая живопись отличается специфической композицией, обилием цветов и оттенков, динамичностью изображения, напряженностью сюжета. В рамках изучения творений живописцев стоит рассмотреть книжную миниатюру, как репрезентативное направлении в искусстве.

Родиной стиля является Франция, где в XII веке. Оттуда готика распространилась в Германию, Испанию, Англию, Австрию. В следующем столетии готические влияния стали заметны в Италии, где сформировалось местное самобытное ответвление стиля. В период раннего нового времени стиль оформился в интернациональный формат. Дольше всего влияния готики были заметны в странах Восточной Европы.
Готика в живописи в Средние века появилась в искусстве создавать витражи.

Особенности стиля на раннем этапе развития

Готика сменила романский стиль – сложно не заметить принципиальные различия этих направлений искусства. В искусстве готика ассоциируется с величием, грандиозностью, особой декоративностью.
Особенность готической живописи – наличие значительного разнообразия в региональном развитии стиля. Определить единую «формулу», по которой можно дать четкую характеристику направлению искусства, невозможно. В результате исследований многих искусствоведов, готическому стилю на всей территории распространения свойственны такие черты:

  • Особое построение композиции, иллюзия материальности изображения, созданная мастерами средневековья.
  • На полотне преимущественно соседствуют различные группы лиц – их взаимодействие декоративно, лишено естественности.
  • Готика не полностью отошла от романского влияния передавать через личность изображенного человека определенный скрытый символический смысл.
  • Изображения на картинах не выглядят целостными, композиция расчлененная, каждый элемент необходимо рассматривать отдельно.
  • Картины передают реальность через метафоры.
  • Экспрессия, передаваемая через оттенки и динамику сюжета.
  • Схематичность отображения действия.
  • Религиозность, доминирование библейских и мистических сюжетов.

Наиболее ярким жанром считается портрет.

Развитие искусства книжной миниатюры

Оформление книг в Средние века трудно не узнать. Книжная миниатюра достигла высокого уровня развития, отображая религиозные, светские сюжеты при помощи ярких красок в узнаваемом, готическом стиле:

  1. В миниатюрах отображалась взаимосвязь реального и мистического, переплетение светского и религиозного.
  2. Иллюстрации характеризуются многоплановостью, плоской передачей динамического сюжета.
  3. Особое внимание уделяют деталям: узорам, иллюстрации бытовых сцен, эмоциональности передачи атмосферы изображения, птицам, бабочкам, зверям.
  4. Техника исполнения миниатюр позволяет передать движение – сцены, отображенные в книге, не статичны.
  5. Для исполнения миниатюры художники выбирали яркие краски.

Миниатюра зародилась во Франции в XIII веке, наиболее известным творцом был Жан Пюссель. Благодаря развитию миниатюры в искусстве, сформировалась узнаваемая парижская школа миниатюры.

В период развитого Средневековья стало принято украшать миниатюрами не только художественные и религиозные книги, но и научные трактаты, хроники. Узоры стали более филигранные, ажурные, угловатые. Миниатюра стала более осмысленной, точнее передавала суть события, которое отображено художником.
Примером наиболее удачной передачи суть явлений и событий при помощи миниатюры является «Большая французская хроника».

Интернациональная готика

На последних этапах развития стиля в период развитого средневековья появилось интернациональное направление. Родина – Богемия, Северная Италия, Бургундия. Именно с этим направлением связывают искусство периода «заката Средних веков» или «осени Средневековья».

Отличительными чертами являлась декоративность, пышность, обилие насыщенных красок. Это наиболее вычурная готика, характеризующаяся экзальтированностью, утонченностью, особой экспрессией.

Термин «интернациональная готика» предложили только в конце XIX века искусствоведы Юлиус Шлоссер и Луи Куражо. А использовать его для обозначения поздней готики начали только во второй половине XX века. До этого времени направление называли «поздней готикой», «придворной готикой», «особенной готикой», если речь идет о живописи Германии, «мягкий стиль», «космополитическое искусство». С XX века «поздней» начали называть полотна, созданные до 1430 года, остальные перешли в разряд «интернациональной».

Узнать картины в этом направлении просто:

  • Отсутствие изображения фона и пренебрежение пространством. Фон, преимущественно, золотой;
  • Графичность изображения;
  • Гротескность;
  • Плоское изображение, лишенное перспективы;
  • Отсутствие дополнительных предметов, которые обычно сопровождают изображенных людей;
  • Внимание облачению людей;
  • Эмоциональность в изображении лиц.

Развивался стиль при дворе монархов крупных европейских стран. Готическое искусство этого типа имела свои особенности в каждой стране, что должно бы позволять искусствоведам без труда понять, к какой стране принадлежит конкретное полотно. Но это не так. По причине активного культурного обмена и сети династических браков, из-за которых культурные особенности растекались по всему континенту, очень трудно точно установить, из какой страны был художник или где была написана картина, если отсутствует подпись автора.

Еще одна причина сложностей идентификации – работа художников на заказ. По этой причине француз мог писать полотна для итальянского, испанского двора, его работы могли быть подарены, а из-за этого образовывалась еще большая культурная путаница.

Тематикой ранних произведений в готическом стиле была религия, библейские сюжеты. Интернациональное направление отходит от этой готической догмы. Период развитого Средневековья характеризуется появлением работ на светскую тематику – их заказывают представители дворянства для декорирования интерьера.

Не смотря на появление светской тематики, базовыми остаются алтарные сюжеты и религиозные образы. Интернациональная готическая живопись схожа с иконописью – особенно, наличием золотого фона, прописями золотом.

Для оформления картин использовали вычурные рамы, иногда полотно составляло несколько створок. В качестве полотен для картин использовали деревянные дощечки.

Известные мастера готики

Дуччо из Сиены

Создатель алтаря «Маэста» в Сиенском соборе с изящными панелями, украшенными изображениями на религиозную тематику. В его манере творчества отслеживаются византийские влияния.

Джотто

Мастер создания настенных росписей. Наиболее яркая работа – роспись в церкви Капелла-дель-Арена. Стиль Джотто практически не имеет влияний – это чистая готика, наполненная динамикой.

Симоне Мартини

Один из наиболее ярких творцов Флоренции. Работа «Путь на Голгофу» отличается яркостью красок, наполненностью динамикой.

Траини

Создатель известной фрески на крытом кладбище рядом с Пизанским собором.

Микелино да Безоццо

Известный живописец и создатель миниатюр в стиле интернациональной готики.

Жан Фуке

Французский портретист.

Ангерран Картон

Один из художников авиньонской школы живописи.

Значение для развития мирового искусства


Готика стала логичным этапом в развитии живописи. Картины легко узнать, благодаря ярким, выразительным особенностям. Произведения мастеров живописи осмыслены, повествовательны, наполнены динамикой и действиями. Мастерам этого стиля удалось объединить реалистичность и мистицизмом, светскость и религиозность.

Период развитой или «придворной» готики стал вратами Ренессанса. Особенно, влияние помпезной, вычурной, роскошной готики заметно в работах художников Северного Возрождения.
Благодаря полотнам в готическом стиле, искусствоведы и историки могут понять психологию и мировоззрение человека периода Средних веков.

Рекомендуем публикации

  1. История кубизма в живописи
  2. Особенности гиперреализма как стиля в живописи
  3. История живописи эпохи барокко
  4. История и развитие романтизма в живописи
  5. Конструктивизм как направление авангарда
  6. Маньеризм как стиль в живописи

Загрузка…

artrecept.com

Готика в живописи

Ключевым направлением искусства Средневековья была готика.

Она охватывала культуру, развивавшуюся в большинстве регионов Западной, Центральной, а также Восточной Европы.

Возникла готика в Северном регионе Франции в 12 в., а уже в следующем столетии она появилась в Англии и Германии, а затем в Австрии, Чехии и Испании. Позднее готический стиль достиг Италии. После интенсивной трансформации образовалась «итальянская готика», а в завершении 14 века — интернациональная. Восточноевропейские художники с готическим направлением познакомились позднее, на их родине оно продержалось немного дольше – почти до 16 столетия.

В период Возрождения этим определением уничижительно обозначали все художество Средневековья, признанное «варварским». Но вначале 19 в. для мастерства 10-12 вв. употребили понятие романского стиля и, соответственно, ограничили хронологические рамки готического стиля. В нем выделились фазы: ранний период, зрелый и поздний.

В европейских странах правила католическая церковь, поэтому идеология готики сохраняла феодально-церковные устои. По назначению готика была в основном культовой и тематически религиозной. Ее сравнивали с вечностью и «высшими» силами.

Она характеризовалась символико-аллегорическим образом мышления и условным изобразительным языком.

Этот стиль сменил романский, а в дальнейшем полностью вытеснил его. Понятие данного направления обычно применяют к архитектурным объектам. Также оно охватило живопись, орнамент, книжную миниатюру, скульптуру и прочее.

Стоит отметить, что его зарождение в архитектуре, в особенности именитых соборов, совпадало с триумфальной эпохой романской живописи, а именно фресковой.

Со временем ключевую роль в декоре храмов взяли на себя иные виды декоративного искусства, в результате чего живопись оттеснилась на другой план. Замена в зданиях соборов времен готики сплошных стен большими окнами послужила причиной полного исчезновения жанра монументальной росписи, занимавшей особое место в романском стиле. Фреску сменил витраж – уникальная разновидность живописи, в которой картины составляются из кусочков расписных стекол, скрепленных тонкими свинцовыми полосками и обрамленных арматурой из железа.

Художники готического искусства

Братья Лимбург, Джентиле да Фабриано

Готические черты в художестве появились на несколько десятков лет позже возникновения таковых в образцах архитектуры. Отметим, что во Франции и Англии произошел переход от романского направления к готическому в 1200-ом г., в Германии – в 1220-ых, а в Италии – примерно в 1300-ом.

Особенностью готического художества являются вытянутые фигуры.

Живопись подчинялась жестким канонам. Мастера кисти на своих картинах изображали трехмерность пространства довольно редко. Такая перспектива была случайной и весьма сомнительной.

На исходе 14 столетия в искусстве появилось стремление к элегантному и утонченному письму, а также возник интерес к сюжетам реальной жизни. Постоянными элементами в живописи стали мельчайшие детали растительного и животного мира.

Появилась интернациональная готика – это направление позднего периода Средневековья, который объединил живопись многих стран.

Во Франции 13-14 веков расцвело искусство книжной миниатюры. В ней проявлялось светское начало. Так, к примеру, светская литература расширила спектр иллюстрированных рукописей. Стали создавать богато расписанные псалтыри и часословы для домашнего пользования.

Рукопись готических времен изменила внешний вид страниц. Так, иллюстрация наполнилась звучными по чистоте цветами, включила реалистические элементы, совместила растительную орнаментику, библейские и бытовые сцены. Характерной чертой рукописей 13 века был бордюр, обрамляющий поле страницы.

Художники помещали на страницы завитки орнамента, украшающего поля, линии, обрамляющие маленькие фигурки, и комические либо жанровые сцены. Содержание рукописей не всегда имело с ними связь. Это были фантазии миниатюристов. Назывались они «дролери»– то есть забавы. В миниатюрах поздней готики с особой непосредственностью выражались тенденции реализма, были проделаны первые успехи в передаче бытовых картин и пейзажей. Вскоре художники устремились к достоверному и подробному изображению натуры.

Наиболее известными представителями книжной миниатюры эпохи готики стали братья Лимбурги.

Christ in Glory, Братья Лимбург
Miniature of the Earl of Westmorland with His Twelve Children, Братья Лимбург
The Madonna and the Child, Братья Лимбург

Готическая живопись являлась главным звеном в культурном процессе; работам этого стиля, наполненным одухотворенностью и величием, присуще неповторимое, своеобразное эстетическое обаяние.

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Готика в живописи

5 (100%) 2 голос(ов)


allpainters.ru

Создаём готический портрет в Фотошоп / Фотошоп-мастер

В этом уроке я покажу вам, как создать готический портрет в программе Adobe Photoshop.

Вначале урока мы добавим текстуру, чтобы создать задний фон, затем добавим изображение модели и проведём небольшую ретушь. Далее, мы добавим картинную раму, ветви и розы и совместим все эти элементы с помощью корректирующих слоёв, работы с маской и кистями. Мы создадим эффект стекающей крови, а также добавим несколько мазков кистью. После этого, мы усилим тёмную дьявольскую атмосферу с помощью кистей Паутина. В заключение, мы используем несколько корректирующих слоёв для завершения итогового результата.

Итоговый результат:

Скачать архив с материалами к уроку

Примечание: Автор использовал платные изображения. В архиве вы найдёте альтернативные материалы для выполнения урока.

1. Создаём Тёмную Атмосферу

Шаг 1

Создайте новый документ 2000 рх х 2000 рх в программе Photoshop. Установите настройки, которые указаны на скриншоте ниже.

Шаг 2

Откройте исходное изображение с текстурой в программе Photoshop. С помощью инструмента Перемещение (Move Tool (V)), переместите данное изображение на наш рабочий документ.

Шаг 3

Добавьте корректирующий слой Цветовой Баланс (Color Balance). Идём Слой — Новый корректирующий слой – Цветовой Баланс (Layer > New Adjustment Layer > Color Balance). Примените настройки для Средних тонов (Midtones):

Шаг 4

Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves), чтобы затемнить задний фон.

Потяните кривую вниз, чтобы значительно уменьшить яркость текстуры.

2. Добавляем Модель

Шаг 1

Откройте исходное изображение с моделью в программе Photoshop. С помощью инструмента Быстрое выделение (Quick Selection Tool (W)), отделите изображение модели от заднего фона. Переместите выделенное изображение модели на наш рабочий документ, расположив в центре тёмной сцены. 

Шаг 2

Щёлкните по второму значку в нижней части панели слоёв, чтобы добавить слой-маску к слою с моделью. С помощью мягкой чёрной кисти, удалите плечи, а также верхнюю часть причёски на голове модели.

Шаг 3

Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves) в качестве обтравочной маски к слою с моделью, чтобы немного затемнить среднюю часть лица. Далее, перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти ослабьте эффект кривых на щеках модели, таким образом, эти участки не будут затенены после этого шага.

Шаг 4

Чтобы усилить дьявольский взгляд модели, создайте новый слой (не преобразовывайте данный слой в обтравочную маску), а затем с помощью кисти средней мягкости, цвет кисти #9d0909, прокрасьте глаза модели.

Шаг 5

Добавьте корректирующий слой Уровни (Levels) в качестве обтравочной маски к слою с красными глазами, чтобы затемнить отдельные участки глаз. Далее, перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти прокрасьте оба глаза по краям зрачков, сохранив затенение только в области зрачков.

Шаг 8

Создайте новый слой и с помощью жёсткой кисти, размер кисти (2-3 px), цвет кисти #d9dce1, добавьте светлые блики на верхние участки зрачков.

3. Добавляем Раму

Шаг 1

Откройте исходное изображение с рамой. Т.к. изображение рамы находится на прозрачном слое, то с помощью инструмента Перемещение (Move Tool), просто переместите данное изображение на наш рабочий документ, расположив за изображением модели. Расположите слой с картинной рамой ниже корректирующего слоя Цветовой Баланс (Color Balance), который мы создали в Шаге 3, Параграфа 1.

Шаг 2

К слою с картинной рамой, добавьте слой-маску и с помощью чёрной кисти скройте правую половину рамы.

Шаг 3

Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves), чтобы рама стала немного светлее:

Примечание переводчика: не забудьте преобразовать корректирующий слой в этом и следующих шагах в обтравочные маски к слою с рамой.

Шаг 4

Добавьте корректирующий слой Цветовой тон / Насыщенность (Hue/Saturation). Уменьшите значение Насыщенности (Saturation) до минимального значения (-100):

Шаг 5

Добавьте корректирующий слой Цветовой Баланс (Color Balance). Усильте синие оттенки для Средних тонов (Midtones) до 16:

4. Добавляем Ветви

Шаг 1

Откройте исходное изображение с деревом. Отделите изображение дерева от заднего фона с помощью инструмента Волшебная палочка (Magic Wand Tool (W)). Теперь выделите фрагмент ветви с помощью инструмента Лассо (Lasso Tool (L)). Переместите выделенный фрагмент ветви на наш рабочий документ, расположив справа от модели (со стороны, где нет рамы). Расположите данный слой с веткой ниже слоя с моделью (поверх корректирующих слоёв Цветовой Баланс (Color Balance) и Кривые (Curves), которые были созданы в Параграфе 1).

Шаг 2

Добавьте ещё одно изображение ветви на наш рабочий документ. С помощью инструмента Свободная трансформация (Free Transform Tool (Ctrl+T)) в режиме Деформация (Warp), деформируйте ветку таким образом, чтобы она повторяла линию формы головы.

Шаг 3

Добавьте ещё ветви к нашей сцене, использую ту же самую технику. 

Шаг 4

Выделите все слои ветвями, а затем нажмите клавиши (Ctrl+G), чтобы сгруппировать их в одну группу. Поменяйте режим наложения для слоя с группой на Нормальный (Normal), непрозрачность слоя 100%. Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves), чтобы затемнить ветви. Далее, перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью чёрной кисти прокрасьте среднюю область ветвей, чтобы восстановить оригинальное освещение в этой части ветвей.

5. Добавляем Розы

Шаг 1

Откройте исходное изображение с розами. Отделите розы от заднего фона, а затем переместите выделенное изображение роз на наш рабочий документ, расположив рядом со щекой модели.

К слою с розой, добавьте слой-маску, чтобы скрыть часть роз, которые закрывают лицо модели:

Шаг 2

Продублируйте слой с розами несколько раз, а затем расположите дубликаты слоёв с розами вокруг изображения модели. Вам необходимо варьировать направление и размер роз, не забывайте использовать слой-маску, чтобы они не выглядели одинаково.

Шаг 3

Сгруппируйте все слои с розами в одну группу, а затем добавьте корректирующий слой Цветовой тон / Насыщенность (Hue/Saturation), чтобы обесцветить изображений роз.

Шаг 4

Добавьте корректирующий слой Цветовой Баланс (Color Balance). Поменяйте настройки для Средних тонов (Midtones):

Шаг 5

Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves), чтобы значительно затемнить розы. Далее, перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти прокрасьте в центре роз, таким образом, скрыв эффект затенения.

Шаг 6

Откройте второе исходное изображение с розой 2. Отделите розу от заднего фона, а затем переместите выделенное изображение розы на наш рабочий документ, расположив её на ветви. После этого, продублируйте слой с розой. Уменьшите масштаб дубликата слоя с розой, расположив маленькую розочку рядом с первой розой. 

Отразите маленькую розочку по горизонтали, для этого идём Редактирование – Трансформация – Отразить по горизонтали (Edit > Transform > Flip Horizontal):

Шаг 7

Сгруппируйте обе розочки в одну группу. Добавьте корректирующий слой Цветовой тон / Насыщенность (Hue/Saturation). Уменьшите значение Насыщенности (Saturation) до минимального значения (-100):

Шаг 8

Добавьте корректирующий слой Цветовой Баланс (Color Balance). Поменяйте настройки для Средних тонов (Midtones):

Шаг 9

Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves), чтобы розы стали темнее. Далее, перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти ослабьте эффект затемнения в центре розочек точно так же, как мы проделывали с другими объектами.

6. Добавляем Эффект стекающей Крови

Шаг 1

Создайте новый слой поверх всех остальных слоёв. Установите цвет переднего плана на тёмно-красный оттенок (#810707). С помощью различных кистей Мазки краски, прокрасьте губы модели, а также розы, расположенные в нижней части сцены слева и справа. Поменяйте режим наложения для данного слоя с фрагментами крови на Перекрытие (Overlay), непрозрачность 100%.

Шаг 2

Откройте исходное изображение с текстурой крови. Отделите изображение крови от заднего фона с помощью инструмента Волшебная палочка (Magic Wand Tool). Расположите фрагмент крови на лице модели. К слою с изображением крови, добавьте слой-маску и с помощью мягкой чёрной кисти скройте фрагменты крови поверх лица модели, а также смягчите эффект крови в нижней части сцены.

Шаг 3

Добавьте отдельные фрагменты крови на глаза модели, а также на розы.

Вы можете увидеть результат после скрытия лишних участков крови на слой-маске:

Шаг 4

Сгруппируйте все слои с фрагментами крови в одну группу. Поменяйте режим наложения для слоя с группой на Линейный Затемнитель (Linear Burn), непрозрачность 100%.

Шаг 5

Добавьте корректирующий слой Цветовой тон / Насыщенность (Hue/Saturation). Уменьшите значение Насыщенности (Saturation) до -100. Далее, перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти с низкой непрозрачностью (30-35%), восстановите красный тон на отдельных участках крови, чтобы сделать эффект крови более реалистичным, а также чтобы эффект не выглядел плоским.

7. Добавляем Паутину

Шаг 1

Создайте несколько слоёв поверх всех остальных слоёв. Установите цвет переднего плана на белый цвет. Выберите кисти Паутины, уменьшите непрозрачность (opacity) кисти до 50%. Используйте различные кисти (не стесняйтесь использовать свои любимые кисти), чтобы нарисовать паутину на розах, на голове модели, на ветвях справа и на щеке слева. С помощью инструмента свободной трансформации (Ctrl+T) в режиме Деформация (Warp), деформируйте паутину справа, соблюдая контур линии ветви.

Шаг 2

К слою с паутиной слева, добавьте слой-маску и с помощью чёрной кисти скройте часть паутины, которая видна за пределами рамы.

8. Заключительная Коррекция

Шаг 1

Добавьте корректирующий слой Карта градиента (Gradient Map) поверх всех остальных слоёв. Установите следующие цвета градиента #e10019 и #00601b. Уменьшите Непрозрачность (opacity) данного корректирующего слоя до 20%.

Шаг 2

Добавьте корректирующий слой Цветовой Баланс (Color Balance). Поменяйте настройки для Средних тонов (Midtones) и Светлых бликов (Highlights):

Шаг 3

Добавьте корректирующий слой Фото фильтр (Photo Filter). Установите следующий цветовой оттенок для данного фильтра #000bec:

Шаг 4

Добавьте корректирующий слой Кривые (Curves), чтобы немного усилить светлые блики. Перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти, прокрасьте поверх изображение модели, т.к. нам нужно, чтобы эффект был виден только на краях. 

Шаг 5

Добавьте корректирующий слой Уровни (Levels), чтобы усилить средние тона. Перейдите на маску данного корректирующего слоя и с помощью мягкой чёрной кисти, прокрасьте поверх выделенных краёв и участков затенения вокруг модели, чтобы скрыть коррекцию уровней.

Поздравляю! Мы завершили урок!

Надеюсь, что вам понравился данный урок, и вы узнали что-то новое для себя. Спасибо, что посетили урок, желаю приятно провести время за выполнением этого урока!

Итоговый результат:

Автор: Jenny Le

photoshop-master.ru

Картины современных художников: Готика — стиль в живописи.


Готика — период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Хотя термин «готический стиль» чаще всего применяется к архитектурным сооружениям, готика охватывала также скульптуру, живопись, книжную миниатюру, костюм,орнамент.

Готика зародилась в середине XII века на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI века.

Разнообразие стилей и мотивов живописи в эпоху готики, осложнявшееся стилистическими различиями между отдельными регионами, не позволяет нам дать готовую ‘формулу’, которая определила бы, что такое готическая живопись. Впрочем, многих исследователей это разнообразие не пугает: несмотря на все затруднения, они все же пытались сформулировать ясные принципы интерпретации готической живописи и ее основные характеристики. Чтобы выработать формулировку такого рода, необходимо провести четкие границы, — в данном случае границу между искусством готики и искусством Ренессанса.


В классическом труде ‘Осень Средневековья’ (1919), посвященном рассматриваемому здесь периоду культурной истории Северной Европы, голландский историк Йохан Хёйзинга утверждает, что необходимо вернуться к первоначальному, исходному значению термина ‘Ренессанс’ (который, как и термин ‘Средневековье’, отнюдь не является обозначением конкретного исторического периода, имеющего четко выраженные начало и конец). Слютера и ван Эйка ни в коей мере нельзя определить как мастеров эпохи Ренессанса; творения их принадлежат Средневековью как по форме, так и по стилистике. Для Хёйзинги произведения ван Эйка и его последователей — это зрелые плоды духа Средневековья, неустанно стремившегося воплотить всякий образ в красках как можно более осязаемо и материально.

Выше отмечалось, что одним из способов обновления видения мира в живописи стало использование света для создания иллюзии материальности. Но традиционные истоки этого нового типа восприятия физической формы можно рассматривать и с точки зрения того, как размещаются различные предметы в композиции картины. Например, отдельным персонажам и группам фигур в росписи ‘Гентпского алтаря’ работы братьев ван Эйк выделены вполне определенные участки пространства, но взаимодействие между этими персонажами и группами выглядит скорее декоративным, нежели естественным.

Данная особенность была типична для всей североевропейской живописи 13 — 14 веков, равно как и для живописи итальянской, все еще не освободившейся от византийского влияния (вспомним, к примеру, работы Чимабуэ или Дуччо). Готическая живопись Северной Европы по-прежнему была склонна изолировать человеческую фигуру от ее окружения, так и не преодолев романской традиции, в рамках которой каждую фигуру и каждый предмет полагалось трактовать как некий символ.

Орнаментальная структура только подчеркивала эту расчлененность композиции на фрагменты, побуждая зрителя воспринимать элементы картины последовательно, один за другим. Живописное изображение как бы ориентировалось на вербальные метафоры: художник ‘переводил’ сюжет или текст непосредственно в изобразительное повествование. Эта же техника использовалась во многих циклах фресок эпохи треченто, по существу отличающихся от северофранцузских произведений только особенностями пространственной композиции, о которых мы уже говорили в связи с живописью треченто.


Уникальные ‘готические’ аспекты готической живописи, вероятно, можно объяснить самим фактом ее происхождения от романской или византийской традиции. Такие привычные нам термины, как ‘натурализм’, ‘консерватизм’ или ‘элегантность’, описывают лишь экспрессивные аспекты готического искусства и не могут использоваться как его определяющие характеристики. Развивая идеи Хёйзинги об истории живописи в период конца 13 — 15 веков, мы приходим к выводу, что готическая живопись достигла своей вершины в творчестве ранних нидерландских мастеров.

Однако нельзя сбрасывать со счетов и термин ‘ранний северный Ренессанс’, которым Генрих Клотц недавно обозначил творчество Яна ван Эйка и его последователей. Многие произведения сочетают в себе черты старого и нового, и провести четкую границу между тем и другим невозможно. Более того, язык истории искусства зачастую оказывается недостаточно гибким, особенно когда речь заходит о ситуациях пересечения двух культур во времени или в пространстве.

Цикл гравюр Альбрехта Дюрера ‘Апокалипсис’ 1498 года (работать над ним художник начал во время первого путешествия в Италию, 1494—1495) за счет своей повествовательности кажется почти средневековым — иными словами, готическим. Тем не менее отдельные сцены, предназначенные для последовательного восприятия, Дюрер расположил в едином пространстве, которым и определяется местоположение наблюдателя. По справедливому замечанию Дагоберта Фрея, ‘Апокалипсис’ Дюрера — это встреча Средневековья с Ренессансом.

Высокого расцвета достигает во Франции XIII-XIV вв. искусство книжной миниатюры, в которой проявляется светское начало.

В готической рукописи изменился вид страницы. В иллюстрации, звучные по чистым краскам, включаются реалистические детали, наряду с растительной орнаментикой — религиозные и бытовые сцены. Употребление остроугольного письма, полностью сформировавшегося к концу XII века, придало тексту вид ажурного узора, в который были вкраплены различные по виду и величине инициалы. Лист готической рукописи с рассыпаннымим сюжетными инициалами и малыми буквицами, имевшими орнаментальные ответвления в виде усиков, производил впечатление филиграни со вставками из драгоценных камней и эмалей.

В рукописях второй половины XIII века характерной чертой стал бордюр, обрамлявший поле листа. На завитках орнамента, вынесенного на поля, а также на горизонтальных линиях обрамления художники помещали небольшие фигурки и сцены назидательного, комического или жанрового характера. Они не всегда были связаны с содержанием рукописи, возникали как порождение фантазии миниатюриста и получили название «дролери» — забавы. Свободные от условностей иконографического канона, эти фигурки начали стремительно двигаться и оживлённо жестикулировать. Щедрой фантазией отличаются дролери в рукописях, дан оформлением которых работал парижский мастер Жан Пюссель (вт. чтв. XIV века). Прозведения художника выдают разумную ясность и тонкий вкус столичной школы.

В позднеготической книжной миниатюре с особенной непосредственностью выразились реалистические тенденции, были достигнуты первые успехи в изображении пейзажа и бытовых сцен. В миниатюрах «Богатейшего часослова герцога Беррийского» (ок. 1411−16), который оформляли братья Лимбурги, поэтично и достоверно изображены сцены светской жизни, крестьянского труда, пейзажи, предвосхитившие искусство Северного Возрождения.

Готическое искусство — важное звено в общем процессе культуры; произведения готики, полные одухотворенности, величия, обладают неповторимым эстетическим обаянием. Реалистические завоевания готики подготовляют переход к искусству эпохи Возрождения.

stiligivopis.blogspot.com

Готическая живопись

Готической живописью являются преимущественно работы, сделанные в 12-14 веках, а также некоторые живописные творения 15-16 веков. При характеристике этих работ говорят, что они вызывают средневековое «апокалипсическое» настроение. Расцвет готической живописи достигается в работах нидерландских живописцев, в частности Р. Ван дер Вейдена, который на самом деле перенял многие принципы работы у Ван Эйка, который был представителем реалистической живописи.

Другим ярким представителем готики является Р. Кампен – фламандский живописец, который иллюстрировал «Страсти Господни». Именно благодаря работам указанных мастеров были выведены новые формы групповой композиции.

В Европе готика распространилась с середины 14 века. Итальянский живописец А.Лоренцетти изобразил на стене собственного дома в Сиене «Аллегорию доброго правительства».

Отличительными чертами готического стиля в живописи является особый принцип изображения распятого Христа. Внимание акцентируется на прекрасных женщинах, которые объяты горем, и контрастируют с истерзанным телом Иисуса. Богоматерь изображается в большинстве случаев лишенная чувств, что символизирует высшее горе и страдание. Распятие уже не икона, а целый рассказ о Страстях Христовых, наполненный эмоциями и некоторой индивидуальностью.

Изображения ликов реалистичны, что явилось в эту эпоху признаком зарождения нового направления, называемого натурализмом. Натурализм в готике со временем стал преобладать.

Мастера живописи стали использовать пустоту для того, чтобы подчеркнуть материальность изображаемого. Ярким примером готического искусства является «Гентпский алтарь», авторами которого стали братья Ван Эйк. Изображения на алтаре разделены пустотой. Любое изображение на алтаре предельно символично и является знаком определенного обширного содержания.

Наиболее выдающиеся представители готической живописи: Р. ван дер Вейден и братья Эйк, Х.Босх и А.Дюрер.

Поделиться ссылкой

sitekid.ru

Готика — Википедия

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 7 декабря 2018;
проверки требуют 8 правок.
Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 7 декабря 2018;
проверки требуют 8 правок.

Го́тика (от итал. gotico) — период в развитии средневекового искусства на территории Западной, Центральной и отчасти Северной и Восточной Европы с XI — XII по XV—XVI века. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Термин «готика» чаще всего применяется к известному стилю архитектурных сооружений, который можно кратко охарактеризовать как «устрашающе величественный». Но готика охватывает практически все произведения изобразительного искусства данного периода: скульптуру, живопись, книжную миниатюру, витраж, фреску и многие другие[1].

Готика зародилась в середине XII века на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI века.

К зданиям и произведениям искусства, содержащим в себе характерные готические элементы, но созданным в период эклектики (середина XIX века) и позднее, применяется термин «неоготика».

В начале XIX века термин «готический роман» стал обозначать литературный жанр эпохи романтизма — литературу тайн и ужасов (действие таких произведений ча

ru.wikipedia.org

Женский костюм Средневековья. Готика — maroona_art — LiveJournal

Часть 2.

[Читать далее]

Западноевропейский костюм готического стиля. (XIII- первая пол. XV в.)

В эпоху господства готического стиля главная роль в общественной жизни принадлежит не монастырю или замку, а городу. Развивается архитектура, строятся ратуши, соборы, жилые дома, открываются университеты. Готический стиль, сложившийся изначально как стиль церковных сооружений, проникает в гражданскую архитектуру.

В XIII веке издаются первые законы против роскоши, ограничивающие пышность одежд вассалов в сравнении с сюзеренами. Появляются законы о рангах в одежде, предписывающие строгие ограничения при выборе тканей и формы костюма для различных классов общества. Например, бюргеры, в отличие от дворян, не имели права носить шелковые одежды, длинные шлейфы и т.д. «.. Ни одна женщина, ни одна девушка, не имеющие дворянского звания, не имеют права делать больше пары платьев в год. Дворянки имеют право на четыре платья в год…» — говорится в указах XIII века.

В костюмах XIII века впервые появляются вшивные рукава. Первоначально рукава пришивали временно, на день, а вечером отпарывали, так как одежда была очень узкой и снять ее иначе было невозможно.

Идеал женской красоты – хрупкий облик едва сформировавшейся девушки: гибкое тонкое тело, длинная шея, головка с высоким лбом, слегка наклоненная вперед, несколько прогнутая в области поясницы спина и выступающий вперед живот, затянутый в корсет лиф с завышенной талией. Что бы шея казалась длиннее, над ней сбривали волосы, иногда до середины затылка, а чтобы увеличить высоту лба, сбривали волосы от линии роста к темени. Модными были лицо бледное, почти без косметики, морщины – признак мудрости, выщипанные брови и ресницы. Женщина казалась хрупким, изогнутым, чахлым растением.

Текстиль был очень разнообразным: фламандское и итальянское сукно ярких цветов. Знать носила одежды модного красного, зеленого, синего и белого цветов. Простолюдины ходили в одежде серого, землистого оттенка, окрашенной растительными красителями, например соком орешника. Появляется ткань «шан-жан», т.е. меняющая цвет на свету. Очень моден был желтый цвет, считавшийся мужским.
Повседневные платья шили обычно из ткани серого, черного, фиолетового цветов.
В эпоху готики в Европе узорные ткани изготовлять еще не умели. Поэтому сукно и шерсть расшивали серебряными и золотыми нитями. Из орнаментов был очень моден узор «павлинье око».

С XV века стал модным черный бархат.

Женские одеяния состояли из длинных многослойных одежд из ярких контрастных тканей с роскошной узорчатой вышивкой: нижняя рубашка, платье котт, сюрко, плащ или упелянд. На животе под котт прикрепляли стеганые подушечки-босы, что бы имитировать выступающий вперед живот; сзади на юбке был шлейф. Шлейф на платьях XV века достигал нескольких метров длины, а конусообразный головной убор – эннен делали 70 см высоты. Церковь все время боролась со шлейфами, называя их «чертовыми хвостами». А высокие головные уборы считала карикатурой на готические соборы и неоднократно подвергала публичному проклятию и сожжению на кострах.

Котт — туникообразная верхняя одежда с узкими рукавами.

Сюрко — длинный и просторный плащ-нарамник, похожий по покрою на пончо и часто украшавшийся гербом владельца.

Упелянд (упленд, гоун) — верхнее платье свободного, трапециевидного кроя, мог подбиваться мехом.

Женское котт (котарди)

Рукава котты были узкими и длинными, часто заканчивались манжетом в виде раструба:

Сюрко с прилегающим лифом, узкими рукавами, широкой юбкой и низко расположенным поясом

Королевское сюрко: лиф с большими вырезамив боковых частях, через которые был виден котт с низко расположенным поясом из чеканных металлических пластинок и драгоценных камней и мантии, подбитой горностаем. По центру переда сюрко расположены металлические пластинки, имитирующие пуговицы.

Ян ван Эйк. Бракосочетание Арнольфини, 1434 г.
Женский упелянд с завышенной талией и широкими длинными рукавами, прорези для рук с богатой меховой отделкой. Двурогий головной убор, покрывало. Характерная поза периода культа беременности.

Наклоненная вперед головка в высоком колпаке, длинная гибкая шея, постепенно переходящая в изогнутую линию лифа, прогнутая в пояснице спина и выступающий вперед живот создавали четко выраженный профильный S-образный силуэт, так называемую готическую кривую. Для того что бы фигура постоянно сохраняла подобный изгиб, женщины носили под платьем специальное приспособление типа корсета, состоявшее из подвижных деревянных планок, соединенных внизу и вверху шнуром.

Парадные костюмы второй пол. XVв. На невесте – котт и сюрко с длинным шлейфом, эннен с вуалем. Фрагмент миниатюры, 1465 г.

В эпоху готики получили распространение сумки и перчатки. Замок, оправа и цепочка сумки были ювелирной работы.

Женские головные уборы поражали вычурностью и роскошью. Это рогатые чепцы, высокие конусообразные колпаки генины, «сахарная голова», эннены и др. Эти головные уборы выполнялись из парчи и бархата на каркасе и дополнялись вуалью. Высота головного убора зависела от степени знатности. В таком головном уборе женщина при входе в помещение приседала.

Эннен

Чепец в виде «двойной сахарной головы»



Чепец в виде «паруса»



Петрус Кристус. Портрет молодой девушки, ок. 1490.
Высокий головной убор из черного бархата с петелькой внутреннего каркаса, золотой отделкой и тонким полотном, окутывающим подбородок.

Рогир ван дер Вейден. Женский портрет. 1430 г.
Крой упелянд с открытым спереди лифом. Двурогий чепец на жестком основании с драпировкой из тонкого белого полотна, плотно обтягивающей лоб и подбородок.


Рогир ван дер Вейден. Мария Магдалина, вторая треть XV в.
Сложный головной убор из тонкой вуали на каркасе.

Ханс Мемлинг. Портрет пожилой женщины, 1470.
Головной убор, закрывающий волосы, придает строгость и возвышенность облику дамы.


Ханс Мемлинг. Портрет Марии Магдалены, 1470-1480.
Остроконечный чепец-энин, покрытый длинной ниспадающей вуалью кувр-шеф.



Ханс Мемлинг. Портрет дамы, 1480 г.
Чепец-эннин.

Ян ван Эйк. Портрет жены художника, Маргариты ван Эйк, 1439 г.
Двурогий чепец и покрывало с объемный отделкой фанфрелюш.

Замужние женщины по-прежнему покрывали голову платками. Самый простой из них — барбетт. Их делали из белого полотна, они покрывали часть груди, шею, уши, подбородок, окружая лицо чистой белизной ткани и соединяясь с убором. При выходе на улицу поверх барбетта обычно накидывали покрывало.

Группа слева – женская одежда: котт, сюрко, головной убор эскофьон, надетый поверх барбетт. Группа справа – женская одежда: котт и сюрко и верхняя одежда сок. «Сад любви», ок. 1415. Фрагмент.

Робер Кампен. Портрет женщины, 1430-1435.
Многослойный барбетт, имеющий двурогие очертания благодаря специальным вставкам. Головной убор называется апостольник. Его носили монахини и вдовы.

Форма барбетт держалась пластинками китового уса, пришитыми в боковых частях. Барбетт сохранились до XV века.

«Рыцарские косы» исчезли и остались «улитки», «баранки», вложенные в темплеты – чехольчики, сеточки, которые частично выглядывали из-под покрывала.

Покрывало и под ним темплеты.



Косы, уложенные над ушами в «бораний рог». При этой прическе уши закрывались, а шея была открыта.

Украшения в основном использовали на головных уборах. Это были пряжки, брошки, подвески из золота и серебра, павлиньи перья, дорогая вышивка. Бубенчики так же являлись «звучащим» украшением на одежде.

Косметикой пользовались мало.

Женская обувь была сходна с мужской: имела заостренные носки и изготовлялась из цветной мягкой кожи.

Бургундская мода.
В конце XIV века роскошный и богатый бургундский двор превосходил блеском и пышностью все королевские дворы Европы. Именно здесь впервые появилось понятие «мода», здесь развитие средневекового костюма достигло своей кульминации. Характерными чертами модного силуэта были вычурность, изысканность линий и удлиненность пропорций.
Это была мода феодалов и знати. Для Бургундии более всего характерны тесные узкие одежды, высокие шляпы и конусообразные генины, а также отделка краев одежды зубчиками, фестонами.

В Бургундии появились такие одежды и их элементы, которые, казалось, невозможно было носить, но носили все,- узкие штаны, тесные жакеты, обувь с длинными носками. В бургундском костюме более позднего периода появляется мода на темные, черные, монохромные одежды из бархата.
Бургундия стала очагом зарождения европейской моды. С этого момента в истории костюма появляется понятие «мода» как частая смена силуэта, формы, кроя и цвета в одежде в пределах одного художественного стиля.



Петрус Кристус. Коленнопреклоненная основательница монастыря, 1450-1460. Фрагмент
Характерное сочетание бургундской моды – платье роб с завышенной линией талии, декольте с треугольной вставкой, высокий головной убор с тонкой вуалью.

Рогир ван дер Вейден. Портрет дамы. Вторая треть XV в.
Открытый высокий лоб создавал одухотворенный образ женщины. Энин, вуаль, тонкое белое полотно. Верхнее платье роб с широким декольте и треугольной вставкой.

Сложившийся еще в эпоху раннего средневековья обычай одновременно носить несколько одежд так, чтобы каждая из них была видна в костюме, сохранился вплоть до конца XVIII века.

К очень интересным обычаям всей эпохи средневековья относится венчальный наряд – платье невесты было только красного цвета. По сообщению Кишера, первой невестой во Франции, венчавшейся в белом платье, была Мария Стюарт.



Швабский художник, «Жених и невеста, 1470 г.
Невеста в платье с узкими рукавами и лифом. Длинные локоны украшены венцом и живыми цветами.

Связь костюма с архитектурой.

Кельнский собор

Женский костюм: головные уборы стремятся вверх, длинные шлейфы достигают пятиметровой длины, благодаря короткому лифу и длинной широкой юбке создается искусственно вытянутый силуэт. Такой силуэт был созвучен силуэтам и формам готических храмов. Пышный декор костюма перекликается с таким же пышным декором архитектурных сооружений.

Литература:
1. Э.Б. Плаксина-Фрелинская, Л.А. Михайловская, В.П. Попов «История костюма. Стили и направления», 2010 г.
2. Р. В. Захаржевская «История костюма», 2009 г.
3. Е.В. Киреева «История костюма», 1976 г.
4. М.Н. Мерцалова « История костюма», 1972 г.
5. И.В. Блохина «Всемирная история костюма, моды и стиля», 2007 г.

maroona-art.livejournal.com

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о
Авторское право © 2020 Уроки рисования для всех возрастов
top